Batman 2.0

Bueno, pues ha llegado la hora de ver como ha quedado el universo Batman tras el RIP y tras Final Crisis. Recordemos varios puntos importantes. A algunos de ellos se les intentó dar algo de misterio, pero para alguien que conoce el mundillo, no tenía ninguno:

- Bruce Wayne despareció en sus series y murió o algo en Final Crisis.
- Dick Grayson se convirtió en Batman.
- Damian Wayne, el hijo que Bruce tuvo con Talia Al'Ghul, se convirtió en el nuevo Robin.
- Se cerraron las series de Robin, Nightwing y Catwoman.

Dejando esto claro, veamos que tal están las nuevas series. Las ordenaré de mejor nota a peor nota. Todo esto, sólo con 2 números de cada una para opinar, pero ya puede verse por qué pie flojea cada una. Aún así me abstengo de darle puntuación.

DETECTIVE COMICS. Greg Rucka - J.H. Williams III

No penséis que es por Rucka, ya sabéis que cuando le he tenido que poner a caldo lo he hecho. Y es que desde que salió de esta serie hace más de 6 años, podría decirse que no ha hecho nada destacable.

Pero ha vuelto con fuerza y cómo a él le gusta. Con una protagonista femenina de armas tomar. Y es que por primera vez, el protagonista de esta serie no es Batman, sino Batwoman. Kate Kane. Un personaje puesto al día por el propio Rucka en las páginas de 52. Lesbiana, alejada del resto del bat-grupo, hija de un Coronel que le hace de Jefe de Operaciones, Batwoman es todo lo que no estamos acostumbrados a ver.

Igual pasa con el dibujo. Ya había visto cosas de mérito de Williams, pero en Detective se sale. Un estilo único en el mercado y una distribución de página increíble son los puntos que le definen. No sé si será capaz de aguantar la cadencia mensual, pero espero que dure lo más posible.

Los malos son la Religión del Crimen esta que ya intentó liquidar a Kate hace un tiempo.

La serie tiene un Second Feature, que es como le llama DC ahora a los complementos de 8 páginas, de The Question (aka Renee Montoya).

BATMAN AND ROBIN. Grant Morrison - Frank Quitely

No tenía mucha fé en la continuidad de Morrison en Batman, personaje que ha ayudado a dilapidar, pero esta serie ha sabido da rel cambio de rumbo adecuado. Ni Dick es Bruce, ni Damian es Tim, y eso se hace notar. La relación entre un mentor que no quiere serlo y un alumno que se ve obligado a serlo, es la más interesante que ha surgido en años. Pero tampoco me hago ilusiones, Morrison empieza muy bien las series, pero luego empieza a liarse y las acaba como el culo.

El dibujo de Quitely mola, pero me la suda porque en seguida llegará Philip Tan. A ver que tal se le da adaptar la mierda de Batmóvil que se han fabricado o el Bat-quad, la cosa más chunga jamás vista. Ahora que vengo de leerme el Detective de los años 90, que envidia cuando el Batmóvil era algo que se tomaba en serio, y no como un juego de a ver quién inventa el más estrafalario. Ya hablaré más del tema otro día.

Pese a todo, la serie ha comenzado bien. Veremos que pasa.

Los malos son un peculiar circo, parecido al de Tim Burton en Batman Vuelve.

BATMAN : STREETS OF GOTHAM. Paul Dini - Dustin Nguyen.

Digamos que esta nueva serie es el antiguo Detective Comics. Mismo equipo creativo y mismo rumbo, con la ventaja de que como no es directamente una serie principal, puede jugar más con los secundarios.

Sin ser nada espectacular, Dini al final se supo coger el puntillo a la serie y espero que pueda hacerlo aquí también. De momento no estoy seguro, su Robin no parece el mismo de otras series y su Batman es más serio.

Ah, otra valiosa muestra del pasotismo en DC en temas de continuidad: ni el traje de Batman ni el Batmóvil coinciden con los de otras series. Ole, ole, ole.

El malo inicial fue un Firefly bien remasterizado, y a la larga parece que será Hush aka Thomas Elliott aka....Bruce Wayne. Porque en una de sus ultimas sagas se operó para ser como Bruce y dar por culo todo lo posible. Y eso ha empezado a hacer.

BATMAN. Judd Winick - Mark Bagley

Yo que sé que equipo creativo poner, ahora son estos, luego vendrá Tony Daniel 6 meses, el creador de la incomparable Battle for the Cowl. Incomparable, si, porque menudo bodrio. Y luego dice Winick que volverá. Me la suda. ¿Son estas maneras de relanzar una nueva serie?.

Si hubiera sido el mes pasado esta serie estaría de las primeras, porque el primer número, dibujado con maestría por Ed Benes fue muy bueno. Por primera vez lidiaba con la posible muerte de Bruce, asi como con las dudas de Dick de asumir el manto.

El cambio de estilo de dibujo ha sido tan radical este mes que te deja echo polvo. Para mi, Bagley lo único bueno que tiene es que dibuja rápido. Por lo demás se asemeja a cualquier dibujante del montón. Y eso no es lo que se merece esta serie.

Con Winick y Bagley me temo que esta serie caerá en la mediocridad.

RED ROBIN. Chris Yost - Ramón F. Bachs

Aunque es buen trabajo para los españoles, que pena que les hayan tocado las peores series.

Red Robin, que narra las aventuras en solitario del antiguo Robin (Tim Wayne, desde que fue adoptado), no es mala, simplemente no destaca en casi nada. La trama lleva a Tim a separarse de Gotham y de los demás, ya que no se cree la muerte de Bruce. Por ello, se lanza a una búsqueda imposible por todo el mundo para encontrarle.

De momento, lo mejor es que se ve a un Tim más maduro y más duro, pero no sé si la serie llegara a algo que merezca la pena.

Ah, el dibujo de Bachs es el menos destacable que le he visto en DC. Efectivo, pero nada más.

GOTHAM CITY SIRENS. Paul Dini - Guillem March

Sin lugar a dudas la más floja de todas. Pero es algo intencionado. Dini ha querido hacer una serie con un tono más desenfadado, y seguro que tendrá su público, pero no será el mismo al que le gustaba la anterior serie de Catwoman.

Si, las protagonistas de la serie son Catwoman, Poison Ivy y Harley Quinn. ¿Por qué? ¿Para qué?. Pues con 2 números leidos la única explicación que veo es que las 3 están muy buenas y pueden salir portadas muy chulas. No sé si son buenas o malas. Ni cúal es su propósito.

Nadie más que yo querría ver una serie de Batman dibujada potr Guillem March, pero si es para esto, me voy a abstener. Además, se nota que no está acostumbrado a estas fechas de entregas y la calidad de su dibujo baja bastante. Y eso con 2 números, a ver como está en el 6. Sólo espero que no acabe cambiando su estilo tanto como Ramon Bachs, que al final ha perdido su toque y sus cómics no se distinguen de cualquier cómic de SH que abras.

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Visto esto, la única serie que dejaré de momento es GC Sirens. A Red Robin le daré algunos números más, aunque no me entusiasme (lo siento, Elkjaer).

Además, hay que hacer sitio para dos nuevas: Batgirl y Azrael. De Batgirl no tengo ni idea, pero de Azrael salió una miniserie bastante chula en pleno Battle for the Cowl. Lo más sorprendente es que el guionista es Fabian Nicieza. Pero la verdad, supo encauzar bien la historia y han creado un nuevo personaje que puede ser interesante.

