El Daily Que Daily

Últimos cómics leídos

2012-01-03T12:07:00.001+01:00

Bueno, jóvenes, a microreseñar cosas malas, aceptables y algo mejores.

- Series del Nutts, perdón, Nudc.

-Curiosos que la JLA más importante con Lee y Johns me gusta menos que las otras tres, la JLdark, interesantilla cuando menos, JLInternacional, cumple sobradamente como serie de grupo de sh, Jurgens ha cogido el punto con Booster de nuevo; y Stormwatch, comienza con un inicio fuerte, cercano al primer Authoriy.

-Mucho menos me han gustado los batmanes y batgirls, y el supes, a mi gusto sólo aceptable.

-Irredimible e Incorruptible, siguen su buena línea, Waid une argumentos y funciona.

-Star Trek / Legion SH, váaaaalgame la tonteria, alejaros del tpb.

-Game of Thrones, es por puro friquismo, adaptan casi literalmente la serie de tv, así que no es algo nuevo, pero ya sabía a lo que venía cuando lo encargaba.

-Rocket Racoon : Guardian of the Keystone Quadrant, un trabajo raro, y la vez artístico de Mignola, que han recuperado en tapa dura; no me ha acabado de convencer, seguramente le gustaría más a Antonio o Andrés, que a Chiki, Iván y Edu.

- Ignition City (Ellis) tpb 1; sin poder usar los personajes reales de cifi de los años 30, Ellis nos los remezcla en un mundo sórdido y abandonado cercano al mundo de Mad Max 1, y convierte la historia en un western con toques de ci-fi. BAstante bien, no es un obra maestra, pero está bien.

-Kirby Genesis, magistralmente dibujados, siguen siendo bastante sosos, hasta el 4º número donde nos muestran las cartas que juegan los personajes.

-Captain Swing and the electrical pirates of cindery island (Ellis), por fin llegó el último; Antonio, te toca pillar el tpb, seudosteampunk victoriano, y Ellis cumnple hasta el final, que es donde suele cagarla, porque deja un final no cerrado.

-Guarding the Globe (Image) otra tontería que por fin se acaba. Y más comparándola con el tomo 14 de Invencible publicado aquí, que es prácticamente el mismo guión, sólo que más gore, y mejor rematado (ivencible 14 no esta m....)

-Butcher Candlestimaker (Ennis) cuando se toma en serio hacer un cómic, lo hace bien, no se parece al último tomo de The Boys que publicó Norma falsamente sensiblero, en esta miniserie desarrolla por completo el personaje de Billy Butcher desde sus peores a mejores momentos, demostrando un cariño por el personaje, donde si llega a encajar el tono sensible que le da la historia (creo que a Ennis también le gustaba de pequeño Caída y Auge de Reginald Perrin)

- De Marvel sólo empezré con Defenders, pues con todo lo cutre que siempre ha sido, me lo estoy pasando de miedo, leyendo los Essential del grupo, tal como los recordaba de Triple Acción de Vértice, tramas entretenidas, y números deporables enmedio.

- Leídos en versión española;

-Shield, Guerreros Secretos y Los 4 F, están muy por encima del resto de grapas mensuales para mi gusto. Un paso por detrás cae el Capitán, sigue siendo mejor que la media, pero ya no tanto.

- Los Green Rainbow Lantern, MESE, MESE están haciendo cansinos, aceptables, pero no me sorprenden. Algo parecido me ocurre con las series de los Vengadores, aceptables, pero... me falta chicha.

- En el saco del montón, amontado, quedan las Patrullas varias, Thor, me está desagradando, el cruce este de Guerra de Dioses, cosa mala; los Hulks, cada día peor.

-Pero los peores se sitúan ahora, esos Titantes, quien los ha visto, y quien los vé; o Superman y Wonder Woman.

- Ya abandonados por imposibles, y sólo los leeré en versión digital u oferta : Iron Man, Green Aroow; El día Más Flatulentopetulante.

ELKJAER

La Gran Amenaza

2012-01-03T12:03:00.006+01:00

Ya lo adelanté en su momento, pero lo reitero por si a alguien le interesa : Netcom2 Editorial sigue la reedición de una de las series fetiche de Jacques Martin : Lefranc. La noticia es que después de algunos albumes de la etapa moderna (y menos interesante) por fin han comenzado a reeditar los primeros, que son los mejores con diferencia. Ya está en la calle el número 1 "La Gran Amenaza", auténtico bestseller y título señero del comic francobelga donde los haya. Si os gustan Blake y Mortimer, no os lo perdáis, porque tiene el mismo corte (de hecho Jacobs se mosqueó bastante con Martin en su día por lo que consideraba una imitación de sus temáticas) y, aunque el dibujo es aún un poco primario comparado con el de siguientes títulos de la serie, el album es espléndido.

También merece la pena saber que la misma editorial ha comenzado la reedición de los primeros albumes de Alix, la otra gran obra maestra de Martin, que se agotaron en su día en un suspiro en tirada limitada. Es por tanto una segunda oportunidad para hacerse con "La Isla Maldita", una de las grandes obras maestras de la serie, imprescindible para los amantes del comic de ambientación histórica.

ACEGE

Batman 2.0

2009-08-20T16:21:00.014+02:00

Bueno, pues ha llegado la hora de ver como ha quedado el universo Batman tras el RIP y tras Final Crisis. Recordemos varios puntos importantes. A algunos de ellos se les intentó dar algo de misterio, pero para alguien que conoce el mundillo, no tenía ninguno:

- Bruce Wayne despareció en sus series y murió o algo en Final Crisis.
- Dick Grayson se convirtió en Batman.
- Damian Wayne, el hijo que Bruce tuvo con Talia Al'Ghul, se convirtió en el nuevo Robin.
- Se cerraron las series de Robin, Nightwing y Catwoman.

Dejando esto claro, veamos que tal están las nuevas series. Las ordenaré de mejor nota a peor nota. Todo esto, sólo con 2 números de cada una para opinar, pero ya puede verse por qué pie flojea cada una. Aún así me abstengo de darle puntuación.

DETECTIVE COMICS. Greg Rucka - J.H. Williams III

No penséis que es por Rucka, ya sabéis que cuando le he tenido que poner a caldo lo he hecho. Y es que desde que salió de esta serie hace más de 6 años, podría decirse que no ha hecho nada destacable.

Pero ha vuelto con fuerza y cómo a él le gusta. Con una protagonista femenina de armas tomar. Y es que por primera vez, el protagonista de esta serie no es Batman, sino Batwoman. Kate Kane. Un personaje puesto al día por el propio Rucka en las páginas de 52. Lesbiana, alejada del resto del bat-grupo, hija de un Coronel que le hace de Jefe de Operaciones, Batwoman es todo lo que no estamos acostumbrados a ver.

Igual pasa con el dibujo. Ya había visto cosas de mérito de Williams, pero en Detective se sale. Un estilo único en el mercado y una distribución de página increíble son los puntos que le definen. No sé si será capaz de aguantar la cadencia mensual, pero espero que dure lo más posible.

Los malos son la Religión del Crimen esta que ya intentó liquidar a Kate hace un tiempo.

La serie tiene un Second Feature, que es como le llama DC ahora a los complementos de 8 páginas, de The Question (aka Renee Montoya).

BATMAN AND ROBIN. Grant Morrison - Frank Quitely

No tenía mucha fé en la continuidad de Morrison en Batman, personaje que ha ayudado a dilapidar, pero esta serie ha sabido da rel cambio de rumbo adecuado. Ni Dick es Bruce, ni Damian es Tim, y eso se hace notar. La relación entre un mentor que no quiere serlo y un alumno que se ve obligado a serlo, es la más interesante que ha surgido en años. Pero tampoco me hago ilusiones, Morrison empieza muy bien las series, pero luego empieza a liarse y las acaba como el culo.

El dibujo de Quitely mola, pero me la suda porque en seguida llegará Philip Tan. A ver que tal se le da adaptar la mierda de Batmóvil que se han fabricado o el Bat-quad, la cosa más chunga jamás vista. Ahora que vengo de leerme el Detective de los años 90, que envidia cuando el Batmóvil era algo que se tomaba en serio, y no como un juego de a ver quién inventa el más estrafalario. Ya hablaré más del tema otro día.

Pese a todo, la serie ha comenzado bien. Veremos que pasa.

Los malos son un peculiar circo, parecido al de Tim Burton en Batman Vuelve.

BATMAN : STREETS OF GOTHAM. Paul Dini - Dustin Nguyen.

Digamos que esta nueva serie es el antiguo Detective Comics. Mismo equipo creativo y mismo rumbo, con la ventaja de que como no es directamente una serie principal, puede jugar más con los secundarios.

Sin ser nada espectacular, Dini al final se supo coger el puntillo a la serie y espero que pueda hacerlo aquí también. De momento no estoy seguro, su Robin no parece el mismo de otras series y su Batman es más serio.

Ah, otra valiosa muestra del pasotismo en DC en temas de continuidad: ni el traje de Batman ni el Batmóvil coinciden con los de otras series. Ole, ole, ole.

El malo inicial fue un Firefly bien remasterizado, y a la larga parece que será Hush aka Thomas Elliott aka....Bruce Wayne. Porque en una de sus ultimas sagas se operó para ser como Bruce y dar por culo todo lo posible. Y eso ha empezado a hacer.

BATMAN. Judd Winick - Mark Bagley

Yo que sé que equipo creativo poner, ahora son estos, luego vendrá Tony Daniel 6 meses, el creador de la incomparable Battle for the Cowl. Incomparable, si, porque menudo bodrio. Y luego dice Winick que volverá. Me la suda. ¿Son estas maneras de relanzar una nueva serie?.

Si hubiera sido el mes pasado esta serie estaría de las primeras, porque el primer número, dibujado con maestría por Ed Benes fue muy bueno. Por primera vez lidiaba con la posible muerte de Bruce, asi como con las dudas de Dick de asumir el manto.

El cambio de estilo de dibujo ha sido tan radical este mes que te deja echo polvo. Para mi, Bagley lo único bueno que tiene es que dibuja rápido. Por lo demás se asemeja a cualquier dibujante del montón. Y eso no es lo que se merece esta serie.

Con Winick y Bagley me temo que esta serie caerá en la mediocridad.

RED ROBIN. Chris Yost - Ramón F. Bachs

Aunque es buen trabajo para los españoles, que pena que les hayan tocado las peores series.

Red Robin, que narra las aventuras en solitario del antiguo Robin (Tim Wayne, desde que fue adoptado), no es mala, simplemente no destaca en casi nada. La trama lleva a Tim a separarse de Gotham y de los demás, ya que no se cree la muerte de Bruce. Por ello, se lanza a una búsqueda imposible por todo el mundo para encontrarle.

De momento, lo mejor es que se ve a un Tim más maduro y más duro, pero no sé si la serie llegara a algo que merezca la pena.

Ah, el dibujo de Bachs es el menos destacable que le he visto en DC. Efectivo, pero nada más.

GOTHAM CITY SIRENS. Paul Dini - Guillem March

Sin lugar a dudas la más floja de todas. Pero es algo intencionado. Dini ha querido hacer una serie con un tono más desenfadado, y seguro que tendrá su público, pero no será el mismo al que le gustaba la anterior serie de Catwoman.

Si, las protagonistas de la serie son Catwoman, Poison Ivy y Harley Quinn. ¿Por qué? ¿Para qué?. Pues con 2 números leidos la única explicación que veo es que las 3 están muy buenas y pueden salir portadas muy chulas. No sé si son buenas o malas. Ni cúal es su propósito.

Nadie más que yo querría ver una serie de Batman dibujada potr Guillem March, pero si es para esto, me voy a abstener. Además, se nota que no está acostumbrado a estas fechas de entregas y la calidad de su dibujo baja bastante. Y eso con 2 números, a ver como está en el 6. Sólo espero que no acabe cambiando su estilo tanto como Ramon Bachs, que al final ha perdido su toque y sus cómics no se distinguen de cualquier cómic de SH que abras.

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Visto esto, la única serie que dejaré de momento es GC Sirens. A Red Robin le daré algunos números más, aunque no me entusiasme (lo siento, Elkjaer).

Además, hay que hacer sitio para dos nuevas: Batgirl y Azrael. De Batgirl no tengo ni idea, pero de Azrael salió una miniserie bastante chula en pleno Battle for the Cowl. Lo más sorprendente es que el guionista es Fabian Nicieza. Pero la verdad, supo encauzar bien la historia y han creado un nuevo personaje que puede ser interesante.

Ya os contaré.

Azrael

Big Culo Day Presents : Dr. Manhattan

2009-02-16T18:56:00.006+01:00

Como este año va a ser el de la watchmen-manía, pensé que lo mejor para la celebración de la segunda edición del Big Culo Day era mostraros el mejor culo que apareciera en la obra.

El de Búho Nocturno, no me convencía, demasiado convencional. Las chicas, bah, no hay un gran nivel. Pero, ay, el todopoderoso Doctor Manhattan, ¿se puede ser más sexy?:

Todo el día por ahí andando en bolas sin que a nadie le parezca raro. Además, seguro que es el culo más grande y turgente de toda la colección que se podrá ver hoy en el la blogosfera comiquera.

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El Blog de Jotace

Bizarro Comics + Rose

2009-02-10T19:44:00.006+01:00

BIZARRO CÓMICS **

"Un montón sobre chistes sobre condones de kryptonita de tíos a los que no les gustan los superhéroes", vaticinaba Ocioso. "Bizarro cómics" es una colección de historias cortas protagonizadas por los personajes más populares del universo DC, escritas y dibujadas por autores de todos los colores y sabores, desde Pekar a los Hernández.

En teoría, un "dream team" de artistas dispuestos a mostrar su versión de los superhéroes, ignorando las reglas del género. Pero aunque no hay exactamente chistes sobre condones de kryptonita, sí que hay un montón de historias aburridas, poco originales, o directamente malas. Es como la mayoría de autores no le hubiesen dedicado ni media hora al encargo, haciendo algún chiste trillado o una parodia naïf (aunque los dibujos de Tony Millionaire compensan), o directamente lo mismo que hacen siempre, pero con mallas de colores (la historia marujil con Jessica Abel es de mucha vergüenza ajena). Donde todos mantienen el nivel muy alto es en el dibujo (que además no puede ser más variado, cada historia es un mundo), pero ni esto, ni las pocas historias que valen la pena (el Monsieur Batman de Berberian, que sale cada noche a luchar contra la antipatía de los parisinos, o la sufrida canguro de Superman de Kyle Baker) compensan los 30 eurazos del tomo ni la falta de gracia de la mayoría de guionistas.

ROSE **
Jeff Smith y Charles Vess

Especie de precuela de "Bone", mucho más breve y sencilla. Más que un intento de estirar la serie, "Rose" utiliza a los mismos personajes en una historia con un tono distinto, parecida a un cuento infantil o una leyenda.
Charles Vess consigue plasmar esto a la perfección, con un dibujo opuesto al de "Bone", más cercano a la ilustración que al cómic, y con un color precioso. "Rose" se lee de un tirón, pero aunque se disfruta haciéndolo, también se olvida rápidamente, y por bueno que sea el dibujo, los personajes no tienen el ingenio y la simpatía de la serie original. Para fans de la saga o del dibujante.

Dreebo.

Un poco de todo, amigos

2009-01-29T21:15:00.002+01:00

IRON MAN : HAUNTED

Este tomo recopila muchos de los números que están saliendo estos meses por aquí. Como la continuidad no es tan férrea con otras series, me lo pillé por Previews que me salía más barato. Y oye, que me gustó bastante. Yo que iba con la intención de que no me gustara, para dejar la serie, ahora tendré que seguirla, porque tanto la trama, muy peliculera y "realista", como el dibujo, me gustaron muy mucho.

THE UNFUNNIES

Es una miniserie de Mark Millar en Avatar, con un dibujo muy de dibujos animados. Y es que la trama va de un tranquilo pueblecito de dibus en el que empiezan a ocurrir muchas cosas que nunca habían pasado: violaciones, asesinatos, tacos por doquier...etc...

Lo que parece al principio una chorrada sin más, luego tiene su por qué.
Interesante.

X-FACTOR : HEART OF ICE

Que esta serie ya no es lo que era, está claro, pero a mí me sigue pareciendo divertida, y por lo menos compraré el siguiente tomo. Y más sabiendo que vuelve un dibujante competente, porque al Khoi Pham ese le tenía muy atragantado.

IRON FIST : THE SEVEN CAPITAL CITIES OF HEAVEN

Con este nombre tan poético se presenta el segundo tomo de la serie que supuso toda una sorpresa, tanto por la redifinición de la Historia de Puño de Hierro como por el dibujo de David Aja.

La leyenda de los antiguos portadores del título sigue creciendo en la serie, así como la del personaje principal. Una pena que se turnan un montón de dibujantes, unos más portentosos que otros.

Aún así, la serie me sigue gustando mucho mucho.

TWO-FACE : YEAR ONE

DC ha querido aprovechar el tirón del personaje en la peli con la repetición de su origen por enésima vez. Una pena que Mark Sable, el guionista, no haya sabido estar a la altura de historias ya publicadas hace mucho que superan a esta de lejos. Hablo de "El ojo del observador" (Helfer / Sprouse) o de "Two-face" (DeMatteis / McDaniel).

SILVER SURFER : REQUIEM

No sé quién me dijo que le había defraudado.

A mí no, desde luego. Como toda historia bien contada de Estela Plateada, está llena de frases grandilocuentes y hechos remarcables en la que es la última historia del personaje. Nada que objetar, salvo el formato español. Por eso, me hice con el tomito yanki.

Este cómic me ha gustado mucho, merece la pena.

JOKER

Con este sencillo nombre se presenta una novela gráfica en tapa dura de Azzarello y Bermejo.

La novedad: la historia narrada está fuera de continuidad y el Joker es algo distinto al que conocemos y más parecido al de Ledger, sobre todo por las famosas cicatrices. Los autores dicen que es casualidad, porque el proyecto ya estaba en marcha mucho antes del estreno de la peli.

El caso es que el personaje presentado, si, está muy loco, pero también tiene un punto racional, ya que nada más salir de Arkham decide recuperar su ciudad. Es más como un feje mafioso. La verdad, se queda a medio camino entre el Joker de los cómics y el de la peli, y no llega ni al nivel de uno ni al del otro.