Ya os contaré.

Azrael

Big Culo Day Presents : Dr. Manhattan

Como este año va a ser el de la watchmen-manía, pensé que lo mejor para la celebración de la segunda edición del Big Culo Day era mostraros el mejor culo que apareciera en la obra.

El de Búho Nocturno, no me convencía, demasiado convencional. Las chicas, bah, no hay un gran nivel. Pero, ay, el todopoderoso Doctor Manhattan, ¿se puede ser más sexy?:

Todo el día por ahí andando en bolas sin que a nadie le parezca raro. Además, seguro que es el culo más grande y turgente de toda la colección que se podrá ver hoy en el la blogosfera comiquera.

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El Blog de Jotace

Bizarro Comics + Rose

BIZARRO CÓMICS **

"Un montón sobre chistes sobre condones de kryptonita de tíos a los que no les gustan los superhéroes", vaticinaba Ocioso. "Bizarro cómics" es una colección de historias cortas protagonizadas por los personajes más populares del universo DC, escritas y dibujadas por autores de todos los colores y sabores, desde Pekar a los Hernández.

En teoría, un "dream team" de artistas dispuestos a mostrar su versión de los superhéroes, ignorando las reglas del género. Pero aunque no hay exactamente chistes sobre condones de kryptonita, sí que hay un montón de historias aburridas, poco originales, o directamente malas. Es como la mayoría de autores no le hubiesen dedicado ni media hora al encargo, haciendo algún chiste trillado o una parodia naïf (aunque los dibujos de Tony Millionaire compensan), o directamente lo mismo que hacen siempre, pero con mallas de colores (la historia marujil con Jessica Abel es de mucha vergüenza ajena). Donde todos mantienen el nivel muy alto es en el dibujo (que además no puede ser más variado, cada historia es un mundo), pero ni esto, ni las pocas historias que valen la pena (el Monsieur Batman de Berberian, que sale cada noche a luchar contra la antipatía de los parisinos, o la sufrida canguro de Superman de Kyle Baker) compensan los 30 eurazos del tomo ni la falta de gracia de la mayoría de guionistas.


ROSE **
Jeff Smith y Charles Vess

Especie de precuela de "Bone", mucho más breve y sencilla. Más que un intento de estirar la serie, "Rose" utiliza a los mismos personajes en una historia con un tono distinto, parecida a un cuento infantil o una leyenda.
Charles Vess consigue plasmar esto a la perfección, con un dibujo opuesto al de "Bone", más cercano a la ilustración que al cómic, y con un color precioso. "Rose" se lee de un tirón, pero aunque se disfruta haciéndolo, también se olvida rápidamente, y por bueno que sea el dibujo, los personajes no tienen el ingenio y la simpatía de la serie original. Para fans de la saga o del dibujante.

Dreebo.

Un poco de todo, amigos

IRON MAN : HAUNTED

Este tomo recopila muchos de los números que están saliendo estos meses por aquí. Como la continuidad no es tan férrea con otras series, me lo pillé por Previews que me salía más barato. Y oye, que me gustó bastante. Yo que iba con la intención de que no me gustara, para dejar la serie, ahora tendré que seguirla, porque tanto la trama, muy peliculera y "realista", como el dibujo, me gustaron muy mucho.

THE UNFUNNIES

Es una miniserie de Mark Millar en Avatar, con un dibujo muy de dibujos animados. Y es que la trama va de un tranquilo pueblecito de dibus en el que empiezan a ocurrir muchas cosas que nunca habían pasado: violaciones, asesinatos, tacos por doquier...etc...

Lo que parece al principio una chorrada sin más, luego tiene su por qué.
Interesante.

X-FACTOR : HEART OF ICE

Que esta serie ya no es lo que era, está claro, pero a mí me sigue pareciendo divertida, y por lo menos compraré el siguiente tomo. Y más sabiendo que vuelve un dibujante competente, porque al Khoi Pham ese le tenía muy atragantado.

IRON FIST : THE SEVEN CAPITAL CITIES OF HEAVEN

Con este nombre tan poético se presenta el segundo tomo de la serie que supuso toda una sorpresa, tanto por la redifinición de la Historia de Puño de Hierro como por el dibujo de David Aja.

La leyenda de los antiguos portadores del título sigue creciendo en la serie, así como la del personaje principal. Una pena que se turnan un montón de dibujantes, unos más portentosos que otros.

Aún así, la serie me sigue gustando mucho mucho.

TWO-FACE : YEAR ONE

DC ha querido aprovechar el tirón del personaje en la peli con la repetición de su origen por enésima vez. Una pena que Mark Sable, el guionista, no haya sabido estar a la altura de historias ya publicadas hace mucho que superan a esta de lejos. Hablo de "El ojo del observador" (Helfer / Sprouse) o de "Two-face" (DeMatteis / McDaniel).

SILVER SURFER : REQUIEM

No sé quién me dijo que le había defraudado.

A mí no, desde luego. Como toda historia bien contada de Estela Plateada, está llena de frases grandilocuentes y hechos remarcables en la que es la última historia del personaje. Nada que objetar, salvo el formato español. Por eso, me hice con el tomito yanki.

Este cómic me ha gustado mucho, merece la pena.

JOKER

Con este sencillo nombre se presenta una novela gráfica en tapa dura de Azzarello y Bermejo.

La novedad: la historia narrada está fuera de continuidad y el Joker es algo distinto al que conocemos y más parecido al de Ledger, sobre todo por las famosas cicatrices. Los autores dicen que es casualidad, porque el proyecto ya estaba en marcha mucho antes del estreno de la peli.

El caso es que el personaje presentado, si, está muy loco, pero también tiene un punto racional, ya que nada más salir de Arkham decide recuperar su ciudad. Es más como un feje mafioso. La verdad, se queda a medio camino entre el Joker de los cómics y el de la peli, y no llega ni al nivel de uno ni al del otro.

Además, la historia es narrada por un compinche de medio pelo que no tiene el menor interés. Por lo menos gráficamente si es reconfortante, aunque Bermejo no utiliza su mejor técnica en todo el cómic y sólo lo reserva para viñetas o páginas señaladas.

En fin, un cómic algo interesante, pero con demasiado envoltorio para el poco contenido. Por tanto, el mejor cómic de Azzarello con Batman sigue siendo el Batman/Deathblow.

UNKNOWN SOLDIER

Debido a la crisis que afecta al sector superheroico de DC, y que me hequedado sin "Y" y en breve sin 100 Balas, me lancé a probar esta nueva seriede Vertigo. Situada en Uganda, en algún sitio he oido llamarla como una mezcla entre "Diamante de Sangre" y "Bourne", y la verdad es que los primeros números lo parecen totalmente. De momento, pinta bien, ya veremos.

Azrael

La escarcha sobre los hombros

Peloteos aparte (la dibujante Iru, es una de los nuestros), me ha gustado bastante.

El mérito de la historia corresponde al autor del libro, que ya ha vendido un ejemplar más (en cuanto lo encuentre), y como aunque no lo he leído no puedo saber si la adaptación es buena, hay que decir que el dibujo es agradable y no desentona en ningún momento, y que la composición de página, el ritmo y los diálogos, están trabajados. Eso se nota, y se agradece.

Valórenlo ustedes mismos, caballeros. Merece la pena, porque la edición es muy buena, a mi entender. Se agradece la nota del autor, dando "el visto bueno" a la adaptación.

dso, admitiendo que como reseña es muy pobre, pero... ¡qué queréis! ¡que está bien, coño! ¡que sus lo leais!

Y Dreebo dijo:

A mí también me ha gustado; no cae ni una vez en las parrafadas "en off" que usan tantos autores veteranos, y meten la historia (que imagino que será mucho más larga en el original) en un solo álbum sin problemas, y además con bastante gracia,
usando bien los diálogos y demás.

El dibujo está bien, expresivo y detallado, pero le sobra el color (o necesita uno mejor, las dos opciones me valen), y ese toque "fanzinero" que tiene.

Fábulas : El buen príncipe

No sé los números de Fábulas que quedan para que temine la serie, o al menos para que se cierre el arco argumental principal (el de la guerra).

Pero desde luego, este tomo ya deja claro que quedan pocos. Es una buena historia bien contada, en la línea del resto, aunque a veces un poco ingenua y tramposa... en la línea del resto.

A estas alturas, la "sorpresa" inicial de ver el rol que cada personaje de cuento tiene en el mundo actual ya se ha perdido. el autor sigue sorprendiendo utilizando a los secundarios más inocentes, como Papamoscas, y es verdad que en ningún momento nos han querido vender la moto de que ésta sería una serie seria y profunda...

Pero al finalizar este tomo, y aunque me ha gustado mucho, me he quedado con
un sabor de boca algo amargo. El autor mantienen la tensión a base de enigmas sin resolver, y cuando los resuelve, a veces dan ganas de gritar "trampa, trampa!". porque la solución a los problemas que se plantean a los protagonistas se resuelve por la vía rápida. como diría Lucy Sin Ley, cuando algo no cuadra, la culpa es de un mago.

En fin, la historia me ha gustado, y mucho, pero uno está empezando a sorprenderse de que las cosas les salgan tan bien a todos los protagonistas (a los protagonistas buenos), y la pregunta es inevitable...

¡Coño! Si era tan fácil... ¿por qué no lo habéis hecho antes? ¿Porqué, contando con tantos poderes a vuestra disposición, no los habéis usado? ¿Por qué, siendo prácticamente inmortales, no sois un poco más listos?

Por cierto, me terminé el tercero de Jack. es cierto, las historias se cruzan, pero no más allá de lo anecdótico... los que prefieran pasar de las historias de Jack, que no sufran: se puede seguir la historia principal sin necesidad de pillarse el resto.. que esto no es la Civil War! :-)

dso, opinando un poco sobre lo que lee, que ya le vale

The Spirit : Penitencia Navideña

Durante años, numerosos críticos cinematográficos han usado la expresión “comic filmado” para designar despectivamente a cualquier película con más acción que “Los Comulgantes” y mayor sentido lúdico que ”El Año Pasado en Marienbad”. No es extraño. Era una etiqueta gratuita y errónea, claro, pero comprensible en quienes tratándose de comic no distinguen a Omaha de La Abuelita Paz.

No obstante, hace unos años tuvieron por fin la oportunidad de emplear adecuadamente la coletilla en cuestión gracias al estreno de “Sin City”, pseudo-película que puede calificarse de forma literal como un comic filmado, casi viñeta por viñeta. Aunque saludada por algunos como una tremenda innovación, otros consideramos en su día al engendro de Miller y Rodriguez como una forma de servilismo (que no colaboración) del cine hacia el comic que convertía lo que podría ser una adaptación de un medio a otro (con nuevas aportaciones creativas) en un mero ejercicio de copista , en el que todo (desde los encuadres a los gestos de los actores) estaba enfocado a la reproducción lo más mimética posible del comic original. Mimetismo con el que, por cierto, a Frank Miller se le hizo el culo pepsicola al descubrir que si el comic filmado podía pasar por cine , cualquier autor de comic con un buen equipo técnico a sus espaldas podía pasar por cineasta. Para corroborarlo, Miller estrena ahora ya en solitario “The Spirit”, que acabo de sufrir en mis carnes, y que confirma, como decía el título original de una olvidable peli de Ben Affleck, la suma de todos mis temores.

En primer lugar conviene destapar un fraude : La película se identifica publicitariamente con el Spirit de Will Eisner, y tiene bien poco que ver con él salvo el uso de un mismo puñado de nombres (que designan a personajes muy diferentes, a veces irreconocibles, en el comic y en la peli), algunos rasgos de apariencia física compartidos y un flashback, (el de Sand Saref), cuya similitud con una de las historias de la serie de Eisner es la excepción a la empecinada regla de alejamiento total por parte del film del comic que presuntamente le servía de base argumental. Lo que vemos en la pantalla no es “Will Eisner´s The Spirit”, sino “Frank Miller´s Spirit”, y las diferencias entre ambos son tan abismales que uno se pregunta por qué Miller no ha suprimido esos rasgos superficiales de contacto y le ha dado a su cinta un título diferente (“The Abnormal Masked Fool”, por ejemplo) que eliminara esa asociación teórica que, en la práctica, ha despreciado por completo. Claro que también se imagina la respuesta : Porque exhibir como bandera a un comic clásico mundialmente famoso (el mejor jamás realizado, en mi humilde opinión) favorece las ventas y la promoción.

El caso es que si, como suele decirse, uno de los rasgos típicos de autoría cinematográfica es la capacidad de un cineasta para coger temas o tendencias ajenos en principio a él y llevarlos a su terreno, haciéndolos suyos y dándole su sello personal, no cabe duda de que el creador de “Ronin” es un autor, en el sentido más cahierista del término. No en vano ha cogido la obra de Eisner y la ha “millerizado” hasta hacerla irreconocible, modelando su propio Spirit y pasando olímpicamente de las pautas establecidas por el felizmente fallecido maestro (ya que es una suerte que no viva para ver este engendro), al que manifestaba dedicar teóricamente la peli como si de una “carta de amor” se tratase , pero transformándola en la práctica en una patada en el culo a su pobre cadáver.

Y es que el problema no reside en que Miller no haya realizado una adaptación fiel ; ya comenzaba esta opinión señalando que los calcos de un medio a otro no me merecen mucho respeto. Ni siquiera en que haya jugado a efectos promocionales con una asociación entre comic y película que se revela peregrina habida cuenta de los resultados. El problema es que la versión de Miller, su Spirit, su visión del personaje y su mundo totalmente opuesta a la de Eisner, es mala. Mala de cojones.

En primer lugar le otorga un tono decididamente (mas bien pretendidamente) cómico ; ya sabemos que entre la infinidad de registros otorgados por Eisner a su creación se encontraba el humor, pero manteniendo un equilibrio permanente que le impedía caer en el ridículo. Miller, por el contrario, no se anda con refinamientos y saca entusiasmado el Mariano Ozores que lleva dentro, con nefastas consecuencias: Octopus es un fantoche carnavalesco tan pasado de rosca que convierte al Joker de Jack Nicholson en un modelo de continencia por comparación; el comisario Dolan es la versión chillona del abuelo Cebolleta ; los secuaces del villano, un grupo de tarados dignos del peor capítulo de Barrio Sésamo; y el héroe, un payaso delirante que casi se hace pajas de gusto cuando piensa en su gothámica ciudad. No hablamos de comedia, ni tan siquiera de parodia; se trata sólo de una sucesión de fallidos y patéticos intentos de despertar una mísera sonrisa equiparable al peor especial navideño del Dúo Sacapuntas. Y por supuesto arruina por completo los contados intentos de recuperar un tono mínimamente serio, relacionados generalmente con el personaje de Sand Saref, el único que aspira a tener un poco de dignidad en esta guardería cinematográfica.