Además, la historia es narrada por un compinche de medio pelo que no tiene el menor interés. Por lo menos gráficamente si es reconfortante, aunque Bermejo no utiliza su mejor técnica en todo el cómic y sólo lo reserva para viñetas o páginas señaladas.

En fin, un cómic algo interesante, pero con demasiado envoltorio para el poco contenido. Por tanto, el mejor cómic de Azzarello con Batman sigue siendo el Batman/Deathblow.

UNKNOWN SOLDIER

Debido a la crisis que afecta al sector superheroico de DC, y que me hequedado sin "Y" y en breve sin 100 Balas, me lancé a probar esta nueva seriede Vertigo. Situada en Uganda, en algún sitio he oido llamarla como una mezcla entre "Diamante de Sangre" y "Bourne", y la verdad es que los primeros números lo parecen totalmente. De momento, pinta bien, ya veremos.

Azrael

La escarcha sobre los hombros

2009-01-26T12:21:00.002+01:00

Peloteos aparte (la dibujante Iru, es una de los nuestros), me ha gustado bastante.

El mérito de la historia corresponde al autor del libro, que ya ha vendido un ejemplar más (en cuanto lo encuentre), y como aunque no lo he leído no puedo saber si la adaptación es buena, hay que decir que el dibujo es agradable y no desentona en ningún momento, y que la composición de página, el ritmo y los diálogos, están trabajados. Eso se nota, y se agradece.

Valórenlo ustedes mismos, caballeros. Merece la pena, porque la edición es muy buena, a mi entender. Se agradece la nota del autor, dando "el visto bueno" a la adaptación.

dso, admitiendo que como reseña es muy pobre, pero... ¡qué queréis! ¡que está bien, coño! ¡que sus lo leais!

Y Dreebo dijo:

A mí también me ha gustado; no cae ni una vez en las parrafadas "en off" que usan tantos autores veteranos, y meten la historia (que imagino que será mucho más larga en el original) en un solo álbum sin problemas, y además con bastante gracia,
usando bien los diálogos y demás.

El dibujo está bien, expresivo y detallado, pero le sobra el color (o necesita uno mejor, las dos opciones me valen), y ese toque "fanzinero" que tiene.

Fábulas : El buen príncipe

2009-01-23T19:18:00.006+01:00

No sé los números de Fábulas que quedan para que temine la serie, o al menos para que se cierre el arco argumental principal (el de la guerra).

Pero desde luego, este tomo ya deja claro que quedan pocos. Es una buena historia bien contada, en la línea del resto, aunque a veces un poco ingenua y tramposa... en la línea del resto.

A estas alturas, la "sorpresa" inicial de ver el rol que cada personaje de cuento tiene en el mundo actual ya se ha perdido. el autor sigue sorprendiendo utilizando a los secundarios más inocentes, como Papamoscas, y es verdad que en ningún momento nos han querido vender la moto de que ésta sería una serie seria y profunda...

Pero al finalizar este tomo, y aunque me ha gustado mucho, me he quedado con
un sabor de boca algo amargo. El autor mantienen la tensión a base de enigmas sin resolver, y cuando los resuelve, a veces dan ganas de gritar "trampa, trampa!". porque la solución a los problemas que se plantean a los protagonistas se resuelve por la vía rápida. como diría Lucy Sin Ley, cuando algo no cuadra, la culpa es de un mago.

En fin, la historia me ha gustado, y mucho, pero uno está empezando a sorprenderse de que las cosas les salgan tan bien a todos los protagonistas (a los protagonistas buenos), y la pregunta es inevitable...

¡Coño! Si era tan fácil... ¿por qué no lo habéis hecho antes? ¿Porqué, contando con tantos poderes a vuestra disposición, no los habéis usado? ¿Por qué, siendo prácticamente inmortales, no sois un poco más listos?

Por cierto, me terminé el tercero de Jack. es cierto, las historias se cruzan, pero no más allá de lo anecdótico... los que prefieran pasar de las historias de Jack, que no sufran: se puede seguir la historia principal sin necesidad de pillarse el resto.. que esto no es la Civil War! :-)

dso, opinando un poco sobre lo que lee, que ya le vale

The Spirit : Penitencia Navideña

2008-12-27T16:55:00.015+01:00

Durante años, numerosos críticos cinematográficos han usado la expresión “comic filmado” para designar despectivamente a cualquier película con más acción que “Los Comulgantes” y mayor sentido lúdico que ”El Año Pasado en Marienbad”. No es extraño. Era una etiqueta gratuita y errónea, claro, pero comprensible en quienes tratándose de comic no distinguen a Omaha de La Abuelita Paz.

No obstante, hace unos años tuvieron por fin la oportunidad de emplear adecuadamente la coletilla en cuestión gracias al estreno de “Sin City”, pseudo-película que puede calificarse de forma literal como un comic filmado, casi viñeta por viñeta. Aunque saludada por algunos como una tremenda innovación, otros consideramos en su día al engendro de Miller y Rodriguez como una forma de servilismo (que no colaboración) del cine hacia el comic que convertía lo que podría ser una adaptación de un medio a otro (con nuevas aportaciones creativas) en un mero ejercicio de copista , en el que todo (desde los encuadres a los gestos de los actores) estaba enfocado a la reproducción lo más mimética posible del comic original. Mimetismo con el que, por cierto, a Frank Miller se le hizo el culo pepsicola al descubrir que si el comic filmado podía pasar por cine , cualquier autor de comic con un buen equipo técnico a sus espaldas podía pasar por cineasta. Para corroborarlo, Miller estrena ahora ya en solitario “The Spirit”, que acabo de sufrir en mis carnes, y que confirma, como decía el título original de una olvidable peli de Ben Affleck, la suma de todos mis temores.

En primer lugar conviene destapar un fraude : La película se identifica publicitariamente con el Spirit de Will Eisner, y tiene bien poco que ver con él salvo el uso de un mismo puñado de nombres (que designan a personajes muy diferentes, a veces irreconocibles, en el comic y en la peli), algunos rasgos de apariencia física compartidos y un flashback, (el de Sand Saref), cuya similitud con una de las historias de la serie de Eisner es la excepción a la empecinada regla de alejamiento total por parte del film del comic que presuntamente le servía de base argumental. Lo que vemos en la pantalla no es “Will Eisner´s The Spirit”, sino “Frank Miller´s Spirit”, y las diferencias entre ambos son tan abismales que uno se pregunta por qué Miller no ha suprimido esos rasgos superficiales de contacto y le ha dado a su cinta un título diferente (“The Abnormal Masked Fool”, por ejemplo) que eliminara esa asociación teórica que, en la práctica, ha despreciado por completo. Claro que también se imagina la respuesta : Porque exhibir como bandera a un comic clásico mundialmente famoso (el mejor jamás realizado, en mi humilde opinión) favorece las ventas y la promoción.

El caso es que si, como suele decirse, uno de los rasgos típicos de autoría cinematográfica es la capacidad de un cineasta para coger temas o tendencias ajenos en principio a él y llevarlos a su terreno, haciéndolos suyos y dándole su sello personal, no cabe duda de que el creador de “Ronin” es un autor, en el sentido más cahierista del término. No en vano ha cogido la obra de Eisner y la ha “millerizado” hasta hacerla irreconocible, modelando su propio Spirit y pasando olímpicamente de las pautas establecidas por el felizmente fallecido maestro (ya que es una suerte que no viva para ver este engendro), al que manifestaba dedicar teóricamente la peli como si de una “carta de amor” se tratase , pero transformándola en la práctica en una patada en el culo a su pobre cadáver.

Y es que el problema no reside en que Miller no haya realizado una adaptación fiel ; ya comenzaba esta opinión señalando que los calcos de un medio a otro no me merecen mucho respeto. Ni siquiera en que haya jugado a efectos promocionales con una asociación entre comic y película que se revela peregrina habida cuenta de los resultados. El problema es que la versión de Miller, su Spirit, su visión del personaje y su mundo totalmente opuesta a la de Eisner, es mala. Mala de cojones.

En primer lugar le otorga un tono decididamente (mas bien pretendidamente) cómico ; ya sabemos que entre la infinidad de registros otorgados por Eisner a su creación se encontraba el humor, pero manteniendo un equilibrio permanente que le impedía caer en el ridículo. Miller, por el contrario, no se anda con refinamientos y saca entusiasmado el Mariano Ozores que lleva dentro, con nefastas consecuencias: Octopus es un fantoche carnavalesco tan pasado de rosca que convierte al Joker de Jack Nicholson en un modelo de continencia por comparación; el comisario Dolan es la versión chillona del abuelo Cebolleta ; los secuaces del villano, un grupo de tarados dignos del peor capítulo de Barrio Sésamo; y el héroe, un payaso delirante que casi se hace pajas de gusto cuando piensa en su gothámica ciudad. No hablamos de comedia, ni tan siquiera de parodia; se trata sólo de una sucesión de fallidos y patéticos intentos de despertar una mísera sonrisa equiparable al peor especial navideño del Dúo Sacapuntas. Y por supuesto arruina por completo los contados intentos de recuperar un tono mínimamente serio, relacionados generalmente con el personaje de Sand Saref, el único que aspira a tener un poco de dignidad en esta guardería cinematográfica.

En segundo lugar, hay que retroceder a los más infames episodios del Hostal Royal Manzanares para encontrar unos diálogos tan pésimos, inconcebibles en un guionista firmante de obras maestras como “Daredevil Born Again”. Las confusas y surrealistas parrafadas del Octopus, los cargantes e incesantes soliloquios del protagonista, las réplicas y contrarréplicas entre Spirit y sus chicas, son monumentos al aburrimiento y la estupidez, a la pompa sonrojante, al cliché más sobado y el chiste sin puñetera gracia. Con semejantes mimbres no es de extrañar que el supuesto argumento no sea más que una ocurrencia chusca que mezcla drogas y

experimentos genéticos con el vellocino de oro, la sangre de Heracles y, de haber tenido espacio, la minga incorrupta de San Agustín. Podría ser (involuntariamente) gracioso, pero sólo es irritantemente absurdo. Y la desorientación del pobre David Newman, (hermano tonto del genial Thomas), especializado en comedia fofa y animación infantil, cuya partitura intenta imprimir emoción batmanera de saldo a la ristra de sandeces que desfilan por la pantalla, es buena prueba de ello al potenciar lo grotesco de la situación.

En tercer lugar, el “look Milleriano” gestado en “Sin City” y “300” puede impactar en pequeñas dosis, pero empacha sobremanera en más de hora y media de metraje. El blanco fluorescente en el calzado, el rojo chillón en la corbata o la pátina permanente de luz neblinosa y sucia que invade la (anti)fotografía y los mil y un efectos que la conforman eliminan cualquier interés inicial por pura acumulación. Utilizados con más mesura podrían haber “animado” visualmente la peli, pero expuestos con tal machaconería (y habiendo sido requetevistos ya en cintas precedentes, desde la fallida “Sky Captain”) no despiertan mas que rutina y hastío. Miller comete el error de creer que la traslación casi literal de efectos gráficos a la gran pantalla puede erigirse en una suerte de estilo cinematográfico, cuando es sólo una ocurrencia más o menos afortunada en virtud del uso/abuso que se haga de ella ; y de ahí la pérdida total del norte que muestra su película.

La consecuencia ineludible de todo este despropósito es evidente : Los actores, lidiando con personajes ridículos, un guión absurdo y una pantalla verde permanente que no complementa, sino que eclipsa y oscurece su trabajo, bien poco pueden hacer. Da igual que se trate de muertos de hambre como el Gabriel nosecuantos que protagoniza el circo o de veteranos solventes como Jackson : Ninguno de ellos puede evitar verse salpicado por el desastre. Quizá sea Eva Mendes la única que pueda extraer algo mínimamente positivo para su carrera de “Spirit”, en la medida en que su papel es el menos asnal del conjunto y le permite lucir su palmito como nunca.

Porque finalmente a eso se reduce lo que Spirit ofrece (al público masculino más o menos fetichista) : Retazos de erotismo suave cortesía de su suntuoso reparto femenino : Los cegadores glóbulos blancos de la Scarlett rebosando sobre algún escote, el marmóreo parachoques trasero de la Mendes apoderándose de la pantalla, las bien modeladas piernas de nuestra Paz (en un papel de extra con frase) en un gozoso primer plano, y poco más. Eso, y la constatación de la decadencia feroz, imparable y abisal de quien fue ayer uno de los grandes genios de la narrativa dibujada y hoy, no contento con cosechar un frío recibimiento con sus últimos y decepcionantes comics, exhibe sin pudor su ocaso creativo en el medio cinematográfico para tristeza de quienes le aplaudimos en sus años dorados.

Hellboy : La oscuridad llama

2008-11-30T14:44:00.000+01:00

Nuevo Hellboy, nueva historia larga, nueva sensación agridulce.

Esta vez más agria, si cabe, porque no dibuja Mignola sino un Fegredo más que correcto en su estilo amignoliado (aunque en los extras mignola dice que no quería "un imitador"), que para muchos sería difícil en determinados pasajes distinguir del original, pero sin la capacidad de asombro que tiene el bueno, no sólo en la facilidad de su trazo sino sobretodo en su constante juego con las sombras y los volúmenes.

Dejando el dibujo de lado, nuevamente me pasa lo que suele pasarme con Hellboy: me sorprendo de la magnífica ambientación que tiene, de lo bien narrado que está, de cómo consigue sacar gran partido de la mitología y demás, de lo creíbles que resultan esos dioses y demonios y otros personajes extraños y lo brillantes que son algunos de sus pasajes, de cómo se puede dibujar cuatro viñetas de un pobre infeliz invocando a un demonio y que sea verdaderamente un infeliz invocando a un demonio (no como en Sandman, por ejemplo, que te lo crees porque te lo dice, no porque lo sientas) y, cuando estoy metido de lleno en la historia, en esa Inglaterra tétrica, viendo esa horda de seres malvados dispuestos a conquistar el mundo, pensando esta vez sí "oye, ésto es realmente muy bueno", entonces siempre llega el chascarrillo y los guantazos.

Como si Mignola hubiera firmado un papel a su editor al empezar la serie tipo "me comprometo a meter una pelea cada X páginas... y algún chiste para desengrasar, qué demonios!".

Y no es que no me gusten las peleas y los chascarrillos, vive Dios, que algunas son cojonudas y están magníficamente resueltas, lo que digo es que es necesario que TODAS las tramas terminen así?

Resumiendo: nuevo buen cómic con nueva aparición estelar de La Cosa y su tía Petunia (versión endemoniada). :-(

Spiff

La Torre Oscura y otras cosillas

2008-11-20T20:15:00.001+01:00

LA TORRE OSCURA

Nunca he sido fan de Stephen King, no me va mucho su estilo, y por eso pasé de esta versión en cómic de una de sus sagas. Pero cuando ojeé el libro de deBolsillo, que recopila la miniserie de "El nacimiento del pistolero", el ARTE de Jae Lee e Isanove hizo que acabará pasando por caja.

Y oye, no me arrepiento.

Primero, no tenía ni idea de que King manejará también estilos tan distintos a su habitual. Porque esto es un western. Pero también es fantasía. Y también es post-acopalíptico. Ni idea, oyes.

Segundo, gráficamente no tiene nada que reprocharle. Los colores son impresionantes (que gusto cuando alguien si sabe manejar el photoshop) y los dibujos, la cúspide del trabajo de Jae Lee hasta el momento, aunque nunca antes nos haya defraudado.

Y tercero, la historia me gusta. Quizá se quede algo sosa, pero sabiendo que sólo es la presentación de un personaje que todavía tiene mucho que evolucionar, creo que el cómic funciona muy bien.

Ah, el formato. No está mal, porque aunque es pequeño, como Lee maneja muchísimas splash pages y viñetas muy grandes, pues no deja nada que desear. Si hubiera salido en tamaño cómic lo hubiera preferido, pero como sólo estaba en grandote (y estoy en contra de él), pues nada.

AFTER THE CAPE II

La segunda parte de esta historia de la línea Shadowline de Image en la que un antiguo superhéroe se mete a hacer trabajitos con la mafia para pagar las deudas de su familia.

Al igual que la primera historia, es una trama dura, entretenida y muy pesimista. Pero por eso me gusta. Los 6 números totales conforman una historia cerrada y muy bien narrada.

FOOLKILLER

De la linea Max de Marvel, la que se reserva para contar lo más bestia. Foolkiller es una especie de Punisher, pero más bestia si cabe. Me gusta el desarrollo del personaje y del secundario, el tipo al que ayuda (que cuando estás leyendo su historia en el primer número te crees que es la del prota). Una historia entretenida y un dibujo molón. Me ha gustado.

POWERS

Josplas, tenía ya acumulados en la pila los tomos 9, 10 y 11. Y visto que en el Previews salía el 12, me dije "Hay que pulirse esto". Así que me he leído de una tacada los 3. Los dos primeros "Psychotic" y "Cosmic", están genial, y volvieron a recordarme después de tanto tiempo porque me gusta esta serie. El tercer tomo, "Secret Identity", es un poco más flojo, y además aparta de primera plana las tramas que más interesaban de los otros tomos, esto es: los secretos más oscuros de los dos protagonistas.

Muy fresca y sorprendente.

Azrael

Por los caminos oscuros, de David B.

2008-11-14T20:21:00.001+01:00

"Por los caminos oscuros" es el último álbum que ha aparecido de David B. , autor ya famoso por estos lares. Es la supuesta continuación de "La lectura de las ruinas", cómic que ya comentamos por aquí, pero se puede leer perfectamente sin conocer el anterior.

Creo que Dreebo dijo de "La lectura..." que el cómic era muy interesante pese a que no interesaba nada lo que en él se contaba, y me temo que eso define bastante bien lo que ocurre con esta serie: está plagada de pequeñas buenas ideas acompañadas de un fantástico (pero fantástico) dibujo, pero que uno no tiene en ningún momento demasiado claro de hacia donde se dirigen.

Aunque éste segundo álbum, igual por el simple hecho de estar estructurado en algo parecido a capítulos, sí me transmite más la sensación de que la historia avanza, y de que además son el inicio de algo que aún está por venir (espero que en el siguiente álbum), las cosas que en él ocurren dejan siempre la sensación de estar a medio camino entre una historia clásica y una alucinación, y en todo caso dentro de un universo completamente personal (el de David B.) en el que uno nunca sabe qué le deparará la página siguiente.