En segundo lugar, hay que retroceder a los más infames episodios del Hostal Royal Manzanares para encontrar unos diálogos tan pésimos, inconcebibles en un guionista firmante de obras maestras como “Daredevil Born Again”. Las confusas y surrealistas parrafadas del Octopus, los cargantes e incesantes soliloquios del protagonista, las réplicas y contrarréplicas entre Spirit y sus chicas, son monumentos al aburrimiento y la estupidez, a la pompa sonrojante, al cliché más sobado y el chiste sin puñetera gracia. Con semejantes mimbres no es de extrañar que el supuesto argumento no sea más que una ocurrencia chusca que mezcla drogas y

experimentos genéticos con el vellocino de oro, la sangre de Heracles y, de haber tenido espacio, la minga incorrupta de San Agustín. Podría ser (involuntariamente) gracioso, pero sólo es irritantemente absurdo. Y la desorientación del pobre David Newman, (hermano tonto del genial Thomas), especializado en comedia fofa y animación infantil, cuya partitura intenta imprimir emoción batmanera de saldo a la ristra de sandeces que desfilan por la pantalla, es buena prueba de ello al potenciar lo grotesco de la situación.

En tercer lugar, el “look Milleriano” gestado en “Sin City” y “300” puede impactar en pequeñas dosis, pero empacha sobremanera en más de hora y media de metraje. El blanco fluorescente en el calzado, el rojo chillón en la corbata o la pátina permanente de luz neblinosa y sucia que invade la (anti)fotografía y los mil y un efectos que la conforman eliminan cualquier interés inicial por pura acumulación. Utilizados con más mesura podrían haber “animado” visualmente la peli, pero expuestos con tal machaconería (y habiendo sido requetevistos ya en cintas precedentes, desde la fallida “Sky Captain”) no despiertan mas que rutina y hastío. Miller comete el error de creer que la traslación casi literal de efectos gráficos a la gran pantalla puede erigirse en una suerte de estilo cinematográfico, cuando es sólo una ocurrencia más o menos afortunada en virtud del uso/abuso que se haga de ella ; y de ahí la pérdida total del norte que muestra su película.

La consecuencia ineludible de todo este despropósito es evidente : Los actores, lidiando con personajes ridículos, un guión absurdo y una pantalla verde permanente que no complementa, sino que eclipsa y oscurece su trabajo, bien poco pueden hacer. Da igual que se trate de muertos de hambre como el Gabriel nosecuantos que protagoniza el circo o de veteranos solventes como Jackson : Ninguno de ellos puede evitar verse salpicado por el desastre. Quizá sea Eva Mendes la única que pueda extraer algo mínimamente positivo para su carrera de “Spirit”, en la medida en que su papel es el menos asnal del conjunto y le permite lucir su palmito como nunca.

Porque finalmente a eso se reduce lo que Spirit ofrece (al público masculino más o menos fetichista) : Retazos de erotismo suave cortesía de su suntuoso reparto femenino : Los cegadores glóbulos blancos de la Scarlett rebosando sobre algún escote, el marmóreo parachoques trasero de la Mendes apoderándose de la pantalla, las bien modeladas piernas de nuestra Paz (en un papel de extra con frase) en un gozoso primer plano, y poco más. Eso, y la constatación de la decadencia feroz, imparable y abisal de quien fue ayer uno de los grandes genios de la narrativa dibujada y hoy, no contento con cosechar un frío recibimiento con sus últimos y decepcionantes comics, exhibe sin pudor su ocaso creativo en el medio cinematográfico para tristeza de quienes le aplaudimos en sus años dorados.

Hellboy : La oscuridad llama

Nuevo Hellboy, nueva historia larga, nueva sensación agridulce.

Esta vez más agria, si cabe, porque no dibuja Mignola sino un Fegredo más que correcto en su estilo amignoliado (aunque en los extras mignola dice que no quería "un imitador"), que para muchos sería difícil en determinados pasajes distinguir del original, pero sin la capacidad de asombro que tiene el bueno, no sólo en la facilidad de su trazo sino sobretodo en su constante juego con las sombras y los volúmenes.

Dejando el dibujo de lado, nuevamente me pasa lo que suele pasarme con Hellboy: me sorprendo de la magnífica ambientación que tiene, de lo bien narrado que está, de cómo consigue sacar gran partido de la mitología y demás, de lo creíbles que resultan esos dioses y demonios y otros personajes extraños y lo brillantes que son algunos de sus pasajes, de cómo se puede dibujar cuatro viñetas de un pobre infeliz invocando a un demonio y que sea verdaderamente un infeliz invocando a un demonio (no como en Sandman, por ejemplo, que te lo crees porque te lo dice, no porque lo sientas) y, cuando estoy metido de lleno en la historia, en esa Inglaterra tétrica, viendo esa horda de seres malvados dispuestos a conquistar el mundo, pensando esta vez sí "oye, ésto es realmente muy bueno", entonces siempre llega el chascarrillo y los guantazos.

Como si Mignola hubiera firmado un papel a su editor al empezar la serie tipo "me comprometo a meter una pelea cada X páginas... y algún chiste para desengrasar, qué demonios!".

Y no es que no me gusten las peleas y los chascarrillos, vive Dios, que algunas son cojonudas y están magníficamente resueltas, lo que digo es que es necesario que TODAS las tramas terminen así?

Resumiendo: nuevo buen cómic con nueva aparición estelar de La Cosa y su tía Petunia (versión endemoniada). :-(

Spiff

La Torre Oscura y otras cosillas

LA TORRE OSCURA

Nunca he sido fan de Stephen King, no me va mucho su estilo, y por eso pasé de esta versión en cómic de una de sus sagas. Pero cuando ojeé el libro de deBolsillo, que recopila la miniserie de "El nacimiento del pistolero", el ARTE de Jae Lee e Isanove hizo que acabará pasando por caja.

Y oye, no me arrepiento.

Primero, no tenía ni idea de que King manejará también estilos tan distintos a su habitual. Porque esto es un western. Pero también es fantasía. Y también es post-acopalíptico. Ni idea, oyes.

Segundo, gráficamente no tiene nada que reprocharle. Los colores son impresionantes (que gusto cuando alguien si sabe manejar el photoshop) y los dibujos, la cúspide del trabajo de Jae Lee hasta el momento, aunque nunca antes nos haya defraudado.

Y tercero, la historia me gusta. Quizá se quede algo sosa, pero sabiendo que sólo es la presentación de un personaje que todavía tiene mucho que evolucionar, creo que el cómic funciona muy bien.

Ah, el formato. No está mal, porque aunque es pequeño, como Lee maneja muchísimas splash pages y viñetas muy grandes, pues no deja nada que desear. Si hubiera salido en tamaño cómic lo hubiera preferido, pero como sólo estaba en grandote (y estoy en contra de él), pues nada.

AFTER THE CAPE II

La segunda parte de esta historia de la línea Shadowline de Image en la que un antiguo superhéroe se mete a hacer trabajitos con la mafia para pagar las deudas de su familia.

Al igual que la primera historia, es una trama dura, entretenida y muy pesimista. Pero por eso me gusta. Los 6 números totales conforman una historia cerrada y muy bien narrada.

FOOLKILLER

De la linea Max de Marvel, la que se reserva para contar lo más bestia. Foolkiller es una especie de Punisher, pero más bestia si cabe. Me gusta el desarrollo del personaje y del secundario, el tipo al que ayuda (que cuando estás leyendo su historia en el primer número te crees que es la del prota). Una historia entretenida y un dibujo molón. Me ha gustado.

POWERS

Josplas, tenía ya acumulados en la pila los tomos 9, 10 y 11. Y visto que en el Previews salía el 12, me dije "Hay que pulirse esto". Así que me he leído de una tacada los 3. Los dos primeros "Psychotic" y "Cosmic", están genial, y volvieron a recordarme después de tanto tiempo porque me gusta esta serie. El tercer tomo, "Secret Identity", es un poco más flojo, y además aparta de primera plana las tramas que más interesaban de los otros tomos, esto es: los secretos más oscuros de los dos protagonistas.

Muy fresca y sorprendente.

Azrael

Por los caminos oscuros, de David B.

"Por los caminos oscuros" es el último álbum que ha aparecido de David B. , autor ya famoso por estos lares. Es la supuesta continuación de "La lectura de las ruinas", cómic que ya comentamos por aquí, pero se puede leer perfectamente sin conocer el anterior.

Creo que Dreebo dijo de "La lectura..." que el cómic era muy interesante pese a que no interesaba nada lo que en él se contaba, y me temo que eso define bastante bien lo que ocurre con esta serie: está plagada de pequeñas buenas ideas acompañadas de un fantástico (pero fantástico) dibujo, pero que uno no tiene en ningún momento demasiado claro de hacia donde se dirigen.

Aunque éste segundo álbum, igual por el simple hecho de estar estructurado en algo parecido a capítulos, sí me transmite más la sensación de que la historia avanza, y de que además son el inicio de algo que aún está por venir (espero que en el siguiente álbum), las cosas que en él ocurren dejan siempre la sensación de estar a medio camino entre una historia clásica y una alucinación, y en todo caso dentro de un universo completamente personal (el de David B.) en el que uno nunca sabe qué le deparará la página siguiente.

Aún así (o igual por eso) creo que es un álbum muy bueno y muy recomendable, aunque solo sea por ver la forma en la que B plantea y resuelve algunas escenas, tanto conceptual como formalmente.

Lo dije la otra vez y lo repito, creo que David B es de lo más interesante que uno puede encontrar en el cómic de hoy. Y versátil, Ocioso, ésto no tiene nada que ver con "el gran mal", por ejemplo.


Spiff

Los zombis que se comieron el mundo

Guión: Jerry Frissen

Dibujo: Guy Davis

Color: Charlie Kirchoff

Formato: Tomo rústica, 208 págs.

Editorial: Norma (Colección Made in Hell)

Precio: 18,5 €
Edición original: Les Zombis qui ont mangé le monde números 1 a 4 (Les Humanoides Asocies)

¿Qué ocurriría si en el año 2064 los zombis caminaran por la Tierra hasta el punto de llegar a ser el 35% de la población en una ciudad como Los Ángeles?

Hasta aquí todo normal para una historia de zombis, pero el cómic que nos ocupa es cualquier cosa menos normal ya que estos zombis tienen sus propios derechos (perdón ¿he dicho zombis? Quería decir no-vivos) y conviven en el planeta como cualquier persona viva.

Éste es el punto departida para una genial historia de humor negro desternillante donde los autores nos presentan a Karl Neard, un friki de Star Treck escuálido y con granos, su hermana Maggie y Freddy Merckx, un belga bastante bruto que primero arranca cabezas y después pregunta.

Karl y Freddy se dedican al negocio clandestino de los zombis, es decir, si tu abuelo zombi huele mal y quieres deshacerte de él ellos se encargaran de incinerarlo… Pero recordemos que los zombis tienen sus derechos con lo cual la incineración se considera un asesinato. ¿Quieres librarte de tu suegra zombi? ¿Organizas peleas ilegales de zombis? No hay problema, ellos son tus chicos.

Y así durante más de 200 páginas los autores arremeten contra la política, los fanatismos religiosos, racismo, abandono de mayores y mascotas, el mundo del arte, etc. Con ácido humor negro y violencia gratuita a raudales.

Los dos primeros números que forman el tomo están compuestos de historias cortas absurdas e hilarantes que conforman la trama y va preparando las bases de los dos últimos donde las intrigas políticas y la segunda venida de Jesucristo son los platos fuertes.

Los dibujos algo caricaturescos casan muy bien con la temática desenfadada del guión y el color ayuda a que la lectura sea más agradable, haciendo por tanto una obra redonda en todos los aspectos.

Los amantes de los zombis, el humor absurdo y las ideas originales estamos de enhorabuena.
Es hora de que los mojigatos empiecen a despotricar, pero no hay problema ahora les podemos arrancar la cabeza… total, van a resucitar dentro de un minuto…

Dead Space: Perdición

Título Original: Dead Space Downfall

Director: Chuck Patton

Fecha: 28 octubre 2008 (USA), 4 noviembre 2008 (España)

Formato: DVD, Blu-ray

Duración: 74 min.

Dead Space: Perdición es una película de animación de la nueva franquicia de EA. Ésta se compone de un cómic producido conjuntamente con Image (Antony Johnston al guión y Ben Templesmith a los lápices), la película que a continuación reseñamos de Sony Pictures y un videojuego. Por ese orden, donde un formato termina continúa el siguiente la historia. Se comercializará directamente en DVD y Blu-ray, en España sólo se ha podido visionar en salas en el festival de Sitges y en Madrid en las oficinas de Sony Pictures.

La trama que nos cuenta Dead Space: Perdición nos lleva a la nave minera Ishimura, una de las naves que se dedican a agotar los recursos de los planetas y destruirlos una vez éstos han sido agotados.

La Ishimura llega a uno de estos planetas para transportar a la Tierra un monolito encontrado en las excavaciones que recuerda al símbolo que adora la religión de la unitología. La colonia minera del planeta ha sido prácticamente exterminada a base de suicidios y violentos asesinatos desde que fue descubierto el monolito, y como es de esperar antes de poder marcharse de allí con la enorme piedra alguien (y algo) se cuela en la nave. A partir de ahí comienza un festival gore en la lucha por la supervivencia donde Alessa Vincent, jefa de seguridad de la Ishimura y su equipo se enfrentan a unos seres que se apoderan de los humanos muertos a los que infectan para transformarlos en horribles monstruos sedientos de sangre.

Sin duda alguna el guión es lo mejor de la cinta, y más aun si vemos la historia como un todo junto con el cómic que lo precede y la secuela del videojuego. Una historia muy cuidada, mezcla de grandes ideas de otras películas (Zombis, Aliens, la soledad del espacio,…) que hasta nos parece nuevo.

La imagen desmerece a la historia, salvo algunos fondos más propios del arte conceptual del videojuego, ya que los dibujos recuerdan mucho a las antiguas series de dibujos de los 90, lo cual no es en sí malo (a mi incluso me gustan) pero son algo irregulares durante el metraje y las animaciones se podían haber trabajado más teniendo en cuenta las tecnologías disponibles hoy en día.

El doblaje no es gran cosa e incluso a veces se oye más el ruido de fondo (motores, etc.) que a los personajes hablando y en algunos momentos de la cinta, en algún cambio de escena, se producen unos silencios (por no decir cortes) algo incómodos y que te sacan de la acción. Estaría bien poderla ver en su V.O. y poder comparar si también pasa lo mismo.