Aún así (o igual por eso) creo que es un álbum muy bueno y muy recomendable, aunque solo sea por ver la forma en la que B plantea y resuelve algunas escenas, tanto conceptual como formalmente.

Lo dije la otra vez y lo repito, creo que David B es de lo más interesante que uno puede encontrar en el cómic de hoy. Y versátil, Ocioso, ésto no tiene nada que ver con "el gran mal", por ejemplo.

Spiff

Los zombis que se comieron el mundo

2008-11-04T20:22:00.006+01:00

Guión: Jerry Frissen

Dibujo: Guy Davis

Color: Charlie Kirchoff

Formato: Tomo rústica, 208 págs.

Editorial: Norma (Colección Made in Hell)

Precio: 18,5 €
Edición original: Les Zombis qui ont mangé le monde números 1 a 4 (Les Humanoides Asocies)

¿Qué ocurriría si en el año 2064 los zombis caminaran por la Tierra hasta el punto de llegar a ser el 35% de la población en una ciudad como Los Ángeles?

Hasta aquí todo normal para una historia de zombis, pero el cómic que nos ocupa es cualquier cosa menos normal ya que estos zombis tienen sus propios derechos (perdón ¿he dicho zombis? Quería decir no-vivos) y conviven en el planeta como cualquier persona viva.

Éste es el punto departida para una genial historia de humor negro desternillante donde los autores nos presentan a Karl Neard, un friki de Star Treck escuálido y con granos, su hermana Maggie y Freddy Merckx, un belga bastante bruto que primero arranca cabezas y después pregunta.

Karl y Freddy se dedican al negocio clandestino de los zombis, es decir, si tu abuelo zombi huele mal y quieres deshacerte de él ellos se encargaran de incinerarlo… Pero recordemos que los zombis tienen sus derechos con lo cual la incineración se considera un asesinato. ¿Quieres librarte de tu suegra zombi? ¿Organizas peleas ilegales de zombis? No hay problema, ellos son tus chicos.

Y así durante más de 200 páginas los autores arremeten contra la política, los fanatismos religiosos, racismo, abandono de mayores y mascotas, el mundo del arte, etc. Con ácido humor negro y violencia gratuita a raudales.

Los dos primeros números que forman el tomo están compuestos de historias cortas absurdas e hilarantes que conforman la trama y va preparando las bases de los dos últimos donde las intrigas políticas y la segunda venida de Jesucristo son los platos fuertes.

Los dibujos algo caricaturescos casan muy bien con la temática desenfadada del guión y el color ayuda a que la lectura sea más agradable, haciendo por tanto una obra redonda en todos los aspectos.

Los amantes de los zombis, el humor absurdo y las ideas originales estamos de enhorabuena.
Es hora de que los mojigatos empiecen a despotricar, pero no hay problema ahora les podemos arrancar la cabeza… total, van a resucitar dentro de un minuto…

Dead Space: Perdición

2008-10-31T17:50:00.002+01:00

Título Original: Dead Space Downfall

Director: Chuck Patton

Fecha: 28 octubre 2008 (USA), 4 noviembre 2008 (España)

Formato: DVD, Blu-ray

Duración: 74 min.

Dead Space: Perdición es una película de animación de la nueva franquicia de EA. Ésta se compone de un cómic producido conjuntamente con Image (Antony Johnston al guión y Ben Templesmith a los lápices), la película que a continuación reseñamos de Sony Pictures y un videojuego. Por ese orden, donde un formato termina continúa el siguiente la historia. Se comercializará directamente en DVD y Blu-ray, en España sólo se ha podido visionar en salas en el festival de Sitges y en Madrid en las oficinas de Sony Pictures.

La trama que nos cuenta Dead Space: Perdición nos lleva a la nave minera Ishimura, una de las naves que se dedican a agotar los recursos de los planetas y destruirlos una vez éstos han sido agotados.

La Ishimura llega a uno de estos planetas para transportar a la Tierra un monolito encontrado en las excavaciones que recuerda al símbolo que adora la religión de la unitología. La colonia minera del planeta ha sido prácticamente exterminada a base de suicidios y violentos asesinatos desde que fue descubierto el monolito, y como es de esperar antes de poder marcharse de allí con la enorme piedra alguien (y algo) se cuela en la nave. A partir de ahí comienza un festival gore en la lucha por la supervivencia donde Alessa Vincent, jefa de seguridad de la Ishimura y su equipo se enfrentan a unos seres que se apoderan de los humanos muertos a los que infectan para transformarlos en horribles monstruos sedientos de sangre.

Sin duda alguna el guión es lo mejor de la cinta, y más aun si vemos la historia como un todo junto con el cómic que lo precede y la secuela del videojuego. Una historia muy cuidada, mezcla de grandes ideas de otras películas (Zombis, Aliens, la soledad del espacio,…) que hasta nos parece nuevo.

La imagen desmerece a la historia, salvo algunos fondos más propios del arte conceptual del videojuego, ya que los dibujos recuerdan mucho a las antiguas series de dibujos de los 90, lo cual no es en sí malo (a mi incluso me gustan) pero son algo irregulares durante el metraje y las animaciones se podían haber trabajado más teniendo en cuenta las tecnologías disponibles hoy en día.

El doblaje no es gran cosa e incluso a veces se oye más el ruido de fondo (motores, etc.) que a los personajes hablando y en algunos momentos de la cinta, en algún cambio de escena, se producen unos silencios (por no decir cortes) algo incómodos y que te sacan de la acción. Estaría bien poderla ver en su V.O. y poder comparar si también pasa lo mismo.

En definitiva una película que hace unos 15 años habría dado que hablar, pero que ahora queda algo desfasada técnicamente, a pesar de haber invertido 2 millones de dólares. Interesante de ver si te interesa el videojuego para saber que sucedió antes de desembarcar en la Ishimura…

Los Muertos Vivientes

2008-07-29T09:08:00.000+02:00

Edición Original:

The Walking Dead Vol. 1: Days Gone Bye Fecha de edición: junio de 2005
Guión: Robert Kirkman
Dibujo: Tony Moore
Tinta: Tony Moore
Color: Blanco y negro
Formato:144 págs.
Precio: 7,5 €

Los Zombis siempre han tenido algo especial de toda la fauna de seres no-muertos o del género de terror. No tienen nada que ver con los sensuales y poderosos vampiros, los siempre sonrientes esqueletos o las exóticas momias.

Los Zombis son a los cementerios lo que el tonto al pueblo, nadie los hace caso. Al menos hasta que ya es demasiado tarde.

Y es que uno siempre piensa que estos seres son estúpidos, pero esa es una de sus ventajas. Subestimarlos.

De todos es conocida su lentitud, y aquí es donde se vuelven a aprovechar de nosotros. Ya que por supuesto, en caso necesario, podremos escapar corriendo de uno, de dos, hasta de cinco. Pero ¿Y si estuvieses rodeado de 300? ¿Y de 500? Ahí es cuando piensas "Mierda, la cagué".

Lo mejor de las películas de zombis es que sin darte cuenta empiezas a sentir la claustrofobia/agorafobia, el pánico, la angustia del protagonista y la agonía por la supervivencia.

Lentamente.

Muy lentamente.

Sólo recuerdo un libro con el que sentí esa sensación: "Soy leyenda" (1), hasta que éste cómic cayó en mis manos.

"Los Muertos Vivientes: Días Pasados" recoge, editado aquí por Planeta, los primeros 6 números de la serie original de Image Comics "The Walking Dead".

Nada más abrirlo nos encontramos con una sincera introducción (con la que más de uno estará de acuerdo) por parte de Robert Kirkman, guionista de la obra.

Robert Kirkman se declara amante de los zombis y eso se nota en el cómic. En él nos cuenta la historia de Rick Grimes, un policía de pueblo que tras ser herido en servicio se despierta del coma sólo en un hospital. Bueno, no está realmente sólo.Ya me entendéis.

A partir de aquí Kirkman nos conduce en un alucinante viaje repleto de miedos, angustias, sorpresas y todo tipo de emociones que puede ser capaz de sentir un ser humano.

Para mí, Kirkman consigue el objetivo que se propone en la introducción, no solamente asustar si no indagar en el interior de las personas y sacar todos sus sentimientos. Ésta historia no acaba cuando se hace de día, como en las películas. Acompañaremos a Rick en su lucha por la supervivencia, en sus relaciones con los compañeros de viaje y en sus dudas sobre qué causó la plaga contra la que luchan.

En el apartado gráfico, Tony Moore hace un trabajo más que notable. Dibujos en blanco y negro en los que Bill Crabtree añade más grises. La primera vez que aparece un zombi "vivo" en el cómic impresiona, asquea, y todas las sensaciones que un zombi debe producir. Todo eso se multiplica exponencialmente cuantos más zombis salgan en la viñeta. Creo, sinceramente, que éste tipo ha nacido para dibujar aglomeraciones de zombis.

Un muy buen cómic para los amantes del género de terror y de los zombis en particular, con unos buenos y detallados dibujos y una historia atrayente y agónica que hace imposible cerrar el cómic y obliga a seguir leyendo.

(1) Autor Richard Matheson. Título original "I am legend", aunque éste libro
trata de vampiros, no de zombis. Muy recomendable.

El Borak

Publicado en es.rec.comics el 06/07/2005

The Courtyard, de Alan Moore

2008-07-26T12:43:00.000+02:00

"Alan Moore's The Courtyard"
Avatar Press. Enero 2004
Guión de Alan Moore
Dibujo de Jacen Burrows
Adaptación Secuencial de Antony Johnston
Publicado por Aleta Ediciones.
PVP 5,00 euros
Número único. 48 páginas. Blanco y negro

Esos son los datos básicos y entre ellos hay uno que me ha dejado perplejo: ¿que es eso de "adaptación secuencial"?

Este cómic cuenta la historia de un agente del FBI experto en lo que él llama "teoría de las anomalías" y que trata de descubrir la conexión entre varios asesinatos brutales cometidos por diferentes asesinos y a partir de ahí ocurrirán una serie de acontecimientos bastante... curiosos. Para ello Alan Moore juega con elementos del cómic de terror, algo del género negro y, sobre todo, con algunas cositas tomadas prestada de H.P. Lovecraft, por lo que considero que es un cómic especialmente recomendable para aficionados a estas cosas.

No es un cómic que vaya a pasar a la historia, pero se lee de un tirón y la historia atrapa. Como dice Garth Ennis en su introducción, esta historia a cualquier otro le podría haber dado para un tocho de cienes de páginas, pero a Alan Moore no le hace falta y en esas 48 páginas nos cuenta perfectamente lo que ocurre en 48 horas.

Para lo que me ha servido este cómic es para afirmarme en una idea personal: no es necesario un dibujo como el de Eddie Cambell en From Hell para contar una historia de terror. El señor Jacen Burrows utiliza un dibujo muy limpio y muy detallista para contar una historia muy sucia y eso se agradece profundamente. Además, curiosamente para ser Alan Moore, en este caso casi todas las páginas tienen la misma composición de página: dos viñetas que son dos silos verticales de arriba a abajo; y en ocasiones una splash page incluso a doble página. Sólo imaginarme un From Hell dibujado por este señor me produce palpitaciones (aunque lógicamente la composición de página debería ser otra).

En fin, un cómic para leer en el autobús o en el metro o en un momento all-bran, pero si tenéis otras compras en perspectiva o el dinero no os llega, no es imprescindible, aunque sean "sólo" 5 euritos.

Briker

Publicado en es.rec.comics el 28/05/2004

Daniel el Travieso al completo

2008-07-23T11:48:00.000+02:00

"The Complete
Dennis the Menace : 1951-52",
de Hank Ketcham

Nueva muestra de las magníficas recuperaciones de clásicos bajo la imprescindible firma de Fantagraphics, este tomo es el primero que recopila los single panels (vamos, chistes de una sola viñeta) que convirtieron a "Dennis the Menace" ("Daniel el Travieso" para nosotros) en un auténtico best seller del comic y de otros media. Inspirado por el propio hijo del autor, Dennis es un crío de 5 años con una sádica tendencia a armarla (destrozando lo que se cruza en su camino o haciendo los comentarios más inoportunos en el peor de los momentos) para martirio de sus sufridos padres, el pacífico Henry y la esbelta Alice.

Visto hoy día, medio siglo después de su creación, es apreciable por el impecable trazo de Ketcham (Patrick O´Donnell, creador de Mutts, le considera también un maestro de la composición) y lo entrañable de su humor, pero no deja de ser un humor gráfico muy tradicional y bastante infantil, muy limitado por el formato y el carácter familiar que impiden más ironía o profundidad. Es entretenido,vaya, pero no deja huella.

Eso sí, basta con echarle un vistazo a estas viñetas para tener meridianamente claro cual fue la inspiración del futuro Calvin de Watterson. Aunque la ingenua obra de Ketcham no le llegue a los talones al magistral legado que supone "Calvin y Hobbes", y las influencias intelectuales de Watterson sean mucho más elevadas (Schulz, Kelly, Herriman) es evidente que el patrón de un crío rubio de pocos años incansablemente travieso que colma a diario la paciencia de sus martirizados padres tiene una referencia clarísima en el Dennis que, no casualmente, vivía sus horas de mayor popularidad en los años de infancia y primeras lecturas de Watterson.

Acege

Publicado en es.rec.comics el 23/02/2007

Los cómics son cosa de mujeres

2008-07-07T10:19:00.000+02:00

El sábado pasado fuíme a la biblioteca pública y allí hice un repasito de sus aparadores (no están en estanterías, si no en unos contenedores de hasta medio cuerpo de altos, como en algunas tiendas) de cómics. Una mirada superficial me indicó que una mayoría de cómics eran de tema y autores femeninos. Es el efecto Aída -díjeme; pero los cómics tenían un aspecto viejo como de discriminación positiva de los mismos años que los biberones de la Sra. Ministra.

Total, pensé, será que se nota por una vez el hecho de que la profesión bibliotecaria sea mayoritariamente femenina y alguien se dedica a elegir estos cómics con tal apariencia de delantal y cocinita. Sea como fuere, con ellos que me fui para casa dispuesta a leerlos en tiempo de poner la olla exprés y para que hagan juego entre chiste y chiste de Arguiñano cuando dice que cocina. Estos fueron los elegidos:

1-Mátame :
una desgarradora historia de amor y muerte.
David Lapham; Barcelona: La Cúpula, 2005

Hay que quedarse con el subtítulo, porque efectivamente se trata de una desgarradora historia de amor y muerte. Cuando lo cogí creí que iba a ir de maltrato, pero no exactamente. La propietaria de un famoso bar es encontrada colgada del ventilador del salón de su casa, parece un suicidio, pero las difíciles relaciones que mantenía con su pareja indican que puede ser un asesinato pasional.

El dibujo en blanco y negro, el trazo duro, con mucho juego del claro-oscuro, las ambientaciones mayoritariamente nocturnas, confieren al cómic un aspecto como de novela negra, en la que el lector va descubriendo al mismo tiempo que el protagonista el misterioso comportamiento de Tara Torres, su primer y frustrado amor juvenil. Es una historia distinta, a pesar de rozar temas trillados (pero no resueltos), la intriga hace que sigas con interés toda la lectura.

2-Rubia de verano / Adrian Tomine; Barcelona: La Cúpula, 2005

Contiene cuatro historias, y toma el título de una de ellas. Todas las historias tienen un nexo en el protagonista, el alter ego (título de la primera historia) del propio autor, que invade todo ambiente del cómic de personajes anodinos, comunes, frustrados, solitarios, perdedores, aburridos, faltos de iniciativa y en definitiva con pocas o ninguna ganas de vivir.

En la primera historia, Alter Ego, un joven novelista que busca tema para su segunda novela después del éxito de la primera, recibe una postal de una mujer y cree que se trata del antiguo amor que inspiró su primera novela. Por eso inicia su búsqueda. Pero el camino le lleva a descubrir otra persona. Y ante su falta de decisión, otros toman la iniciativa por él.

La segunda historia es muy parecida, en cuanto al personaje, a la anterior. Él vive platónicamente enamorado de una "rubia de verano" que trabaja en una tienda de postales, a la que no se decide a acercarse ( a ella, va a comprar casi cada día una postal) Y la rubia, claro, tiene su propia vida montada.

La tercera historia, Escapada a Hawai: protagonizada por Hillary Chan, es la versión femenina del chico anterior. Ella, aunque es titulada universitaria, trabaja de teleoperadora, pero lo maquinal de su faena hace que se salga de la rutina y acabe perdiendo el trabajo. Entonces se encuentra con muchas horas del día por llenar.

Y la cuarta historia, Amenaza de bomba, cuenta la historia de la dificultad de dos adolescentes por relacionarse entre sí y con los de su edad, por diferenciar lo que está bien aceptado socialmente de lo que está mal, y reconocer la propia identidad sexual.

Dibujo también en blanco y negro, más limpio que el anterior, pero igualmente deprimente.

3-Luchadoras / Peggy Adam; Madrid: Sinsentido, cop. 2007

El dibujo, la historia, todo recuerda a los hermanos Hernández. Y esta vez sí va de malos tratos a mujeres. Un día, un hombre apoyado en un coche que está parado ante la puerta de un edificio oficial, en el interior una mujer joven habla con una asistente social. La mujer, Alma, ha ido a denunciar a su compañero sentimental. Es una historia de malos tratos, infidelidades, abandonos, miseria y muerte.

El dibujo también en blanco y negro, es menos experto que en los anteriores, de trazo vacilante, o por lo menos, aparentemente infantil, que para una historia que no tiene nada de infantil, resulta poco apropiado, creo yo.

4.-La perdida /Jessica Abel; Bilbao: Astiberri, cop.2006

Una jovencita norteamericana de madre gringa y padre mejicano, emprende el viaje a México en busca de no sabe bien qué, pero cree que la autenticidad. Allí, sin conocer ni el idioma, intenta integrase con la población, ser una más, sin tener en cuenta las dificultades. Y éstas son enormes, y la integración se va haciendo cada vez más imposible y hasta peligrosa.

Es una historia original, se sigue bastante bien, llegas a querer a la cándida -y pánfila- protagonista, llena de ideales y buenas intenciones. El dibujo es lo que menos me ha convencido, pero lo compensa el interés de la historia.