En definitiva una película que hace unos 15 años habría dado que hablar, pero que ahora queda algo desfasada técnicamente, a pesar de haber invertido 2 millones de dólares. Interesante de ver si te interesa el videojuego para saber que sucedió antes de desembarcar en la Ishimura…

Los Muertos Vivientes

Edición Original:

The Walking Dead Vol. 1: Days Gone Bye Fecha de edición: junio de 2005
Guión: Robert Kirkman
Dibujo: Tony Moore
Tinta: Tony Moore
Color: Blanco y negro
Formato:144 págs.
Precio: 7,5 €

Los Zombis siempre han tenido algo especial de toda la fauna de seres no-muertos o del género de terror. No tienen nada que ver con los sensuales y poderosos vampiros, los siempre sonrientes esqueletos o las exóticas momias.

Los Zombis son a los cementerios lo que el tonto al pueblo, nadie los hace caso. Al menos hasta que ya es demasiado tarde.

Y es que uno siempre piensa que estos seres son estúpidos, pero esa es una de sus ventajas. Subestimarlos.

De todos es conocida su lentitud, y aquí es donde se vuelven a aprovechar de nosotros. Ya que por supuesto, en caso necesario, podremos escapar corriendo de uno, de dos, hasta de cinco. Pero ¿Y si estuvieses rodeado de 300? ¿Y de 500? Ahí es cuando piensas "Mierda, la cagué".

Lo mejor de las películas de zombis es que sin darte cuenta empiezas a sentir la claustrofobia/agorafobia, el pánico, la angustia del protagonista y la agonía por la supervivencia.

Lentamente.

Muy lentamente.

Sólo recuerdo un libro con el que sentí esa sensación: "Soy leyenda" (1), hasta que éste cómic cayó en mis manos.

"Los Muertos Vivientes: Días Pasados" recoge, editado aquí por Planeta, los primeros 6 números de la serie original de Image Comics "The Walking Dead".

Nada más abrirlo nos encontramos con una sincera introducción (con la que más de uno estará de acuerdo) por parte de Robert Kirkman, guionista de la obra.

Robert Kirkman se declara amante de los zombis y eso se nota en el cómic. En él nos cuenta la historia de Rick Grimes, un policía de pueblo que tras ser herido en servicio se despierta del coma sólo en un hospital. Bueno, no está realmente sólo.Ya me entendéis.

A partir de aquí Kirkman nos conduce en un alucinante viaje repleto de miedos, angustias, sorpresas y todo tipo de emociones que puede ser capaz de sentir un ser humano.

Para mí, Kirkman consigue el objetivo que se propone en la introducción, no solamente asustar si no indagar en el interior de las personas y sacar todos sus sentimientos. Ésta historia no acaba cuando se hace de día, como en las películas. Acompañaremos a Rick en su lucha por la supervivencia, en sus relaciones con los compañeros de viaje y en sus dudas sobre qué causó la plaga contra la que luchan.

En el apartado gráfico, Tony Moore hace un trabajo más que notable. Dibujos en blanco y negro en los que Bill Crabtree añade más grises. La primera vez que aparece un zombi "vivo" en el cómic impresiona, asquea, y todas las sensaciones que un zombi debe producir. Todo eso se multiplica exponencialmente cuantos más zombis salgan en la viñeta. Creo, sinceramente, que éste tipo ha nacido para dibujar aglomeraciones de zombis.

Un muy buen cómic para los amantes del género de terror y de los zombis en particular, con unos buenos y detallados dibujos y una historia atrayente y agónica que hace imposible cerrar el cómic y obliga a seguir leyendo.

(1) Autor Richard Matheson. Título original "I am legend", aunque éste libro
trata de vampiros, no de zombis. Muy recomendable.

El Borak

Publicado en es.rec.comics el 06/07/2005

The Courtyard, de Alan Moore

"Alan Moore's The Courtyard"
Avatar Press. Enero 2004
Guión de Alan Moore
Dibujo de Jacen Burrows
Adaptación Secuencial de Antony Johnston
Publicado por Aleta Ediciones.
PVP 5,00 euros
Número único. 48 páginas. Blanco y negro

Esos son los datos básicos y entre ellos hay uno que me ha dejado perplejo: ¿que es eso de "adaptación secuencial"?

Este cómic cuenta la historia de un agente del FBI experto en lo que él llama "teoría de las anomalías" y que trata de descubrir la conexión entre varios asesinatos brutales cometidos por diferentes asesinos y a partir de ahí ocurrirán una serie de acontecimientos bastante... curiosos. Para ello Alan Moore juega con elementos del cómic de terror, algo del género negro y, sobre todo, con algunas cositas tomadas prestada de H.P. Lovecraft, por lo que considero que es un cómic especialmente recomendable para aficionados a estas cosas.

No es un cómic que vaya a pasar a la historia, pero se lee de un tirón y la historia atrapa. Como dice Garth Ennis en su introducción, esta historia a cualquier otro le podría haber dado para un tocho de cienes de páginas, pero a Alan Moore no le hace falta y en esas 48 páginas nos cuenta perfectamente lo que ocurre en 48 horas.

Para lo que me ha servido este cómic es para afirmarme en una idea personal: no es necesario un dibujo como el de Eddie Cambell en From Hell para contar una historia de terror. El señor Jacen Burrows utiliza un dibujo muy limpio y muy detallista para contar una historia muy sucia y eso se agradece profundamente. Además, curiosamente para ser Alan Moore, en este caso casi todas las páginas tienen la misma composición de página: dos viñetas que son dos silos verticales de arriba a abajo; y en ocasiones una splash page incluso a doble página. Sólo imaginarme un From Hell dibujado por este señor me produce palpitaciones (aunque lógicamente la composición de página debería ser otra).

En fin, un cómic para leer en el autobús o en el metro o en un momento all-bran, pero si tenéis otras compras en perspectiva o el dinero no os llega, no es imprescindible, aunque sean "sólo" 5 euritos.

Briker

Publicado en es.rec.comics el 28/05/2004

Daniel el Travieso al completo

"The Complete
Dennis the Menace : 1951-52",
de Hank Ketcham

Nueva muestra de las magníficas recuperaciones de clásicos bajo la imprescindible firma de Fantagraphics, este tomo es el primero que recopila los single panels (vamos, chistes de una sola viñeta) que convirtieron a "Dennis the Menace" ("Daniel el Travieso" para nosotros) en un auténtico best seller del comic y de otros media. Inspirado por el propio hijo del autor, Dennis es un crío de 5 años con una sádica tendencia a armarla (destrozando lo que se cruza en su camino o haciendo los comentarios más inoportunos en el peor de los momentos) para martirio de sus sufridos padres, el pacífico Henry y la esbelta Alice.

Visto hoy día, medio siglo después de su creación, es apreciable por el impecable trazo de Ketcham (Patrick O´Donnell, creador de Mutts, le considera también un maestro de la composición) y lo entrañable de su humor, pero no deja de ser un humor gráfico muy tradicional y bastante infantil, muy limitado por el formato y el carácter familiar que impiden más ironía o profundidad. Es entretenido,vaya, pero no deja huella.

Eso sí, basta con echarle un vistazo a estas viñetas para tener meridianamente claro cual fue la inspiración del futuro Calvin de Watterson. Aunque la ingenua obra de Ketcham no le llegue a los talones al magistral legado que supone "Calvin y Hobbes", y las influencias intelectuales de Watterson sean mucho más elevadas (Schulz, Kelly, Herriman) es evidente que el patrón de un crío rubio de pocos años incansablemente travieso que colma a diario la paciencia de sus martirizados padres tiene una referencia clarísima en el Dennis que, no casualmente, vivía sus horas de mayor popularidad en los años de infancia y primeras lecturas de Watterson.

Acege

Publicado en es.rec.comics el 23/02/2007

Los cómics son cosa de mujeres

El sábado pasado fuíme a la biblioteca pública y allí hice un repasito de sus aparadores (no están en estanterías, si no en unos contenedores de hasta medio cuerpo de altos, como en algunas tiendas) de cómics. Una mirada superficial me indicó que una mayoría de cómics eran de tema y autores femeninos. Es el efecto Aída -díjeme; pero los cómics tenían un aspecto viejo como de discriminación positiva de los mismos años que los biberones de la Sra. Ministra.

Total, pensé, será que se nota por una vez el hecho de que la profesión bibliotecaria sea mayoritariamente femenina y alguien se dedica a elegir estos cómics con tal apariencia de delantal y cocinita. Sea como fuere, con ellos que me fui para casa dispuesta a leerlos en tiempo de poner la olla exprés y para que hagan juego entre chiste y chiste de Arguiñano cuando dice que cocina. Estos fueron los elegidos:

1-Mátame :
una desgarradora historia de amor y muerte.
David Lapham; Barcelona: La Cúpula, 2005

Hay que quedarse con el subtítulo, porque efectivamente se trata de una desgarradora historia de amor y muerte. Cuando lo cogí creí que iba a ir de maltrato, pero no exactamente. La propietaria de un famoso bar es encontrada colgada del ventilador del salón de su casa, parece un suicidio, pero las difíciles relaciones que mantenía con su pareja indican que puede ser un asesinato pasional.

El dibujo en blanco y negro, el trazo duro, con mucho juego del claro-oscuro, las ambientaciones mayoritariamente nocturnas, confieren al cómic un aspecto como de novela negra, en la que el lector va descubriendo al mismo tiempo que el protagonista el misterioso comportamiento de Tara Torres, su primer y frustrado amor juvenil. Es una historia distinta, a pesar de rozar temas trillados (pero no resueltos), la intriga hace que sigas con interés toda la lectura.


2-Rubia de verano / Adrian Tomine; Barcelona: La Cúpula, 2005

Contiene cuatro historias, y toma el título de una de ellas. Todas las historias tienen un nexo en el protagonista, el alter ego (título de la primera historia) del propio autor, que invade todo ambiente del cómic de personajes anodinos, comunes, frustrados, solitarios, perdedores, aburridos, faltos de iniciativa y en definitiva con pocas o ninguna ganas de vivir.

En la primera historia, Alter Ego, un joven novelista que busca tema para su segunda novela después del éxito de la primera, recibe una postal de una mujer y cree que se trata del antiguo amor que inspiró su primera novela. Por eso inicia su búsqueda. Pero el camino le lleva a descubrir otra persona. Y ante su falta de decisión, otros toman la iniciativa por él.

La segunda historia es muy parecida, en cuanto al personaje, a la anterior. Él vive platónicamente enamorado de una "rubia de verano" que trabaja en una tienda de postales, a la que no se decide a acercarse ( a ella, va a comprar casi cada día una postal) Y la rubia, claro, tiene su propia vida montada.

La tercera historia, Escapada a Hawai: protagonizada por Hillary Chan, es la versión femenina del chico anterior. Ella, aunque es titulada universitaria, trabaja de teleoperadora, pero lo maquinal de su faena hace que se salga de la rutina y acabe perdiendo el trabajo. Entonces se encuentra con muchas horas del día por llenar.

Y la cuarta historia, Amenaza de bomba, cuenta la historia de la dificultad de dos adolescentes por relacionarse entre sí y con los de su edad, por diferenciar lo que está bien aceptado socialmente de lo que está mal, y reconocer la propia identidad sexual.

Dibujo también en blanco y negro, más limpio que el anterior, pero igualmente deprimente.


3-Luchadoras / Peggy Adam; Madrid: Sinsentido, cop. 2007

El dibujo, la historia, todo recuerda a los hermanos Hernández. Y esta vez sí va de malos tratos a mujeres. Un día, un hombre apoyado en un coche que está parado ante la puerta de un edificio oficial, en el interior una mujer joven habla con una asistente social. La mujer, Alma, ha ido a denunciar a su compañero sentimental. Es una historia de malos tratos, infidelidades, abandonos, miseria y muerte.

El dibujo también en blanco y negro, es menos experto que en los anteriores, de trazo vacilante, o por lo menos, aparentemente infantil, que para una historia que no tiene nada de infantil, resulta poco apropiado, creo yo.


4.-La perdida /Jessica Abel; Bilbao: Astiberri, cop.2006

Una jovencita norteamericana de madre gringa y padre mejicano, emprende el viaje a México en busca de no sabe bien qué, pero cree que la autenticidad. Allí, sin conocer ni el idioma, intenta integrase con la población, ser una más, sin tener en cuenta las dificultades. Y éstas son enormes, y la integración se va haciendo cada vez más imposible y hasta peligrosa.

Es una historia original, se sigue bastante bien, llegas a querer a la cándida -y pánfila- protagonista, llena de ideales y buenas intenciones. El dibujo es lo que menos me ha convencido, pero lo compensa el interés de la historia.


5.- Baby blues: adivina quien no ha hecho la siesta. Vol.1;
Barcelona: Norma, 2001

Tiras cómicas de una temática muy particular: padres nóveles. Divertidísimo, tal vez solo apto para quien haya pasado por el trance. Ahora bien, saber que otros comparten tus mismas dificultades, compensa no poco. Así que muy recomendable para ese sector de la población que o va a tener un bebé o lo acaba de tener.

Ninovska

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Callejón Rojo, de Séra.

Con el rollo de haber vivido una guerra ahora todo el mundo se apunta al carro de sacar un cómic. ¿Os habéis dado cuenta de cuántos cómics del estilo han aparecido en pocos meses? Palestina, Persépolis, La guerra de Alan, Callejón Rojo... Si aún viviera mi abuelo le daba un lápiz para que dibujara algo sobre la guerra civil y aún hacíamos la primera perra.

Pues si os fijáis en los ejemplos citados (Palestina, Persépolis, Alan, incluso Maus o Corazón de la tormenta) tienen un punto en común : la sobriedad gráfica. Algunos tienen un dibujo mejor y otros peor, pero en todos ellos el arte está supeditado a la narración, intentando siempre que el ojo fluya, corra por las páginas, mantenga un ritmo adecuado en la lectura eludiendo la vistosidad, el "voy a lucirme", el gran hallazgo gráfico que haga que la vista se detenga para contemplar ese maravilloso dibujo, sí, pero perdiendo así el hilo narrativo, toda la ambientación conseguida.