5.- Baby blues: adivina quien no ha hecho la siesta. Vol.1;
Barcelona: Norma, 2001

Tiras cómicas de una temática muy particular: padres nóveles. Divertidísimo, tal vez solo apto para quien haya pasado por el trance. Ahora bien, saber que otros comparten tus mismas dificultades, compensa no poco. Así que muy recomendable para ese sector de la población que o va a tener un bebé o lo acaba de tener.

Ninovska

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Callejón Rojo, de Séra.

2008-07-04T10:02:00.000+02:00

Con el rollo de haber vivido una guerra ahora todo el mundo se apunta al carro de sacar un cómic. ¿Os habéis dado cuenta de cuántos cómics del estilo han aparecido en pocos meses? Palestina, Persépolis, La guerra de Alan, Callejón Rojo... Si aún viviera mi abuelo le daba un lápiz para que dibujara algo sobre la guerra civil y aún hacíamos la primera perra.

Pues si os fijáis en los ejemplos citados (Palestina, Persépolis, Alan, incluso Maus o Corazón de la tormenta) tienen un punto en común : la sobriedad gráfica. Algunos tienen un dibujo mejor y otros peor, pero en todos ellos el arte está supeditado a la narración, intentando siempre que el ojo fluya, corra por las páginas, mantenga un ritmo adecuado en la lectura eludiendo la vistosidad, el "voy a lucirme", el gran hallazgo gráfico que haga que la vista se detenga para contemplar ese maravilloso dibujo, sí, pero perdiendo así el hilo narrativo, toda la ambientación conseguida.

Séra hace todo lo contrario. Viene a lucirse. Y esa es la gran diferencia con todos los (grandes) álbumes citados. Primero, usa color, y no un color cualquiera. Segundo, busca el efectismo, el impacto visual, la belleza compositiva, la imagen por la imagen. Y qué sentido tiene, cuando se habla de muerte absurda, de injusticia, de pérdida de valores, de guerra, en definitiva, un dibujo epatante? Ninguno, claro. O quizá sí tenga uno: esconder el más pobre de los guiones, que es el que recorre Callejón Rojo. Supongo, pues, que con esa grafía tan moderna, que además no me gusta un pelo, consistente, creo (aventuro, no lo sé) en dibujar sobre fotografías, lo único que pretende el autor es vendernos gato por liebre. Sensacionalismo comicense, cuatro dibujos más o menos logrados y una leyenda que diga que va sobre la guerra de Camboya y a vender que son dos días.

Malo.

Spiff

Publicado en es.rec.comics el 15/05/2004

Nick Furia : Agente de SHIELD

2008-07-01T08:49:00.000+02:00

De Steranko y otros

Un tomo de Panini, creo, que viene muy bien para conocer la célebre etapa de Steranko en esta serie.

Al parecer, Steranko llega algo verde a esta serie, justo cuando Lee y Kirby han sentado las bases de la serie y planean su próximo golpe. El tal Furia era el protagonista de una serie bélica que, con la moda de James Bond, se había reciclado en agente secreto, aunque al estilo Marvel.
Steranko empieza entintando los bocetos de Kirby, pero pasa rápidamente a ser el autor completo. Y lo hace imitando a la perfección el estilo de sus predecesores, para bien y para mal:

En cuanto a los guiones, aunque Nick Furia tiene elementos para ser un cómic realmente divertido (todos los elementos de las series de espías, exagerados al máximo; afición de los guionistas a rozar el ridículo una y otra vez; y acción constante), leer este tomo se me ha hecho bastante pesado, probablemente por lo sobado que está el tema a estas alturas, y por las tramas y los personajes que se pasan de absurdos. Eso sí, hay algún número redondo, como el de la llegada de Furia a la base flotante de Hydra.

Pero esta etapa de la serie es más recordada por el dibujo: Steranko imita perfectamente el estilo de Kirby en todos los aspectos y añade además algunos trucos propios. Desde el principio se ven splash-pages realmente espectaculares que no aparecían en la época de Kirby, y utiliza además recursos nuevos, usando como excusa los inventos de SHIELD para llenar las viñetas de "efectos especiales". Mis favoritos son esos fondos geométricos, casi abstractos, que sustituyen a la clásica "máquina gigante de fondo" de Kirby.

Por otro lado, como decía antes, se le nota que está verde, y comete fallos constantemente, sobre relacionados con la expresividad y las poses. No hay más que ver la portada del tomo, con cuatro o cinco maromos en la misma pose exacta (y no sabría decir si están corriendo, bailando o qué), ¡y Valeria transformada en un híbrido fraggle-humano!

Dreebo

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Los Campeones

2008-06-29T10:02:00.002+02:00

Ahora es 0ciOs0 quién, tras la aparición de esta breve serie en España, nos deja su opinión. Yo ya lo hice hace unos meses.

Precedido de críticas muy buenas, me lo eché bajo del brazo y lo empecé al poco de llegar a casa.

A medida que iba pasando páginas en lo único que podía pensar es en el tremendo varapalo que le iba a dar en las news. La misma mierda de siempre: un barullo de gente nueva que no sabes de donde sale ni a donde va, todos ellos superchulos y supersobraos, y a los que se supone que tienes que coger afecto aún sabiendo que dentro de cinco años la mitad estarán muertos y la otra mitad reciclados como secundarios en otras colecciones. En los últimos tiempos nos están intentando colar una barbaridad de colecciones de nuevos grupos, y aunque tengo un corazón que no me cabe en el pecho y lo tengo que llevar en un carrito, no da para tanto, lo siento mucho. Demasiada peña de la que encariñarse de golpe.

Nada mas acabar el primer número ya han echado a casi todos sus componentes sustituyéndolos por otros nuevos. ¿Pero están de coña o qué? ¡A la mierda! ¿Para eso me he esforzado en aprender otra tacada de nombres absurdos?

Y el caso es que en ese primer número han aparecido unas cuantas buenas ideas. Tiradas en las páginas de manera atropellada, pero ideas. Sigo leyendo y poco a poco me va cambiando el chip y voy entrando en el juego.

El hilo conductor de cada número es la entrevista de trabajo que han hecho los diferentes miembros para entrar en el grupo. Esto permite ralentizar la acción e ir contando la historia de cada uno. Vale, no son los tipos mas interesantes del mundo, incluso alguno es francamente hostiable, pero tienen su aquel. El líder, un actor que interpretaba a Tony Stark en una serie de televisión (como lo oís) y al que finalmente conoció en una reunión de alcohólicos anónimos pasa de señor anodino a señor anodino prometedor. También interesantes la teen-star a lo Britney y sucedáneas, y la relaciones públicas del grupo, todo un bicho real como la vida misma.

Kitson es menos Kitson que otras veces, probablemente debido al entintador, y siendo un dibujo mucho menos estilizado del que acostumbra a hacer (La Legión de SH y así), me ha gustado mas. ¿Por lo cualo? Porque no le salen todas las caras iguales como otras veces. Por una vez sus personajes no tienen todos la misma cara de niña triste.

Por diez euros largos, siete números americanos. No se como derivará la cosa y si terminarán por poner algo de orden en ese batiburrillo de ideas, pero creo que merece la pena hacerse con este tomito. Mucho mejor que los aburridísimos "Poderosos Vengadores" o lo de "La Iniciativa", algo visto mil veces. Esto es otra cosa, al menos destaca dentro de "la misma cosa" que suelen ser este tipo de tebeos.

0ciOs0

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Sky Masters of the Space Force

2008-06-27T10:55:00.002+02:00

Por Jack Kirby y Dave Wood

Toda una sorpresa por parte de Glénat, que edita en formato de lujo y con todo tipo de extras (hoy en día no se puede publicar un cómic sin un artículo de Álvaro Pons) esta tira diaria poco conocida por aquí. Se trata de un cómic de ciencia ficción que responde al interés del público de aquella época por la llamada carrera espacial.

Por lo tanto, aquí los héroes enfundan sus pistolas láser y se convierten en personajes más cercanos y creíbles. Aunque Sky Masters siga siendo un cómic fantástico, lleno de inventos y hazañas imposibles, intenta mantenerse dentro de lo creíble y se identifica más con los astronautas que aparecían en los periódicos de la época que con Flash Gordon o Buck Rogers.

Por ello, la estética de la serie está muy cuidada y resulta espectacular. Trajes espaciales, cohetes y equipo científico, todo resulta verosímil y está perfectamente documentado, rompiendo con la ciencia ficción de la década anterior. Las aventuras de Masters (sí, sus padres intuían que sería piloto y lo llamaron Sky Masters) son también más mundanas, y no se dedica a conquistar planetas imaginarios sino a alcanzar la órbita terrestre que, por ser real, resultaba aún más atractiva que el planeta Mongo.

Por desgracia, la "carrera espacial" ahora mismo ocupa 5 minutos al mes en los telediarios, y habiéndose superado en la realidad todas las aventuras imaginarias de Masters, el cómic ha perdido interés, por mucho que Kirby adorne los lanzamientos de cohetes con historias de celos y traiciones. Así que lo que de verdad llama la atención en "Sky Masters" es su dibujo absolutamente genial: da gusto ver a Kirby entregándose a fondo y cambiando sus habituales máquinas imposibles por artefactos reales, que copia a la perfección. Y el entintado de Wood es espectacular, no hay más que ver la portada.

Dudo que nadie se enganche a este cómic, pero echadle un vistazo porque sólo por el dibujo ya merece la pena.

Dreebo

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World War Hulk

2008-06-25T17:33:00.004+02:00

Primero decir que me lo he leído de la mejor manera posible, con los tres tomos principales americanos (la serie madre, la de Hulk y la de First Line) y leyéndolos en el orden correcto. La experiencia ha sido tan bueno, que como preveía, en estos eventos voy a ir pasando de Panini y aprovechando mientras el euro sea el rey de las Bolsas.

Conclusión: muy entretenido. Evidentemente no tiene el tras fondo ni la importancia de la Civil War, pero teniendo claro esto, es muy disfrutable. La serie madre es la que aporta, normal, la mayor información y la que concentra todas las tortas. Después de leída, sí parece lógico un nuevo cambio de rumbo. Quizá no tanto como para que lo guionice Loeb, pero bueno. El final es un punto de no retorno al que ha sido conducido el personaje después de Planeta Hulk y de esto. Sería una tontería, creo yo, pasar al mes siguiente como si no hubiera pasado nada.

De todas formas, dado que los autores no son gente que me atraiga para comprar una serie, la nueva etapa no me llama la atención y creo que esto será lo último que leeré de Hulk a corto plazo.

En la serie de Hulk, rebautizada como Incredible Hercules a partir de la WWH, tenemos los planes de Amadeus Cho para ayudar a Hulk, montando un variopinto grupo de Renegados formado por Hércules, Ángel y Namora (¿no existen más nombres bajo el agua?). Es muy entretenido, y desde luego dan ganas de seguir leyendo a Hércules en esta serie. Muy destacable el dibujo de Gary Frank en los primeros números, con un enfrentamiento Herc vs. Hulk tremendo. Son dos o tres golpes, pero con ese nivel de fuerza...¿para qué más?

Primera Línea, como en Civil War, nos da idea de la envergadura de lo que está ocurriendo. Muy acertado, igual que la otra vez, ya que le da mayor empaque e importancia a la historia que transcurre paralela. Menos mal que quitaron las historias últimas de CW, y han metido unas páginillas de humor mucho mejores. Los dibujos son decepcionantes: Ramón Bachs parece que lo hizo deprisa y corriendo y ni parece él; y Martinbrough, con lo que me gustaba su etapa en Detective Comics aquí parece un cualquiera. Esta serie está muy mal gráficamente, pero el guión de Jenkins consigue salvarla.

Azrael

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Los comienzos de Torrezno (y más)

2008-06-19T13:39:00.001+02:00

"Horizontes Lejanos",
de Santiago Valenzuela

Es muy loable la política que se sigue en nuestro país (véanse los premios del Saló) de aupar a promesas del comic patrio a la categoría de realidades cuando aún están verdes para ello. Loable porque hay que promocionar lo nuestro, y ayudar a los que empiezan, y tal. Pero también es engañosa, en especial cuando al lector le venden como autor maduro a quien sólo es un prometedor aspirante a autor maduro.

Si durante bastante tiempo he estado eludiendo a Valenzuela es precisamente por esa razón, por pensar que al igual que Solís o Durán, era un cachorro convertido en león de la noche a la mañana en virtud no a sus méritos, sino a la promoción de "lo nuestro".

Pero no me importa reconocer que me equivocaba. No me malinterpreten: a Valenzuela le queda camino por recorrer antes de cuajar totalmente como autor de comics (por ejemplo se muestra bastante torpe con la "banda sonora" de su obra, esto es, onomatopeyas y demás), pero ya tiene valores más que suficientes para ser considerado una realidad.

Pese a su aspecto cutre y feísta, estos "Horizontes", primer aventura de su personaje fetiche, el Capitán Torrezno (que en realidad es más un observador que otra cosa), es uno de los comics más imaginativos y brillantes que hayan surgido en España en la última década. Mezclando los elementos más dispares (desde Darth Vader al Vaticano pasando por Gengis Khan) , Valenzuela crea una geografía mítica tan irónica como repleta de sorpresas que produce estupor al principio pero acaba enganchando sin remedio. Muy, muy recomendable.

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"Venecia: Triple Juego"
Trondheim y Parme

Tan simple como simpático. Un cómic que demuestra que la línea clara de toda la vida en la onda Spirou o Lucky Luke, mezcla de humor blanco y aventura, sigue teniendo cabida en el panorama actual.

La historia, con un limpio, detallista y clásico dibujo de Parme, transcurre en el siglo XVI y tiene por protagonistas a dos jóvenes, un pintor y una cantante , que recalan en Venecia para cumplir una misión de espionaje para sus respectivos países, Francia y Alemania. Ambos llevan una doble vida: De día asumen sus respectivos trabajos cotidianos y de noche se convierten en justicieros, enmascarados o no (sus nombres de batalla son "El Aguila" y "El Escorpión") para realizar sus actividades como agentes secretos.

El eje del relato es la paradoja de que ambos protagonistas (cada uno de los cuales desconoce la identidad secreta del otro) sienten una gran atracción mutua en su rol nocturno, mientras que se odian a muerte en el diurno. Esto es, ninguno de ellos sabe que el "Superman" que tanto le atrae por las noches es también el "Clark Kent" al que no puede ver ni en pintura por el día. El gran fallo del álbum es que esa situación es unitaria y apenas evoluciona durante todo el mismo, y si se prolonga en el segundo (la aventura es independiente pero constituye la primera de una serie) la monotonía y el aburrimiento son inevitables.

De momento Trondheim (guionista) se las arregla para salvar el tipo gracias a los divertidos disparos verbales que se propinan a cada momento los odiados "Kents" y las correrías que ambos realizan cuando se transforman en "Supermanes", lo que da un album entretenido, en absoluto imprescindible, pero con cierto encanto. Ya veremos si en el futuro acaba de cuajar.

ACEGE

Publicado en es.rec.comics el 15/05/2004

Shaolin Cowboy

2008-06-17T19:25:00.000+02:00

De Geof Darrow

Aunque nunca he conseguido hacerme con él, siempre me ha llamado la atención "Hard Boiled" de Miller y Darrow, y más que el cómic, ese "cómo se hizo" a tamaño gigante que hay en algunas tiendas. Por eso ni me lo pensé cuando vi este primer tomo de "Shaolin Cowboy" por el mismo dibujante. Y me alegro de haberlo comprado, porque el 2º tomo no lo vamos a ver ni en pintura.

El tal Shaolin es una mezcla de John Wayne, Zatoichi y Jimmy Corrigan que se pasea por el típico desierto postapocalíptico a lomos de un mulo que no para de hablar. Da la impresión de ser una historia-homenaje a lo Tarantino, picoteando géneros de aquí y de allí. Pero no lo es, y ni siquiera hay tal historia: en el primer número ya queda claro que Shaolin Cowboy es más parecido a esos cómics de Moebius en los que pasan cosas simplemente porque al autor le apetece dibujarlas. Sólo que en vez de los mundos alienígenas, a Darrow le va a violencia gratuita. "Shaolin Cowboy" es una sucesión de peleas a cámara lenta en las que cada disparo, cada patada y cada chorro de sangre pueden ser una splash-page y no hay dos viñetas seguidas con la misma perspectiva.

Y Darrow, además de disfrutarlo, lo hace bien, el mamón: cada una una de las viñetas de este cómic es perfecta y tiene una complejidad y una cantidad de detalles que a otros autores ni se les pasaría por la cabeza meter. Y todo esto no molesta a la hora de leerlo, sino que da al cómic una sensación de estar viendo una especie de coreografía a cámara lenta (y en una pantalla muy grande). Impagable cuando hace una especie de "travelling" ¡de cinco splash-pages dobles! :)

Lo que sí estropea el cómic es precisamente lo arbitrario del argumento y la falta de un mínimo desarrollo de personajes. Y no es que a Darrow no le salga, es que ni se lo plantea. "Shaolin Cowboy" es una exhibición espectacular y perfecta de técnicas y recursos, pero no es un buen cómic, igual que un futbolista haciendo 3000 toques de balón sin que éste caiga al suelo no es un partido de fútbol. Y encima el mulo y el zombi no se callan ni a tiros (literalmente).

Dreebo

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"Janitor" de Boucq y Sente: Un James Bond a hostias (benditas)

2008-06-10T11:58:00.010+02:00

Parental Advisory:
Explicit European Content.

Voy a largar de un dibujante y a ratos guionista que nunca me ha defraudado contando historias alejadas de lo convencional, demostrando que la fantasía no necesita de superpoderes o de naves interestelares (si, aquí haciendo amigos el Dome).

Boucq viene de dibujar dos series (Cara de Luna y Bouncer) guionizadas por Jodorowsky, tarea que a un ser humano normal no debería dejar en un estado muy católico. Sin embargo el francés va y se casca un primer número de dos de las aventuras de un agente de los servicios secretos del Vaticano, ahí es nada.

El dibujo es el estilo típico de Boucq desde la primera vez que le leí en el Cimoc de los años 80 (La mujer del mago, si mal no recuerdo). Nada nuevo en ese aspecto, lo que significa que se mantiene ese alto nivel del que goza, si bien la ausencia (destacable) de elementos oníricos tan habitual en sus historias no le permite sacar lo mejor de si mismo.

Boucq resuelve bien las escenas de acción, aunque uno empieza a pensar que pasaría si el repartehostias fuese Marv y al dibujo estuviese Miller. Al respecto, uno canta bingo cuando dos vehículos caen al mar y viene a la cabeza aquel suicidio de Miller con salto al mar desde una roca que se alabó en este antro comiquero.

El dibujo de las interioridades vaticanas es efectivo, con una Roma que se puede respirar. Las instalaciones de los servicios secretos vaticanos en plan Spectra con sotana son convincentes al 100%, pero no se puede evitar echar en falta los delirantes curas que tienen el poder de la República Ovípara de Damajuana en Cara de Luna (la escena de CdL en que capan quirúrgicamente y hacen comer sus propios cojones al dictador-fantoche es abracadabrante, Jodorowsky debía ir algo por encima de la media a base de peyote).

Sente cumple con un guión con toques de acción, situación internacional, planteamiento con incógnitas a resolver en el segundo tomo, algo de romance y la incógnita sobre el tipo de hostias que el protagonista dará en el futuro. Las páginas pasan rápidas y al acabar pronto dices que como que ya está y lo vuelves a releer con agrado. Corría el riesgo de irse de la olla (creo que Boucq lo agarró de las solapas y le dijo algo de hasta donde había quedado de las majaderías de Jodo y que se andase con tiento) pero no se va de la olla. Las situaciones son plausibles, los personajes son creíbles y es quizás ese fino baile en el limite de lo que es creíble lo que hace interesante el guión.

Domènec

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Mr. Punch (o el cómic en la era audiovisual)

2008-06-08T09:33:00.004+02:00

Neil Gaiman y Dave McKean

A estas alturas no voy a descubrir a Gaiman ni a McKean, dos de los autores más importantes del panorama comiquil de los últimos años, a los que un servidor (y supongo que la mayoría) tiene en buena consideración y a los que se sigue (en lo que se puede) a lo largo de toda su trayectoria. Si bien es cierto que esta obra, Mr.Punch, no es la primera colaboración entre ambos (colaboraron ya en Sandman, Black orchid, Casos Violentos, etc.) si que es, para mí, la mayor y mejor de todas sus colaboraciones.

Un hombre recordando cuando tenia ocho años (y no era un hombre) e intentando sacar una imagen al unir todas las piezas del puzzle. De su familia, de sus allegados, de todos aquellos adultos a los que intentó comprender, en su momento, sintiendo que no formaba parte de ellos, que él estaba más próximo a la comedia trágica de los títeres de Mr. Punch (que le sobreponía, que le exhasperaba, que le daba miedo, que odiaba y que más tarde amaría), que a la tragedia cómica de la vida real, plagada por igual de comicidad (o sarcasmo, mejor dicho) y de drama y llantos, y pena y muerte y que, sin embargo, no le afectaba ni por asomo lo que lo hacía la ficción de los titeres, porque no la comprendía.

Recuerdos de infancia. Reconstrucción de un pasado. Esto es lo que seria, básicamente, Mr. Punch. Una mirada hacia atrás en la que, como en toda reconstrucción del pasado, sólo quedan firmes los hechos que más marcaron, que trascendieron, que quedaron grabados en la materia gris para siempre. Unos recuerdos, que además, poseen la cualidad de todo recuerdo, que es la duda de si lo recordado sucedió realmente así o si se ha ido modificando a fuerza de recordarlo. Y estos hechos pueden parecer banales, intrascendentes en algunos momentos (aunque sean recuerdos marcados por la inocencia de la infancia), si se retoman al azar y sin buscar entender nada más, pero se llenan de significado cuando se realiza un enorme esfuerzo de reconstrucción, y se van atando los cabos y se va viendo que todo cuadra y que lo importante no son tanto los hechos en sí como la experiencia, el autodescubrimiento, la mirada hacia el interior que esto supone.

Y esta mirada sorprende, emociona, apasiona por su mezcla de melancolia y de inocencia si quien la escribe es Gaiman e impacta por su expresividad si quien la dibuja es McKean.

Gaiman realiza una labor excelente en esta obra. La mirada del niño sobre el mundo de los adultos, los miedos, alegrias, las diversas sensaciones que experimenta y su interpretación (interpretación que es a su vez de todo el universo que le rodea), queda plasmada con una fuerza y una expresividad que no habia visto antes en Gaiman. La mirada melancólica, indagadora, comprensiva del adulto respecto a su niñez asombra por la verdad que transmite. Además, el ritmo que Gaiman le infringe al relato es el adecuado, la estructura es interesante y estimulante a continuar la lectura, y la literalidad de los textos de apoyo es simplemente magnífica. Por fin (por fin) el discípulo alcanza cotas de maestro y demuestra que está muy cerca (sino igual) que Moore.

McKean tiene un estilo propio e inconfundible, eso no lo duda nadie, y, además, es uno de los artistas que más cosas nuevas ha aportado al comic en los últimos tiempos. Sin embargo, ese estilo propio ha pecado (quizá más a menudo de lo que seria deseable) de un cierto aire de meramente experimental, de espectáculo, si bien no gratuito, si más como búsqueda dentro de su propia faceta (el arte en el comic) que como apoyo y parte integrante de un guión al medio. En Mr.Punch vemos que su estilo se afianza y se refuerza, perdiendo esos visos de gratuidad que creo que tenia en algunas obras anteriores. Porque su estilo se adapta como un guante al guión de Gaiman. Su juego con el collage, con los distintos estilos de dibujo, su uso de la ilustración y la fotografía transmite mucho, es expresivo y refleja a la perfección, con su fusión de técnicas, las dualidades realidad-ficción, infancia-mundo adulto, drama titeres- drama humano que es Mr: Punch.

En definitiva, dos grandes trabajos, magníficos por igual, que hacen que el conjunto, el total de la obra sea excelente.

Resumiendo, por si no ha quedado claro, que me ha encantado.

Spiff

Publicado en es.rec.comics el 08/10/2001

No sólo de novedades vive el comiquero, así que desde "El daily que daily" os ofreceremos ocasionalmente reseñas antiguas, pero siempre de obras que siguen siendo conseguibles hoy día.

De cowboys y demonios

2008-06-05T10:47:00.002+02:00

COMANCHE #1
Greg y Hermann

Se trata del tomo recopilatorio, anunciado para el último Salón, que se editó por fin, aunque subiendo el precio si no recuerdo mal.

Dibujar un western y evitar la comparación con "El teniente Blueberry" es imposible, sobre todo cuando, al abrir "Comanche" nos salta a la cara el estilo a lo Jijé de Hermann. Como en los primeros álbumes de Giraud, se trata de un dibujo atractivo aunque muy clásico. Aunque Hermann no es tan buen dibujante, tiene una ventaja sobre su colega: en lugar de la asfixiante rejilla de "Blueberry", dispone de viñetas mucho más grandes. El dibujante las aprovecha al 100%, y aunque no tiene el ritmo frenético de su competidor, sí consigue darle a "Comanche" la misma ambientación absorbente y los paisajes alucinantes de "Blueberry", además de un aspecto muy cinematográfico, tanto en las escenas de acción como en los escenarios por los que se mueven los personajes todo el tiempo. A la primera página me remito.

Greg es consciente de todo esto y hace lo imposible para escapar de las comparaciones. Para empezar, intenta repartir el protagonismo entre un grupo de personajes alejados del típico héroe del "far west": una mujer (que da nombre a la serie), un anciano (el old-timer gruñón que no debe faltar en ningún western), un negro y un desertor (los clásicos compañeros inseparables), que ven cómo la civilización se acerca rápidamente a su rancho, el Triple Seis.

Pero he dicho "intenta", porque el protagonismo de "Comanche" lo acapara desde la primera página en el misterioso pistolero Red Dust, un héroe mucho más convencional que relega al resto de personajes a secundarios. Eso sí, secundarios de lujo, con mucho más peso que soltar alguna broma de vez en cuando o dejarse secuestrar por el bandido de turno, que es lo que uno espera en cómics como éste.

Como he dicho ya, "Comanche" no rebosa persecuciones y tiroteos, y sus personajes no son bandidos ni soldados. Con un tono épico y relativamente realista, y utilizando una ambientación cuidada y personajes atractivos, Greg escribe historias que atrapan desde la primera página. Con este primer tomo, la serie se coloca entre mis favoritas, y en una lectura obligatoria para cualquiera que disfrute con los cómics de aventuras.

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HELLBOY: LA BRUJA TROLL Y OTRAS HISTORIAS
Mignola y Russell

A estas alturas no hay mucho que explicar sobre Hellboy: el que no sepa de qué va que tire de Google.

Al final resulta que, además del tomo de tapa dura que recopilaba historias ya publicadas, Norma ha sacado este otro tomito que sólo trae historias inéditas (bueno, "El experimento" ya apareció en "Dark Horse Book of Hauntings", o como llamaran aquí a esa porquería).

El interés de "La bruja troll" es ver a P. C. Russell escribiendo una historia de Hellboy, a partir de un esbozo de Mignola. Pues bien, a Russell le da por hacer una especie de "Tom y Jerry" en cómic y el resultado es lamentable.

De las ¿cinco? historias que trae el tomo, lo único que se salva es la que le da título, y la última, "El necrófago": veinte páginas escasas que dudo que compensen a nadie que no sea completista.

Dreebo

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Así se gestó Indiana 4

2008-06-03T23:55:00.001+02:00

Y es que en es.rec.comics hablamos de todo. Y en las discusiones sobre Indy y la Calavera (básicamente yo contra el mundo), saqué a la luz un documento único: la grabación de cómo Steven Spielberg y George Lucas gestaron la película. He aquí la transcripción íntegra:

- ¡Hola Steven, Buenas tardes!
- Hola, Georgie ¿Como andas?...¡camarero, dos cañitas por aquí!
- Pues tirando, ya sabes
- Que gordo estás, cabrón.
- Si, jeje, la buena vida. Me meto unas costillas a la barbacoa en el Rancho Skywalker quiticagas... - Ya imagino...
- A ver cuando te pasas.
- Ya me conoces. Siempre liao con esto y aquello.
- Si...
- Bueno, al tema. Indiana Jones 4...¡ lo vamos a petar!
- ¡Lo vamos a petar!
- Espero que me traigas buenas ideas, porque yo quiero hacer algo ES-PEC-TA-CU-LAR.
- Te va a encantar, Stevie, te va a encantar.
- Si, porque ya sabes que yo ahora hago cine serio y comprometido. Todo aquello del arca, el cáliz, las piedras...estaba bien, pero...era como muy mundano ¿sabes? Ya no puedo volver a rodar aventurillas del tres al cuarto como aquellas ¿me entiendes?.
- Te entiendo, te entiendo...¡efectos digitales!
- ¡Efectos digitales, si señor! Tas inchao a meterlos ahí en las precuelas ¿eh, jodío?
- Ya te digo... - Te molan casi más que a mí.
- Buah, es que tengo unas ideas...
- Cuenta, cuenta, que se me cae la baba.
- Espera que saco la libretita...
- ¿Todavía la tienes? Tío, eso es HISTORIA viva.
- Si mira, todavía tengo dibujado aquí el primer boceto de Darth Vader.
- ¡Mola!
- Y es que hay veces que las ideas me fluyen de madrugada. Ideas a cascoporro, Stevie. Me pongo a escribir en la libretita y no paro. Un puto genio, soy un puto genio.
- Vale, vale, que te flipas, al grano.
- Bueno, empiezo, agarraté fuerte.
- A ver, a ver....¿hace una racioncilla de calamares?
- Venga va, y una de esas bravas, que tienen una pinta... - Pssst, camarero, una de bravas y una de calamares. Y nos traes dos cañas más.
- Bueno, a ver, primera idea: empezamos con una secuencia con muchos rusos (que ahora son los malos) asaltando en hangar gigante del final del Arca Perdida y...
- ¡No jodas!
- ¿A que mola? Los fans babean con estas pijaditas. Bueno sigo. Andan buscando un extraño vehículo que se encontró en el Oeste en 1888 y tienen preso a Indy para que lo encuentre. Al final Indy se escapa roba el vehículo y cuando está alcanzando los 120 km/h....¡BOOM! Desaparece y sólo quedan dos largas estelas de fuego...
- Ostias que chachi.
- Ya verás. Y luego Indy aparece en el futuro, conoce a un policía con su mismo aspecto (pero en joven) llamado Deckard que le ayudará a Regresar al Pasado. La peli se llamaría "Indinana Jones y el consensador de fluzo".
- Hmmm...no sé...la idea es buena, pero el futuro...la crítica ya me infló a ostias con A.I. y Minority Report y la verdad, no me apetece volver a eso.
- No te preocupes. Si tengo ideas a porrillo. Espera a ver donde lo he apuntado...Star Wars V, esto tampoco...
- ¿Por fin haces la siguiente trilogía?
- Bueno, tengo ideas, pero ya sabes, ponerme ahora otra vez que si la cámara, que si corten, que si tal...es un lío. Y yo en mi Rancho vivo de puta madre.
- Normal...
- Ah, mira, aquí está. Egipto, 1957. En una excavación descubren en extraño artefacto circular. Llaman a Indy para que investigue. Descubre el Séptimo Símbolo y....¡BOOM! Se abre un portal interestelar. Indy viaja a otro planeta, salva a las minorías oprimidas y vuelve como EL HÉROE.
- No está mal pero...¿el título?
- "Indiana Jones y la puerta estelar" - Buff...no sé...la trama se va a descubrir enseguida. Y los fans nos van a coser a hachazos antes del estreno. ¿Algo mejor?
- ¿Mejor? ¡La hostia, Steven, la hostia! Lo que tengo aquí es la polla en verso. ¡El Indiana Jones DE-FI-NI-TI-VO!
- ¡Lo vamos a petar!
- ¡Lo vamos a petar, si señor!. Mira, te cuento.... Mismo comienzo que antes, el de los rusos. Sólo que ahora buscan un misterioso sarcófago...joder, esto te va a ancantar.
- Sigue, sigue..
- Y en el sarcófago....¡un puto alien!. Todo lo de entre medias no lo tengo claro, tampoco importa mucho, algunas escenas de acción chulas, un poco de nostalgia para levantar los ánimos y un final apoteósico: voy a meter marcianitos de esos que te molan a tí, de esos delgaduchos como los de la Tercera Fase...
- Que guayyyy...
- Si Steven, ¡efectos digitales!
- ¡Efectos digitales!
- Y luego, buah, la ostia...sacamos una nave nodriza la leche de grande. ¿Te imaginas la silueta de Indy con eso de fondo?. Es que soy un puto genio.
- Ostias, Georgie, te lo has currao, me encanta. Las demás pelis van a quedar como simples precuelas de la GRAN HISTORIA. ¿Por cierto, cómo se titula?
- Indiana Jones y el Expediente X.
- Está bien, está bien. Pero yo le cambiaría el título a algo más críptico. Que los fans no se lo esperen y a las primeras de cambio ¡BOOM! La primera en la frente.
- Si, mooola....ya se me ocurrirá algo.
- Va a ser brutal.
- Quiticagas....
- Camarero!....dos cañitas más...

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Steampunk, de Kelly y Bachalo

2008-06-02T13:28:00.004+02:00

Dice la Wikipedia:

"Steampunk es un subgénero de fantasía y ciencia ficción que denota trabajos ambientados en una época o mundo en donde la energía a partir del vapor es todavía usada ampliamente -usualmente en el siglo XIX y con frecuencia en la Inglaterra de la era victoriana-, pero con elementos prominentes de la ciencia ficción o de la fantasía, inventos tecnológicos ficticios como los encontrados en las obras de H. G. Wells o desarrollos tecnológicos reales como el computador ocurriendo en una fecha más temprana."

Steampunk, con guiones de Joe Kelly y dibujos de Chris Bachalo, publicada en 2000 por Image en 1+12 entregas (un prólogo y 12 números) y editado en 13 números en España por Planeta DeAgostini.

Joe Kelly en aquel tiempo era conocido sobre todo por su etapa en Deadpool. Preparó una historia de género, bien trenzada, sobre todo en su parte intermedia aunque en el principio la obra estuvo a puntito de escapársele de las manos, tardó un poco en centrar la historia y a los personajes aunque estos últimos, al final, quedan bastante bien definidos. Sin embargo no puede achacársele el final precipitado, obligado por las irregulares ventas de la serie que le obligó a concluir su historia antes de tiempo. No es un dechado de imaginación en cuanto a que, a grandes rasgos, la historia trata de una rebelión contra un despóta, chalado como pocos :-) de la mano de un
inicialmente perdido, desmemoriado y descolocado héroe. Lo que parece bastante simple, se eleva enteros, como he dicho, por lo atractivo de los personajes y los buenos diálogos, algo que Kelly domina bastante bien.

El dibujo corre a cargo de Chris Bachalo ¡¡ y qué dibujo !! Si alguna vez pensásteis que el dibujo de Chris Bachalo es recargado, este es el comic que deberéis mencionar; si alguna vez considerasteis que el dibujo de Bachalo es barroco, este es el comic a revisar. Vamos, Bachalo desatado y sin embargo magnífico, completo, brillante, detallista hasta la extenuación, metacomposiciones de páginas, con personajes no sujetos a la viñeta y escenas que avanzan independientemente de estas (es que hay que verlas), páginas completas, bichos por doquier, ornamentos, . . . ¡ y brillos! , ¡malditos brillos! (no todo van a ser parabienes). En resumen, un gran dibujo aunque ciertamente exigente y que merece disfrutarse poco a poco.

Poco digo de la historia y de los personajes, para eso vuelvo a tirar de wikipedia, allí podréis encontrar esto.

Ustedes me lo disfruten

barbapapá

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El Canto de las Estrigias

2008-05-29T11:48:00.001+02:00

Cuando hay que despotricar sobre las ediciones españolas, yo soy de los primeros que pone el grito en el cielo, pero cuando algo se hace bien, también está bien decirlo. Y estos recopilatorios que han venido apareciendo en la colección Especial BD (el que titula este post y Aldebarán, por ejemplo) están genial.

Primero porque se me agota la paciencia esperando años y años a que una serie francesa termine. Leer del tirón la historia ya es aliciente suficiente, pero hay más ventajas: el precio. "El canto de las Estrigias" vale 20 euros y son 6 albums. Es decir que número a número podría haber costado unos 84 euros.

Vale, el tamaño es menor, pero en muchas ocaciones el dibujo no se resiente nada. Si es verdad que para cómics tan detallistas como "La casta de los Metabarones", uno puede echar de menos en alguna ocasión un formato mayor, pero en este caso, por el tipo de dibujo, yo no lo he echado de menos. El formato creo que abre las puertas a potenciales compradores que muchas veces se echan para atrás por estos motivos.