Séra hace todo lo contrario. Viene a lucirse. Y esa es la gran diferencia con todos los (grandes) álbumes citados. Primero, usa color, y no un color cualquiera. Segundo, busca el efectismo, el impacto visual, la belleza compositiva, la imagen por la imagen. Y qué sentido tiene, cuando se habla de muerte absurda, de injusticia, de pérdida de valores, de guerra, en definitiva, un dibujo epatante? Ninguno, claro. O quizá sí tenga uno: esconder el más pobre de los guiones, que es el que recorre Callejón Rojo. Supongo, pues, que con esa grafía tan moderna, que además no me gusta un pelo, consistente, creo (aventuro, no lo sé) en dibujar sobre fotografías, lo único que pretende el autor es vendernos gato por liebre. Sensacionalismo comicense, cuatro dibujos más o menos logrados y una leyenda que diga que va sobre la guerra de Camboya y a vender que son dos días.

Malo.

Spiff

Publicado en es.rec.comics el 15/05/2004

Nick Furia : Agente de SHIELD

De Steranko y otros

Un tomo de Panini, creo, que viene muy bien para conocer la célebre etapa de Steranko en esta serie.

Al parecer, Steranko llega algo verde a esta serie, justo cuando Lee y Kirby han sentado las bases de la serie y planean su próximo golpe. El tal Furia era el protagonista de una serie bélica que, con la moda de James Bond, se había reciclado en agente secreto, aunque al estilo Marvel.
Steranko empieza entintando los bocetos de Kirby, pero pasa rápidamente a ser el autor completo. Y lo hace imitando a la perfección el estilo de sus predecesores, para bien y para mal:

En cuanto a los guiones, aunque Nick Furia tiene elementos para ser un cómic realmente divertido (todos los elementos de las series de espías, exagerados al máximo; afición de los guionistas a rozar el ridículo una y otra vez; y acción constante), leer este tomo se me ha hecho bastante pesado, probablemente por lo sobado que está el tema a estas alturas, y por las tramas y los personajes que se pasan de absurdos. Eso sí, hay algún número redondo, como el de la llegada de Furia a la base flotante de Hydra.

Pero esta etapa de la serie es más recordada por el dibujo: Steranko imita perfectamente el estilo de Kirby en todos los aspectos y añade además algunos trucos propios. Desde el principio se ven splash-pages realmente espectaculares que no aparecían en la época de Kirby, y utiliza además recursos nuevos, usando como excusa los inventos de SHIELD para llenar las viñetas de "efectos especiales". Mis favoritos son esos fondos geométricos, casi abstractos, que sustituyen a la clásica "máquina gigante de fondo" de Kirby.

Por otro lado, como decía antes, se le nota que está verde, y comete fallos constantemente, sobre relacionados con la expresividad y las poses. No hay más que ver la portada del tomo, con cuatro o cinco maromos en la misma pose exacta (y no sabría decir si están corriendo, bailando o qué), ¡y Valeria transformada en un híbrido fraggle-humano!

Dreebo

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Los Campeones

Ahora es 0ciOs0 quién, tras la aparición de esta breve serie en España, nos deja su opinión. Yo ya lo hice hace unos meses.

Precedido de críticas muy buenas, me lo eché bajo del brazo y lo empecé al poco de llegar a casa.

A medida que iba pasando páginas en lo único que podía pensar es en el tremendo varapalo que le iba a dar en las news. La misma mierda de siempre: un barullo de gente nueva que no sabes de donde sale ni a donde va, todos ellos superchulos y supersobraos, y a los que se supone que tienes que coger afecto aún sabiendo que dentro de cinco años la mitad estarán muertos y la otra mitad reciclados como secundarios en otras colecciones. En los últimos tiempos nos están intentando colar una barbaridad de colecciones de nuevos grupos, y aunque tengo un corazón que no me cabe en el pecho y lo tengo que llevar en un carrito, no da para tanto, lo siento mucho. Demasiada peña de la que encariñarse de golpe.

Nada mas acabar el primer número ya han echado a casi todos sus componentes sustituyéndolos por otros nuevos. ¿Pero están de coña o qué? ¡A la mierda! ¿Para eso me he esforzado en aprender otra tacada de nombres absurdos?

Y el caso es que en ese primer número han aparecido unas cuantas buenas ideas. Tiradas en las páginas de manera atropellada, pero ideas. Sigo leyendo y poco a poco me va cambiando el chip y voy entrando en el juego.

El hilo conductor de cada número es la entrevista de trabajo que han hecho los diferentes miembros para entrar en el grupo. Esto permite ralentizar la acción e ir contando la historia de cada uno. Vale, no son los tipos mas interesantes del mundo, incluso alguno es francamente hostiable, pero tienen su aquel. El líder, un actor que interpretaba a Tony Stark en una serie de televisión (como lo oís) y al que finalmente conoció en una reunión de alcohólicos anónimos pasa de señor anodino a señor anodino prometedor. También interesantes la teen-star a lo Britney y sucedáneas, y la relaciones públicas del grupo, todo un bicho real como la vida misma.

Kitson es menos Kitson que otras veces, probablemente debido al entintador, y siendo un dibujo mucho menos estilizado del que acostumbra a hacer (La Legión de SH y así), me ha gustado mas. ¿Por lo cualo? Porque no le salen todas las caras iguales como otras veces. Por una vez sus personajes no tienen todos la misma cara de niña triste.

Por diez euros largos, siete números americanos. No se como derivará la cosa y si terminarán por poner algo de orden en ese batiburrillo de ideas, pero creo que merece la pena hacerse con este tomito. Mucho mejor que los aburridísimos "Poderosos Vengadores" o lo de "La Iniciativa", algo visto mil veces. Esto es otra cosa, al menos destaca dentro de "la misma cosa" que suelen ser este tipo de tebeos.

0ciOs0

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Sky Masters of the Space Force

Por Jack Kirby y Dave Wood

Toda una sorpresa por parte de Glénat, que edita en formato de lujo y con todo tipo de extras (hoy en día no se puede publicar un cómic sin un artículo de Álvaro Pons) esta tira diaria poco conocida por aquí. Se trata de un cómic de ciencia ficción que responde al interés del público de aquella época por la llamada carrera espacial.

Por lo tanto, aquí los héroes enfundan sus pistolas láser y se convierten en personajes más cercanos y creíbles. Aunque Sky Masters siga siendo un cómic fantástico, lleno de inventos y hazañas imposibles, intenta mantenerse dentro de lo creíble y se identifica más con los astronautas que aparecían en los periódicos de la época que con Flash Gordon o Buck Rogers.

Por ello, la estética de la serie está muy cuidada y resulta espectacular. Trajes espaciales, cohetes y equipo científico, todo resulta verosímil y está perfectamente documentado, rompiendo con la ciencia ficción de la década anterior. Las aventuras de Masters (sí, sus padres intuían que sería piloto y lo llamaron Sky Masters) son también más mundanas, y no se dedica a conquistar planetas imaginarios sino a alcanzar la órbita terrestre que, por ser real, resultaba aún más atractiva que el planeta Mongo.

Por desgracia, la "carrera espacial" ahora mismo ocupa 5 minutos al mes en los telediarios, y habiéndose superado en la realidad todas las aventuras imaginarias de Masters, el cómic ha perdido interés, por mucho que Kirby adorne los lanzamientos de cohetes con historias de celos y traiciones. Así que lo que de verdad llama la atención en "Sky Masters" es su dibujo absolutamente genial: da gusto ver a Kirby entregándose a fondo y cambiando sus habituales máquinas imposibles por artefactos reales, que copia a la perfección. Y el entintado de Wood es espectacular, no hay más que ver la portada.

Dudo que nadie se enganche a este cómic, pero echadle un vistazo porque sólo por el dibujo ya merece la pena.

Dreebo

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