"El canto de las Estrigias" es un thriller al más puro estilo americano. La trama empieza con un atentado contra el presidente de los EE.UU. A partir de ahí, su ex-guardaespaldas y una agente que no se sabe para quién trabaja unen sus fuerzas para intentar averiguar que está pasando. Asesinatos, complots farmacéuticos, toques de fantasía...todo se entremezcla. La historia es trepidante, y los personajes están muy bien definidos. Ninguno está por estar, todos tienen su función y una personalidad propia.

Cada uno de los álbums es denso, aprovecha muy bien su espacio. Y aún así, la cosa se queda a medias. Porque aunque algunos misterios se resuelven, muchos quedan en el tintero para el segundo volumen; en Francia van por el capítulo 11, así que quedaría uno para completar una supuesta continuación por parte de Planeta. De todas formas, aunque no se cierre completamente, creo que éste tomo merece bastante la pena.

El dibujo no es sumamente espectacular, pero sí bastante bueno. Me encanta cuando alguien dibuja una habitación con todo lo que conlleva, y no una silla, una mesa y un cuadro. La pena es que el colorista de los dos últimos capítulos cambia, y para peor. Lo pretende hacer más modernillo, pero rompe completamente con el buen trabajo que estaba haciendo su antecesor.

Azrael

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Los Centinelas : Las cosechas de acero

2008-05-27T19:03:00.000+02:00

Guión : Xavier Dorison
Dubujo : Enrique Breccia

Un álbum que mezcla historia, ciencia ficción y denuncia de la guerra. El protagonista es un científico que descubre una fuente de energía inagotable. Al estallar la Primera Guerra Mundial, él y su invento caen en manos de los Centinelas, que pretenden crear un soldado perfecto, medio hombre y medio máquina, una especie de Capitán América monstruoso, para salvar Francia de
los alemanes.

La serie podría ser interesante, alternando terror y acción, pero Dorison no le echa mucha imaginación, y además usa todo el álbum para presentar la serie y los personajes. No hay sorpresas ni personajes bien construidos en "Los Centinelas", pero sí un dibujo bastante atractivo de Breccia.

Un cómic que se deja leer, pero que por su antibelicismo algo coñazo y su estética podría haberse publicado en cualquier revista de los 80.

Dreebo

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Aldebarán, de Leo

2008-05-22T10:43:00.003+02:00

Bueno, tras las buenas sensaciones del recopilatorio de "El canto de la estrigias", vamos a por la segunda de mis adquisiciones europeas del Salón. Se trata de Aldebarán, realizada por completo por el para mi hasta ahora desconocido Leo.

El punto de partida (que es lo que me llamó la atención de la contraportada) es interesante: hace 100 años la Tierra colonizó su primer planeta, y desde los numerosos viajes iniciales, pronto se perdió todo contacto con nuestro planeta. Mientras, los colonos han tenido que sobrevivir en un mundo con extrañas criaturas y sucesos cada vez mas raros. La capital de Aldebarán ya alcanza los 20.000 habitantes y el planeta está gobernado por un régimen semi-dictatorial. En ese contexto, un joven pescador y una compañera de clase se verán involucrados en una trama que intenta descubrir que está pasando en el planeta.

Se trata de una historia de aventuras muy entretenida y muy constante, no podemos decir que ningún album sea mejor que otro. Además, desde el principio hasta el final pasan 4 años, y Leo sabe retratar lo que eso supone en la vida de los protagonistas. Y aunque la trama se cierra en muchos sentidos, el autor deja la puerta abierta a lo que es el segundo ciclo de esta serie: Betelgeuse, un nuevo planeta colonizado. También existe un tercero llamado Antares, pero de ese sólo existe un álbum hasta el momento. Todo ello puede verse en la página web de la saga, que es realmente ejemplar en cuanto a diseño y contenidos, que pena que sólo pueda verse en francés.

Sin duda alguna compraré el Segundo Ciclo si Planeta lo publica, aún teniendo en cuenta que hay un aspecto en el que Leo deja mucho que desear: la expresividad facial de los personajes. Mira que dibuja bien, los paisajes, las bestias, el cuerpo humano, los barcos, y todo lo demás; pero cuando falla la expresividad, falla todo. Un personaje tiene la misma cara cuando ríe que cuando llora, cuando corre que cuando come y eso, es un error de libro. A ver si en los nuevos álbums mejora ese aspecto, y se hacen más disfrutables, porque es algo que distrae en medio de la acción

En fin, con eso y con todo, una lectura entretenida y amena.

Azrael

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¡Recordad!

2008-05-21T22:57:00.004+02:00

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Iron Man, cambia el polvo por brillo

2008-05-17T13:17:00.010+02:00

¿Qué es lo más importante en la adaptación al cine de un comic de superhéroes?

Para muchos fans acérrimos del género, probablemente la fidelidad al original. Para no pocos espectadores, la acción y los FX. Para los productores, el potencial comercial del personaje. Para los creadores, su capacidad como generador de muy rentable merchandising. Pero todos olvidan lo esencial.

Lo esencial es el sentido común. Ese que nos dice que una peli sobre un comic de SH necesita…Lo mismo que cualquier otra peli : Un buen guión, buenos actores y un buen director. No necesariamente geniales, ya que hablamos de cine de mero entretenimiento, pero sí medianemente competentes. Porque las exhibiciones de inutilidad (y hemos visto muchas en este tipo de películas) decididamente NO son entretenidas.

En lo que a Iron Man respecta, contratar a los guionistas de la muy aplaudida “Hijos de los Hombres” parecía un acierto. Elegir como protagonistas a Downey, Paltrow y Bridges resultaba chocante, pero podría resultar adecuado. Y darle la silla de director a Jon Favreau, actor de tercera al que vimos haciendo de Foggy Nelson en “Daredevil” y firmante de “Elf” y “Zathura”, directamente demencial. Pero ya saben lo que pasa en los comics de SH : Esos tipejos que en la vida cotidiana parecen débiles e insignificantes al final se revelan como increíblemente poderosos. Y parece que Favreau ocultaba algunas sorpresas bajo su apariencia de hombre-hamburguesa hollywoodiense. Como mínimo, ese normalmente escaso sentido común, al menos a la hora de seguir unas reglas básicas.

Regla Nº 1 : Reclama la atención del público desde el principio.

La regla que hace gemir a muchos guionistas de pelis de SH : “Es que hay que narrar el origen del héroe, y eso lleva tiempo; hemos de empezar hablando de su papá, su mamá, su barrio, su perro…”. Gilipollas, ¿Has oído hablar de algo llamado flashback? ¿Te suena la palabra elipsis? No eres Shyamalan, no tienes intriga ni sorpresa alguna escondida en la manga, todo el mundo sabe de antemano lo que va a ver, y no quiere esperar hora y media para verlo.Así que MUEVETE.

Solución Iron Man : Impecable. Abrimos con unos títulos de crédito inusualmente sobrios y de inmediato la situación explota (literalmente). Si eso no llama la atención, que venga Dios y lo vea. La trayectoria anterior del protagonista se despacha en diez aprovechadísimos minutos, que incluyen una acertadísima e impactante sucesión de (falsas) portadas de revistas que nos dicen de dónde sale Tony Stark y una no menos impactante Leslie Bibb (eso también llama la atención) que nos cuenta dónde la mete. Asunto resuelto. Y muy bien resuelto, oiga.

Regla Nº 2 : Un Gran Poder exige una Gran Responsabilidad…Pero no necesariamente ser un plasta.

El mayor talón de Aquiles de los SH es su naturaleza bondadosa. El Síndrome Superman, por hablar del típico SH que, en acertadas palabras de Neal Adams, “caga caramelos”. Ya saben : “Defensor de los débiles, adalid de los necesitados, libertador de los oprimidos, y blablablabla”. Un cenagoso pantano en el que resulta fácil hundirse, sobre todo si el espectador al que pretendes convencer tiene más de 8 años de edad física o mental.

Solución Iron Man : Aceptable. Y sobre todo práctica : Rodear las arenas movedizas. No hacer mención a la política exterior de los USA (sobre todo para no verse obligado a defenderla de forma sonrojante). No exhibir barras y estrellas por doquier , ni jefazos militares, ni presidentes que den una imagen edulcoradamente noble de lo que sabemos que no lo es. No estamos obligados a lanzar mensajes políticos, esto no es una peli de Ken Loach (gracias al cielo), pero tampoco a tomar por tonto al público con patriotismo barato y discursitos grandilocuentes que ya eran cínicos en la era pre-11 S, cuando Stallone hacía que en “Rambo III” su culturista combatiera a los rusos en Afganistán poniéndose del lado de…los talibanes :-DDD. Ejemplo : Si donde otros pondrían un “quiero que dediques tu poder a la ayuda de los débiles y la defensa de la libertad, etc. etc.” puedes limitarte a soltar un escueto y oportuno “no desperdicies tu vida”, hazlo. Y si hay que mostrar claramente que un fabricante de armas no es un simple ferretero, también.

Al fin y al cabo, Tony Stark , al igual que otros SH, tiene un shock personal que sacude su conciencia como origen de su actividad superheroica. Pero el suyo es más creíble que el de otros (“¡Mataron a mis viejos cuando era niño ! ¡Y tras 25 años de darle bat-vueltas al bat-coco, ahora voy a bat-vengarme!”) , y sobre todo, más actual. Centrarse en la evolución del hombre (que dista mucho de ser un santo inmaculado) y en su regeneración moral en las circunstancias que sufre Tony Stark tiene más sentido que actuar como un iluminado que se la noche a la mañana se cree llamado a salvar el mundo. Lástima que no podamos evitar el típico Momento Blandiblub de “nó-llores-nene-que-yo-salvaré-a-tu-papá”, pero resulta afortunadamente breve.

Regla Nº 3 : No es la máscara la que lleva al hombre, sino el hombre quien lleva a la máscara.

El lado oscuro (mercantilista, comercial, facilón) atrae con mucha facilidad a quienes hacen pelis de SH. Y suele traducirse frecuentemente en mimar al icono heroico (que es el que vende camisetas, muñequitos, videojuegos y demás) y pasar olímpicamente del ser humano que hay dentro de él, molesto lastre con el que tenemos que cargar por la sencilla razón de que los FX son caros y una peli con el SH permanentemente presente en la pantalla costaría un riñón. Menos mal que, al no ser importante ese soporte humano (porque el público acude a ver la máscara), no hace falta gastar dinero en buenos actores ni diálogos que no rocen la subnormalidad : Cualquier inútil al que le encaje el uniforme nos vale, y cualquier chorrada que sirva de relleno entre el “¡BOOM!” y el “¡CRASH!” que nos llenan el patio de butacas sirve para completar el metraje. ¿Para qué complicarse la vida?

Afortunadamente (y aquí la solución nuevamente es correcta) los responsables de Iron Man no se han dejado arrastrar a la sima del mal (planteamiento).Y han sido recompensados por ello. Las críticas de la peli han sido inusualmente positivas (incluso por parte de críticos acostumbrados a tumbar de un plumazo este tipo de propuestas), y todas coinciden en alabar la contribución de Robert Downey como esencial. No les falta razón : Si Favreau y los suyos han sido lo bastante inteligentes como para comprender que el protagonista de su film no es Iron Man, sino Tony Stark, Downey no se ha limitado (como otros actores en la misma tesitura) a trabajar con el piloto automático puesto y agarrar su cheque.

Quizá por afinidad al personaje (no en vano paradójicamente similar en su maduración personal a la del actor en la vida real ), el neoyorquino brilla con luz propia dotando al que podría ser un plasta antipáticamente frío ahora, y lloriqueantemente atormentado después, en un irónico, carismático y divertido (anti)héroe que quita pompa y circunstancia , y con ello ridícula solemnidad, a su labor. Sus vertiginosas réplicas rozan el screwball, la naturalidad con la que asume su condición aporta una mínima credibilidad a lo que la lógica tacha de increíble, y un proceso tan típicamente tedioso como el aprendizaje del SH de turno a base del acostumbrado ensayo/error es una gozosa comedia en sus manos. Downey sabe que el humor no degrada, sino humaniza a su personaje, y borda su labor. El sostiene la película sobre sus hombros, habida cuenta de que Howard, Paltrow y Bridges no tienen espacio de lucimiento personal , error perdonable que obliga al tercero a sacar oro de sus escasas apariciones, cosa fácil para tan impresionante actor (¿Para cuando el oscar de una puta vez?).

y Regla Nº 4 : El Diseño también es espectáculo.

Para los productores de Hollywood, hablar de FX en una peli de SH es hablar exclusivamente de acción : Explosiones, hostias y destrucción. Se supone que eso es lo único que crea espectáculo y atrae al público como la luz a las polillas. Pero a la hora de la verdad, es el diseño el que aporta clase y distinción (por no hablar de credibilidad) a este tipo de propuestas. Tim Burton fue el primero en darse cuenta de que algo tan básico como el diseño de su traje de faena podría marcar la diferencia entre un SH digno de tal nombre y un payaso con mallas ridículas ; y Favreau ha aprendido la lección. Después de todo él no tenía excusa : El pobre Louis Leterrier tiene que bailar con un feo monstruo verde casi en pelotas (tan artificial en su apariencia de muñeco hinchable como el de Ang Lee), pero a Favreau le toca jugar con una armadura de tecnología punta que es la base icónica de su héroe. Con muy buen tino, no la saca en cinco minutos del baúl de la abuela, sino que se recrea razonablemente en su diseño y elaboración, logrando que la escena más espectacular del film no sea la de la armadura en acción, sino la de su ensamblaje sobre el cuerpo de Stark en apenas segundos.

Pero además, con buen criterio, Favreau llena de diseño (a veces fugaz) la pantalla ; al fin y al cabo ¿es lógico que un experto en tecnología de vanguardia tenga el teclado de mierda que usamos usted y yo, o el motorolilla de poca monta con el que hacemos nuestras llamadas? No, hombre, no. Tan sólo la casa/picadero de Stark ya haría las delicias de los fans de Lloyd Wright o Le Corbusier (por citar a los dos arquitectos que conozco, aparte del aparejador de mi ayuntamiento). Y lo mejor es que Favreau luce sus bazas ; no las desaprovecha en montajes epilépticos que no permitan ver un carajo ni siquiera en las luchas (obligándonos a imaginar quién está zurrando a quién), sino que las exhibe con bastante acierto ; el hombre no es que sea académico, pero rueda sin la tecla de “fast forward” permanentemente activada, lo cual no deja de ser un alivio, sobre todo en épocas de taquicardia como la de la declaración de la renta.

En resumidas cuentas : Iron Man es una película hecha sin genio ni florituras artísticas (quer tampoco nadie le pedía), pero sí con sentido común. Y eso, que no es bastante para convertirla en una obra maestra ni tan siquiera en una gran película, sí que sobra para aplaudirla como un entretenimiento bien facturado, divertido y bastante digno. Una película de superhéroes que no toma a sus espectadores por superidiotas. ¿Les parece poco en los tiempos que corren?

Male Call, de Milton Caniff

2008-05-16T18:43:00.001+02:00

Durante la Segunda Guerra Mundial, al no tener el físico necesario para combatir, Caniff intentó poner su granito de arena escribiendo y dibujando una serie que se publicaba en varias publicaciones militares. Al principio la protagonista era Burma de "Terry y los piratas", pero por problemas de derechos tuvo que hacerla desaparecer de la serie. Así, en la primera tira del tomo publicado por Simon and Schuster, unos soldados lamentan la marcha de la pirata rubia, y se consuelan pensando que aún podrán verla en los periódicos. Inmediatamente llega al cuartel una tal Miss Lace, que será la protagonista de la serie hasta el final.

Male Call es una tira de prensa poco convencional. Principalmente es una tira de humor, porque tanto Caniff como Miss Lace intentan que la vida de los soldados sea un poco más llevadera. Con un público tan concreto, es fácil que al público general le dejen fríos muchos chistes (como pasa en series como Joe Bar), y además no se trata precisamente de humor de vanguardia (la mitad de los gags consisten en que el vestido de Miss Lace deja ver más de lo que debería), pero a pesar de tener 60 años sigue haciendo reír. Vistos hoy en día los chistes son mucho más inocentes que los de "Pin-Up", aquella semi-parodia de Yann, pero aún así parece que Caniff tenía mucha más libertad que sus colegas de la prensa civil. Eso sí, el que la traduzca al Castellano se habrá ganado el cielo.

La tira es, además, y ahora que menciono la serie de Yann y Berthet, una excusa para dibujar chicas, algo que para Caniff evidentemente no es un problema, y muchas tiras son en realidad un desfile de modelos de papel. Al final de una de ellas una de las chicas pregunta al lector si todavía quiere un chiste.

Y por último, además de hacer reír a los militares y alegrarles la vista, el propósito de Male Call es enseñar. En sus páginas, los soldados explican a Miss Lace una serie de datos útiles, como reconocer distintas insignias. También hay propaganda, claro, a veces bienintencionada (como los chistes a costa de los civiles) y a veces no tanto (los japoneses no salen muy bien parados, claro). Y no todo es alegría en Male Call, como en la tira en que, años después de la guerra, un veterano mira al vacío mientras su hijo le pregunta por la Guerra del Pacífico. Los dos últimos peñazos de Clint Eastwood resumidos en una viñeta.

Resumiendo, un cómic algo complicado de leer, pero muy interesante por el contexto en que se publicó, además de divertido, y con un dibujo absolutamente genial. Probablemente acabará reeditándolo alguien un año de estos.

Dreebo.

Lo último de David B.

2008-05-13T09:43:00.003+02:00

EL JARDÍN ARMADO
Y OTRAS HISTORIAS

David B.

Una maravilla sobre la que me hubiera gustado escribir algo más elaborado y completo, pero como veo que pasan las semanas (y los meses) sin que me ponga a ello, y aprovechando que Spiff estuvo dando la brasa con el autor, voy a apañar algo en un momento.

Éste es uno de esos cómics que sirve para definir a su autor, donde un autor no sólo da lo mejor de sí mismo, sino que se nota que está haciendo lo que más me le gusta, y dibujando lo que le apetece. Y por ello todo encaja perfectamente con su estilo.

"El jardín armado" es un cómic fantástico, pero fantástico de verdad. Se ha usado la imaginación para escribirlo, y por esto mismo hace falta usar la imaginación para disfrutarlo. La primera historia enlaza con la de "Los buscadores de tesoros" y tiene como protagonista al Profeta Velado. Después vienen dos historias ambientadas en las guerras Husitas, con profetas bien distintos. David B imita las leyendas orales, que superan siempre a cualquier cosa que un autor individual pueda imaginar, y las mezcla con la Historia y las batallas que tanto le fascinan.

Siempre me ha parecido que en cómics como "La ascensión del Gran Mal" el estilo personal de B. lastra la historia. Todas las anécdotas familiares se convierten en una procesión de estampitas estáticas. Sin embargo, la misma forma de narrar resulta perfecta para "El jardín armado": las historias de reyes, profecías, caballeros y fantasmas casan perfectamente con el trazo y el ritmo de David B, con esa mezcla de tapiz medieval y cómic que es su seña inconfundible.

He dicho esto muchas veces últimamente pero nunca ha sido tan cierto como con este cómic: si lo veis en la tienda, abridlo y sabréis inmediatamente si os va a gustar.

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LA LECTURA DE LAS RUINAS

Otro álbum de David B, y por lo tanto un buen dibujo y mucha imaginación. Esta vez no hay guerreros medievales sino las trincheras de la Primera Guerra Mundial, pero B. no ve ninguna diferencia: la violencia y las supersticiones son las mismas que 500 años antes.

Los protagonistas son una espía alemana, un holandés que estudia el folklore de las trincheras, y un ingeniero. Este último intenta comunicarse con la propia guerra por el método que da título al álbum, y además afirma haber inventado una serie de artefactos mortíferos que nadie ha visto nunca.

La trama de "La lectura de las runas" es torpe y los personajes no son interesantes, pero no importa demasiado porque no es más que una excusa para hacer una lista de ocurrencias, curiosidades e historias brevísimas, como los sueños de un soldado que sabe que morirá en pocas horas, la otra guerra mundial que se lucha en los callejones de Europa, o las armas sobrenaturales que planean utilizar los franceses. Todas estas ocurrencias, junto con el dibujo, fantástico en todos los sentidos, que compara la guerra moderna con las matanzas de la antigüedad, hacen que "La lectura de las ruinas" sea uno de los mejores cómics de los últimos meses.

Dreebo

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Ocioso, desempleado, parado; es decir...

2008-05-08T12:05:00.002+02:00

DESOCUPADO
Lewis Trondheim

Desocupado es un tebeo de estos facilones que hace Trondheim de vez en cuando (demasiado a menudo, diría), tipo "el día que me fui a bucear" o "cómo se me ocurrió echarle berberechos a la paella", pero con una diferencia notable respecto a los anteriores para todos aquellos que no se acercan a menos de dos metros de un slice-of-life.

El comic va tal que así:

Una de las muchas jornadas que tiene desocupadas al bueno de Lewis le entra el pavor de quedarse algún día sin ideas que convertir en cómics (como si no supiera que basta con dibujar como se echa la siesta para que se lo publiquen).

Ese miedo le hace recordar algunos casos en la historia de los tebeos en que los autores han pasado de ser geniales a repetirse hasta la extenuación, o simplemente dejar el medio quemadísimos a una edad aún temprana.

Juntando esos cuatro casos y su canguelis creciente, y temiendo enseguida una maldición que pese sobre los autores de cómics o, peor aún, de alguna cualidad, alguna exigencia del medio para con sus autores (que no posean ni el cine, ni la literatura ni ningún otro arte), y que haga que con asiduidad una gran cantidad de ellos no pueda estar muchos años rindiendo a buen nivel decide iniciar una aguda investigación para extender los casos estudiados a un grueso mayor de dibujantes y guionistas y ver si puede empezar a temer realmente por el pan de sus hijos en un futuro no muy lejano.

El plan es muy elaborado y de una gran inteligencia y consiste en lo siguiente: preguntar a sus amigos, que también son autores de cómics.

A medida que avanzan las páginas, la "investigación" se extiende de Francia a toda Europa para dar el salto luego a los USA y quién sabe dónde más.

Desocupado, pues, no pasa de ser una anécdota, un comic tontorrón de esos que trondheim hace como rosquillas, pero tiene el interés para el lector de servir una suerte de repaso rápido al Hola o Lecturas de los cómics, y enterarse así de que tal autor acabó alcóholico perdido, tal otro suicidándose, cuatro o cinco de una misma generación y fundadores de una mítica revista desaparecidos por la misma época y cosas así, además de poder asistir, como si fuera uno más, a conversaciones "frikis" entre autores de cómics y ver alguna de sus manías, preferencias, odios o temores.

Por poner un ejemplo: Cuando las piezas de su estrambótica teoría le van cuadradando de tal forma que ya ve cerca el final de su trayectoria como autor, se cruza con Moebius en un salón del cómic. Este último se le acerca y le comenta todo animado que acaba de descubrir una nueva forma de dibujar que cree que va a ser la bomba. 70 años tiene el bueno de Giraud.

Spiff

Iron Man: ganándose al público

2008-05-06T11:23:00.009+02:00

0ciOs0 sabe cómo se consigue un éxito de taquilla:

Creo que esto se veía venir desde el primer trailer. No sé si os acordais, pero la primera versión que circulaba por la red era un screener de la presentación de la peli en la Comicon. Cuando aparecía la primera versión de la armadura, prácticamente calcada a la del tebeo de los años 60, fué recibida con un grito entusiasta por parte de los frikis que hizo que me subiera la adrenalina de cero a cien en medio segundo. Esos detallitos los identificamos con respeto a la obra original. Porque lo que no le perdonamos a jollivud es que llegue cualquier contratado y monte un blockbuster oportunista tirando de cuatro tópicos y ponga al actor de moda que toque en ese momento aunque sea completamente inadecuado.

Ésa es la jugada para estas películas. Si consigues la complicidad de los aficionados vas a tener internet repleto de publicidad positiva durante los meses previos al estreno. Teniendo en cuenta que los críticos de prensa, especializada o no, y no te digo los de la tele, no tienen ni puñetera idea de comics, van a zambullirse en webs recabando información y opiniones.

Estoy seguro de que si Spirit se estrenara dentro de tres meses lo tendría muy jodido. Cuando el gacetillero metiera en el Google "Frank Miller" leería millones de elogios a su trabajo. Pero en cuanto buscara información sobre su trabajo en esta película no leería mas que mosqueos y desconfianzas. Trasladaría toda esa información (como si fuera suya) a los medios generalistas, y como se copian unos de otros Spirit estaría condenado a muerte antes de su estreno.

**Como siempre, mucho más en es.rec.comics.

Los Inhumanos vs. EE.UU.

2008-05-04T16:17:00.001+02:00

GUERRA SILENCIOSA
David Hine - Frazer Irving

Podríamos considerar este tomo como una secuela de "El vástago de M", ya que lo que aquí ocurre es consecuencia directa de lo que allí pasaba.

Esto es, el robo, por parte de Mercurio de los preciados cristales de los Inhumanos, posteriormente incautados por el Gobierno de los Estados Unidos. Esto provoca que los Inhumanos declaren la guerra contra dicho país.

Además, como en aquella especie de spin-off de "Dinastía de M", el guionista vuelve a ser David Hine. Un nombre para mí hasta hace poco desconocido pero que ya me lo he aprendido tras la efectividad y buenas maneras que nos ha presentado en ambas miniseries.

En "Guerra Silenciosa" tenemos dos tramas paralelas, por un lado la ya contada, y por otro un complot interno. Con un guión muy elaborado, Hine consigue crear tensión hasta el último momento, en el que ambas tramas confluyen y dejan el status quo de los Inhumanos muy tocado. Tanto que inevitablemente esto tendrá que derivar en una secuela, serie o algo, porque te quedas con un "¿Y ahora que?" que deja muchas ganas de más. Además, Hine, cómo suele hacer se mucho últimamente juega con los dobles sentidos para criticar la política de defensa americana. Hasta el tomo concluye con un acto descarado de terrorismo de estado.

Como en "El vástago de M", volvemos a tener un dibujante bastante original. Me gusta simplemente porque es distinto. Porque no es lo que ves todos los días en Marvel. Muy recomendable, chicos.

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En una galaxia muy, muy lejana...

2008-04-30T14:33:00.000+02:00

Estos días, Dani nos hizo un buen resumen de cómo están las cosas actualmente en los cómics de Star Wars y cuales son las lecturas recomendables de lo ya publicado y de lo que se publica actualmente:

Para empezar, yo recomendaría que os pasárais por la sección de Star Wars de la web de Dark Horse.

En la actualidad se están publicando cuatro series, cada una ambientada en una época distinta de la cronología de Star Wars, a saber:

Knights of the Old Republic

Está ambientada en los tiempos de la Antigua República, donde transcurren las historias de los cómics de los 90 'Tales of the Jedi' y donde están ambientados los dos juegos de ordenador de mismo nombre (mas concretamente la serie precede lo que acontece en KotOR y KotOR 2);

Dark Times

Transcurre tras lo visto en las precuelas, justo después de la derrota de la República y la instauración del Imperio, trata sobre las purgas Jedi especialmente;

Rebellion

Está ambientada en... efectivamente en los tiempos de la Rebelión, con historias situadas entre 'Una Nueva Esperanza' y 'El Imperio Contraataca', y con presencia de los personajes clásicos, aunque no como protagonistas (o no siempre);

Legacy

Está ambientada varias generaciones después de lo acontecido en las películas y las historias del Universo Expandido (las novelas y cómics, especialmente tras las series de novelas de 'New Jedi Order' y la actual 'Legacy of the Force', aunque no es necesario conocer estas historias).

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Dependiendo del gusto de cada uno se puede elegir una u otra. En cuanto a calidad, yo apostaría por 'Legacy' que está producida en su mayoría por la pareja Ostrander - Duursema.

En USA también se está reeditando material clásico en formato omnibus (tomos más pequeño que el comic-book pero sin llegar a la Biblioteca Marvel), han salido tomos de las series 'Tales of the Jedi' del infame Kevin J. Anderson; 'X-Wing' con argumentos de Michael Stackpole; y recopilatorios de la primera serie de Dark Horse, 'Dark Empire' de Tom Veitch y Cam Kennedy (dos tomos que incluyen 'Dark Empire' I y II, y 'Empire's End'). La serie 'X-Wing' es muy recomendable, a las otras en cambio yo no me acercaría ni con palo :-P

Del resto que hay publicado yo recomendaría la serie 'Republic' (unos 80 y tantos números) ambientada entre precuelas, en particular los que salieron bajo el subtitulo de 'Clone Wars' (Planeta edito los 2 primeros volúmenes, y me parece que vi hace poco el 3º en la Fnac pero no se si ha salido ahora o no), que reúne los últimos 20 o 25 números que van desde el inicio de las guerras clon (tras 'El Ataque de los Clones') hasta el final de la serie.

También recomendaría 'Empire' que fue la predecesora, en la cronologia interna', de 'Rebellion'.

De lo demás... buff... no hay nada destacable: Hay varias miniseries protagonizadas por Boba Fett que son más bien malas. 'Star Wars Tales' era una serie que recopilaba en cada numero relatos cortos pero fuera de continuidad (algunos eran paródicos, otros en plan cartoon, otro simplemente no se querían introducir en la cronología oficial), en ella hay alguna historia buena, pero hay tanto cambio de estilo, de tono y de personajes que no merece la pena buscarlas (Planeta sacó algún número).

Hay miniseries en plan 'What if', versiones manga, parodias -a destacar la de 'Sergio Aragones Stomps Star Wars' y los comics de Tag & Binks ('Tag & Bicks are dead', 'The Return Of Tag & Bink Special Edition' y 'Tag & Bink Episode 1 Revenge Of The Clone Menace'). Hay miniseries dedicadas a personajes secundarios como el General Grievous, Jango Fett, Zam Wesell, Lando, Jaba... ninguna de ellas son gran cosa. Y por supuesto las adaptaciones de la series de dibujos animados de Ewoks, Droids y Clone Wars (la miniserie de Catoonetwork).

Resumiendo, cualquiera de las 4 series actuales es recomendables, depende de que ambiente le guste más. Del resto, 'Rebellion', 'Empire' y 'X-Wing'. Todo está digitalizado, por supuesto, y accesible via emule.

salu2

Daniel

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Deudas Impagadas

2008-04-27T17:00:00.003+02:00

En el final de su trayectoria, un veterano alcalde (Spencer Tracy) se despide de todos aquellos que, durante años, han formado su equipo de colaboradores.

Uno de ellos es un gordo bonachón, al que todos subestiman y consideran algo bobo, pero que durante años ha sido su más alegre y leal admirador. Así que, con gran ternura, Tracy le pregunta : "Dime, ¿Cómo le agradecerías a un hombre un millón de sonrisas?" . A lo que el interpelado, sin tener conciencia de que se refiere a él mismo, sólo puede responder con inocencia : "Pues no sé... ¿De quién estamos hablando?" .

La escena pertenece a la película "El Ultimo Hurra", de John Ford. Pero podría perfectamente aplicarse a los artistas que, durante décadas en muchos casos, hicieron del entrañable "TBO" una de las cabeceras míticas del comic español, probablemente sin tener conciencia de su trascendental legado : Manuel Urda, Marino Benejam, Josep Coll, Ramón Sabatés o José María Blanco, entre otros, fueron los responsables de la hazaña que supone convertir al TBO durante más de 90 años (que se dice pronto), pese a los ineludibles períodos de oscuridad e intermitencia, en fuente de diversión para miles de españoles de diversas generaciones. Parafraseando a Churchill, nunca tantos debieron tantas sonrisas a tan pocos.

Y sin embargo, el reconocimiento que ese formidable logro sin duda merece ha brillado hasta ahora por su ausencia. Los mismos fastos que, por ejemplo, se han empleado por parte de la crítica del medio para hacer justicia al legado de la Escuela Bruguera (que irónicamente fue durante décadas la gran rival del TBO en el comic humorístico hispano), con los dos excelentes libros de Antoni Guiral como colofón, se le han sido negados sistemáticamente a la publicación de Joaquín Buigas, poco estudiada , escasamente homenajeada y colocada siempre en un segundo plano del olimpo comiquero de nuestro país.

La excusa para ese ninguneo ha sido la falta de "contenido" y el presunto "infantilismo" de su propuesta humorística. En el TBO no existía la ácida visión de la sociedad franquista y sus miserias tan aplaudida en la Escuela Bruguera, ni la violenta visceralidad que mostraban sus personajes; mensaje y violencia , dos de los tres puntales (el tercero era el sexo, obviamente impensable en aquel contexto histórico) que componen, a ojos de los analistas más superficiales y estrechos de miras, los rasgos definitorios de un comic "adulto". Sin darse cuenta, claro, de que tal postura es sólo la visión simplona y reduccionista procedente de una facilona inversión de las anteojeras censoras : "Si ellos, que consideran el comic infantil por definición, abominan de esas tres cosas, es porque deben ser las que marcan la diferencia entre infantilismo y madurez, ¿no?". Y dejémonos de complicaciones.

No es una premisa exclusiva del humor gráfico : Recuérdese por ejemplo como el gran Miguel Gila, en su faceta de "stand-up comedian" por los teatros y televisiones del mundo hispano, era considerado un humorista "menor" en comparación con aquellos colegas que hacían chistes políticos (en la medida de lo posible, claro) o imitaban al famoso de turno de forma vitriólica. Todo ello, claro está, hasta que alguien cayó en la cuenta de que los políticos y los famosos pasaban de moda, y el humor centrado en ellos también, por coyuntural y episódico, mientras que los clásicos monólogos de Gila sobre su peculiar nacimiento, su pintoresca familia o sus experiencias en la guerra permanecían tan frescos y carcajeantes como el primer día pese a su antigüedad.

Con el TBO, parece que aún no se ha caído en la cuenta de que su longevidad y frescura permanentes, con casi un siglo de vida a sus espaldas (más que ningún otro comic creado en este país), certificada en las reediciones periódicas de su material (como los 6 tomos recopilatorios, más el de Super Humor y el de los Inventos de TBO lanzados por B estos últimos años) no puede explicarse simplemente en virtud de la nostalgia, habida cuenta de que muchos de los que lo compramos no habíamos nacido siquiera cuando ese material se publicó ; ni tampoco por el mero interés arqueológico, que sólo posee una cantidad ínfima de aficionados al comic, demasiado escasa como para merecer una reedición como esta.

Tiene que haber algo más, vaya. Como en el caso de la Escuela Bruguera, tiene que haber un verdadero interés por parte de los lectores, quizá no multitudinario, pero sí muy por encima de lo testimonial o minoritario, en los comics del TBO, y para más inri en su producción más clásica (la de las décadas doradas de los 50 y 60), porque lo que sí que no ha acabado de funcionar son los intentos de "actualizar" sus contenidos, pese a ser comandados en su día por gente tan solvente como Joan Navarro. Es "el TBO de siempre" el que se ha ganado la inmortalidad, el que puede reeditarse una y otra vez sin agotamiento, y por tanto son sus méritos los que han hecho posible tal milagro en un medio como el comic en el que frecuentemente lo publicado ayer por la tarde, mañana ya estará olvidado y descatalogado.

¿Cuales son esos méritos? Probablemente haría falta todo un libro para analizarlos debidamente (y espero que alguien lo escriba de una vez, porque se trata de un vacío clamoroso en la tímida bibliografía hispana sobre comics), labor esta que un simple aficionado como yo no está capacitado para hacer. Pero lo que sí puedo exponer es lo que un servidor, personalmente, encuentra en el TBO ; lo que aprecia en su legado y lo que ha hecho que, con el tiempo, haya pasado de la indiferencia que esa publicación me suscitaba en mi adolescencia, cuando la vi por primera vez, a la admiración incondicional que le profeso en la actualidad.

El primer factor que me maravilla del TBO es su inabarcable variedad, ligada sin duda a sus peculiares premisas de publicación. Mientras que la Escuela Bruguera apostó en su etapa dorada por los personajes fijos y el formato standard de historietas de una página, en el TBO la pauta a seguir fue la relativa libertad de extensión de sus trabajos y la carencia en ellos , con la excepción inicial de Benejam (Melitón Pérez, La Familia Ulises, Morcillón y Babalí) de protagonistas reiterativos hasta su última etapa (que no en vano es el comienzo de su decadencia) en la que estos cada vez adquieren más espacio de la mano de diversos autores (Altamiro de la Cueva, Josechu el Vasco, etc.). Eso dota sin duda de una mayor frescura y diversidad al TBO, en la medida en que los personajes fijos implican, a la larga, la repetición de unos rasgos y hasta unas fórmulas humorísticas preestablecidas (véase la característica última viñeta de los personajes Bruguera, casi siempre con el protagonista huyendo de alguien que quiere atizarle). El TBO por tanto no tiene ataduras en ese sentido, y eso se nota en el resultado, menos manido y tópico.

Lo mismo puede decirse de la extensión de sus trabajos, que obligada por la necesidad de "exprimir" a fondo cada página del "oro blanco" que por los años 50 era el papel, huye de la estandarización : Dos páginas, una página, media página, tres cuartos de página, una tira de cuatro o cinco viñetas, horizontal o vertical, etc. Cierto es que, al igual que ocurre con la Escuela Bruguera, eso no implica grandes audacias de composición, ya que el sistema de rejillas de viñetas cuadriculadas con el mismo tamaño es la tónica habitual, pero aún en eso excepciones que confirman la regla son más abundantes en el TBO que en sus competidoras (liberación de marcos en las viñetas, intercalado de viñetas redondas entre las cuadradas, etc.) , dejando claro que la libertad narrativa era a todas luces mayor , dentro de los márgenes establecidos .Y todo ello, repito, añade frescura al resultado.

Otro factor esencial en mi admiracion por el TBO es su apuesta por el humor visual. En la Escuela Bruguera la verbalización es muy superior : La mayoría de los gags se construyen a partir de situaciones descritas en los dialogos, y son ellos, no los dibujos, los que provocan la sonrisa. En el TBO la tendencia opuesta es mucho más habitual : Si bien es cierto que numerosas historias mantienen gruesas parrafadas en sus bocadillos, frecuentemente el texto se sitúa en un segundo plano y es el dibujo el que, con clara influencia del slapstick cinematográfico, toma el verdadero protagonismo de los gags , y de hecho las historietas mudas son moneda común. Siendo como es el comic un medio primordialmente visual, eso constituye desde mi punto de vista un mérito innegable, tanto más en cuanto no deja de abrir la puerta al tan comentado surrealismo propio del TBO.

Y es que ese sería otro valor a destacar : El imperio de la imaginación. Siendo la fantasía tan poco valorada por la crítica ceñuda (que no seria), no es extraño que la vocación de retrato miserabilista mostrada por la Escuela Bruguera en los años más duros del franquismo sea tan aplaudida como despreciado el "cómodo escapismo" practicado por el TBO, que para mí no es tal, sino un proceso de reinvención de la realidad que recuerda al de los personajes de tantos films de Terry Gilliam.

Desde mi punto de vista los grandes humoristas se caracterizan por una visión propia, exclusiva y personalísima de la condición humana y el mundo en el que vivimos. Y tienen dos vías para conformarla : O bien mediante el análisis crítico e irónico de esos elementos, o bien a través de la reinvención de ambos con ayuda de la fantasía, dotándoles así de nuevas posibilidades creativas. Ninguna de estas vías tiene por qué ser más válida que la otra, y muchos autores como Bill Watterson usan ambas a la vez : Véanse por ejemplo las reflexiones casi filosóficas de Calvin sobre la sociedad actual por un lado, y sus fantasías como"Capitán Spiff" por otro. En el caso del TBO, la segunda opción fue claramente la elegida a base no de crear un universo imaginario de hadas, hechiceros, monstruos o reinos soñados, sino de hacer creer al lector (al menos durante el instante que dura su lectura) que en su mundo real de la España gris y reprimida de los 50 existían vías de fuga a lo insólito, grotesco o sorprendente que ni tan siquiera imaginaba.

Quizá el paradigma de lo que digo sean los celebérrimos "Grandes Inventos de TBO", creados por Nit con clara influencia de las "Inventions" de Rube Goldberg y posteriormente retomados por otros artistas como Benejam o el malogrado Ramón Sabatés, que han dado lugar incluso a una deliciosa exposición itinerante por diversas ciudades españolas. En ellos, con la apariencia de un sesudo descubrimiento científico, se elaboraban los más carcajeantes y aparatosos artilugios encaminados a lograr los fines más insignificantes, o se desgranaban las ideas más disparatadas con la pompa y circunstancia propias de un hallazgo básico en la Historia de la Humanidad. Desde los melones con forma (y uso) de ladrillo hasta el armazón metálico pensado para favorecer el crecimiento (colocando un potente imán en su extremo superior que tiraba del mismo hacia arriba), pasando por gigantescos mecanismos encaminados a descorchar una simple botella, las peculiares invenciones del Profesor Franz de Copenhague supieron otorgar al árido mundo de la tecnología, una de las obsesiones más veneradas por la atrasada y cateta España franquista, de un insólito humor rebosante de imaginación y socarronería, no exento de crítica ridiculizante.

En la misma línea se manifestaron las dos grandes estrellas del TBO, Benejam y Coll, desarrollando el primero toda una serie de aventuras dignas de un Verne o un Salgari enloquecidos (véanse los pecualiares métodos de Eustaquio Morcillón para enfrentarse a los peligros de la selva virgen africana) mientras que el segundo moldeaba a su gusto las leyes de la física para convertir las anécdotas más nimias en pequeñas joyas de surrealismo cotidiano. Resulta curioso, en ese sentido, que ambos maestros no estuvieran muy alejados de las dos luminarias indiscutibles de la Escuela Bruguera, Francisco Ibáñez y Manuel Vázquez, tan aficionados a mostrar las mismas dos tendencias. Probablemente porque todos los genios del humor acaban convergiendo en territorios similares o, al menos fronterizos.

El resultado es que, resumiendo lo dicho, por unas razones u otras, el legado del TBO me parece uno de los más inmensos y ricos de toda la Historia del Comic Español, y también, por desgracia, uno de los menos reconocidos. (O al menos no tanto como se debiera). De ahí que constituya a mi juicio la deuda impagada más clamorosa del comic de nuestro país. También lo era en cierto sentido para mí caso personal, en la medida en que, tras varios años escribiendo en un foro de noticias de comics, nunca le había dedicado al TBO el homenaje que merecía por el incontable gozo que me ha regalado durante años. Al menos estas líneas me han permitido, a nivel particular, pagar humildemente mi propia deuda con él, y dejar constancia de mi eterno agradecimiento al TBO y a los que le hicieron grande durante décadas. Agradecimiento, entre otros motivos, por haberme confirmado lo que tantos optimistas han defendido a lo largo de la Historia : Que otro mundo mejor es posible... Y también lo que tantos pesimistas han constatado melancólicamente con el paso del tiempo : Que sus fronteras nunca sobrepasaron ni sobrepasarán los límites del papel impreso.

Acege

Los Campeones de California

2008-04-24T12:27:00.002+02:00

THE ORDER : The Next Right Thing
Matt Fraction - Barry Kitson

Uno de los guionistas en alza últimamente. A Fraction le avala su buen trabajo, junto con Ed Brubaker, en Puño de Hierro, y la actual serie de Punisher: War Journal. "The Order", como algunos sabéis iba a llamarse "The Champions" pero cuando Marvel quiso ponerle en nombre se encontró con que habían perdido los derechos. Supongo que despedirían al señor que se encarga de esto, porque vaya despiste.

En fin, este nuevo grupo, encuadrado en "La Iniciativa", es el que protege el estado de California. Todos los miembros son nuevos personajes. Bien por un lado porque te da libertad para crear lo que quieras, pero difícil por el otro porque no tienes ni una pequeña base de fans fija que se fije en tí. Ya sabéis lo complicado que es crear nuevos personajes en Marvel y que cuajen. De hecho, parece ser que la serie ha sido cancelada en su noveno número. Una pena.

Fraction utiliza aquí un sistema curioso para dar a conocer a sus personajes, cada número empieza y termina con fragamentos de las "entrevistas de trabajo" que se les hacen a todos los integrantes del grupo. Con ello, consigue que los conozcamos más a fondo. El guionista también utiliza una fórmula ya utilizada, la de los superhéores famosos. Todos los miembros del equipo ya eran super famosos por distintos motivos antes de adquirir sus poderes y ponerse el traje de batalla.

Curioso como en estos tiempos DC y Marvel se copian ideas por doquier. Porque esto de los superhéroes a la carta de La Iniciativa se parece muchísimo a lo que montaba Lex Luthor en 52 y su Infinity Inc. Y la historia de Salvation Run, en la que mandan a todos los malos de DC a otro planeta...¿de dónde habrá salido esa idea?. Lo interesante de estos superhéroes de Marvel a los que les adjudican poderes de la noche a la mañana es que sólo les duran un año. Supongo que esto habría dado libertad al guionista de turno a cambiar por completo el equipo. De hecho, aunque por distinta causa, en el primer número despidena medio grupo.

En fin, que como además me gusta Barry Kitson, estos primeros cinco números me han gustado bastante y seguiré con la serie, porque además esto no es una aventurilla sin más. No queda nada cerrado y te deja con ganas de saber que va a pasar con esa trama que queda abierta. Espero que le diera a Fraction tiempo de cerrarla al menos en los 4 números que contiene el siguiente trade paperback : "California Dreamin".

Una lectura recomendable.

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Reseña: Orn Historia Universal

2008-04-22T01:00:00.001+02:00

Con Orn: Historia Universal Quim Bou nos adentra aun más en el fantástico mundo creado para uno de sus más famosos personajes. De la mano de Dolmen Editorial en su colección Siurell Gold nos llega ésta colección que constará de 12 tomos y de los cuales ya disponemos de los dos primeros, de 48 páginas a todo color y en tapa dura.

Se puede leer independientemente de Orn: Dos espadas pero aconsejo que no os perdáis nada de éste personaje en ninguna de sus series, en algún momento se hace referencia a una batalla de la primera serie (de la cual sabemos poco ya que en Dos Espadas sólo se nos mostraron un par de viñetas en flashback) y una pequeña alusión a una de las historias cortas del cuarto volumen, un guiño más que nada.

El primer álbum lleva por título Herdez y en el se nos cuenta un viaje por mar bastante movidito donde conoceremos al personaje que da nombre al tomo, un guerrero veterano que tiene un punto en común (o no tan en común, para ser más precisos) con nuestro protagonista. El guión de éste número es acción pura y de la buena con grandes momentos de tensión y en el que conoceremos algo mas de las distintas razas que pueblan el singular mundo (habitantes marinos, animales nocturnos,…)

El dibujo es espectacular, prácticamente puedes sentir el viento cuando los personajes navegan y el color realza aun más ésta obra, convirtiéndola en una belleza visual como pocas pueden presumir hoy en día. Si alguien lo duda no tiene más que abrir éste ejemplar por sus páginas 3 y 4, una maravilla a doble página en la que quedarte embobado durante un buen rato con sus detalles y donde el puerto parece cobrar vida con todos sus habitantes realizando sus tareas diarias.

El segundo álbum, La Isla Hormiga, nos relata tres interesantes historias contadas por otros tantos personajes para matar el tiempo a la luz de una hoguera. La primera nos relata los hechos de la Gran Guerra, cuando los dioses caminaban en la tierra y ayudaban a sus habitantes. En la segunda Orn nos cuenta una aventura de su tía adoptiva y una secta muy peculiar cuyos adeptos se mutilan las facciones para parecer humanos, unos humanos un tanto sorprendentes. La última historia nos muestra como se inició el negocio entre especies terrestres y marinas.

El dibujo sigue en la línea del primero, y parece que todo lo que se echaba en falta en la primera serie, como el color y algo más de profundidad en la historia general y trasfondo del mundo y de los personajes supera ampliamente cualquier expectativa que pudiéramos imaginar. Ahora si da la sensación de que hay un mundo y unos hechos detrás de todo, con razas perfectamente organizadas y otros muchos detalles que Quim Bou tiene en su cabeza perfectamente planificados.

No se vosotros, pero yo al menos estoy muy interesado en irlos descubriendo acompañando en sus viajes a éste perro vagabundo y guerrero.

El Eternauta

2008-04-20T15:09:00.000+02:00

El otro día me compré El Eternauta editado en 2007 con motivo del 50 aniversario de su primera publicación. La experiencia de leerlo fue tan extraordinaria que me lo liquidé en dos tardes sin poder despegarme de la lectura. Me ha parecido magnífico, ya digo, una historia extraordinaria, muy bien narrada, un gran despliegue imaginativo y muy sugerente. Para llevar cincuenta años creada no ha envejecido, la técnica que muestra tiene un lógico desfase, pero unida a un buen dibujo en blanco y negro, le da al conjunto un aire steampunk de lo más actual.

El cómic, la historieta dirían en Argentina, tiene un valor extra, y es que su guionista, H. G. Oesterheld, fue uno de los "desaparecidos" de la dictadura militar y fue visto por última vez con vida en uno de los escenarios en los que transcurre El Eternauta, que es también un desaparecido. De forma que la historia de ficción y la realidad más cruel se entremezclan mientras se lee el cómic, haciendo que la lectura resulte un experiencia dura, escalofriante por lo premonitorio. Los militares en el cómic no salen bien parados, pues son los civiles los que más heroicamente se enfrentan a los invasores y los que toman las decisiones más sabias. No cabe duda que los militares argentinos no debieron sentirse muy agradecidos por el modo como fueron retratados.

Va de un guionista de cómics -el mismo que la escribe- que está en su despacho una noche estrellada cuando recibe una inesperada visita que le contará la alucinante historia de una invasión de extraterrestre. Invasión que comienza durante una extraña nevada en plena noche bonarense mientras unos amigos juegan a las cartas en una buardilla. Así empieza una historia tan fantástica mezclando en un mismco escenario físico y temporal la realidad con la ficción: la noche del propio guionista que puede estar soñando que recibe la visita nocturna de un extraño, quien a su vez en una noche igual y un escenario parecido jugaba al truco (algo parecido al mus por lo que me ha parecido) con unos amigos.

Esta historia por lo visto tiene varias secuelas, una hecha por el mismo guionista de la historia original, en la que los protagonistas viajan al futuro (ver aquí). Lástima que Norma no se haya decidido a publicarla, porque por lo que cuentan en esa página es más alucinante incluso que la primera parte.

Ninovska

Reseña: Orn Dos Espadas

2008-04-17T15:09:00.010+02:00

No lo puedo evitar, es ver una espada en la portada de un cómic y me lanzo a por él de cabeza y por descontado si se titula Dos espadas.

Orn: Dos espadas consta de 5 tomos en rústica publicados por Dude (1), con guiones y dibujos de Quim Bou, de unas 52 páginas las cuales nos trasladan a un mundo de fantasía, de brujos, guerreros, nobles, ladrones y conspiraciones con la peculiaridad de que sus habitantes son animales antropomórficos. En los tres primeros números vemos a Orn, un guerrero que vende su espada para poder vivir, escoltando a unos mercaderes hasta su ciudad. Allí Orn se encontrará con viejos héroes que resultan no serlo tanto, antiguos camaradas, traiciones y conspiraciones en la búsqueda de un poderoso objeto. Una historia interesante y bien llevada que no decae en ningún momento. La acción y el humor se intercalan perfectamente con unos recuerdos (flashbacks que dicen en otros lares) y menciones a hechos pasados que consiguen crear una necesidad de saber qué pasó en la antigüedad de esa tierra.

Los dos tomos restantes están compuestos por varias historias cortas interrelacionadas entre sí y un par algo más largas, una de ellas enlazaría directamente al inicio del primer tomo y en la que se nos presenta un personaje que muy interesante, El Rey Caballo y en otra se nos vuelve a mostrar que para llegar a ser un héroe las hazañas no siempre son como se cuentan.

El dibujo es claro y limpio, los personajes se “mueven” perfectamente por las viñetas, las cuales hacen fluir la historia de una forma tan natural que hace pensar que esto de contar historias en cómics es tan fácil que cualquiera podría hacerlo. A pesar de que el blanco y negro no queda mal ayudado por grises en las sombras que ayudan a crear volumen a los dibujos, se echa de menos el color al ver lo bien que queda en las portadas.

Orn: Dos espadas es un magnifico cómic de aventuras, de espada y brujería que nos abre las puertas a un nuevo mundo creado por Quim Bou, y aunque en éstos números se nota que no está pulido todo el trasfondo se puede ver claramente la idea general del autor y los bosquejos de lo que puede convertirse en algo tan interesante y lleno de vida como la Tierra Media o la Era Hiboria los es en la literatura.

Orn: Dos espadas 1.- La fiesta de Lug

Guión: Quim Bou
Dibujo: Quim Bou
Tinta: Quim Bou
Color: Blanco y negro
Formato: 52 págs.

Orn: Dos espadas 2.- El duelo

Guión: Quim Bou
Dibujo: Quim Bou
Tinta: Quim Bou
Color: Blanco y negro
Formato: 52 págs.

Orn: Dos espadas 3.- Decisiones

Guión: Quim Bou
Dibujo: Quim Bou
Tinta: Quim Bou
Color: Blanco y negro
Formato: 52 págs.

Orn: Dos espadas 4.- Otras Historias

Guión: Quim Bou

Dibujo: Quim Bou

Tinta: Quim Bou

Color: Blanco y negro

Formato: 52 págs.

Orn: Dos espadas 5.- Viento

Guión: Quim Bou

Dibujo: Quim Bou

Tinta: Quim Bou

Color: Blanco y negro

Formato: 56 págs.

(1)También se encuentra disponible en un tomo integral publicado por Maqui Edicions, de 276 páginas, 12 de ellas a color, que incluye una historia inédita presentando un nuevo personaje llamado Irata.

El nuevo Thor y el viejo Spider-Man

2008-04-15T11:20:00.007+02:00

THOR #1

Mucho mejor de lo esperado. Suponía que me lo leería en un par de minutos y que no explicarían nada, y ha resultado que me ha durado por lo menos cinco y que han contado bastantes cosas.

Estas son las historias que me gustan, las que ponen las cartas sobre la mesa y se van construyendo paso a paso. En cuanto empiezan con misterios y cosas a medio contar...uuuuh, mala espina, eso suele querer decir que van improvisando. Si tienes una buena historia en la cabeza puedes dar todos los datos e ir sorprendiendo al lector con nuevas situaciones sin necesidad de trucos baratos. Para mí La Cosa del Pantano de Alan Moore siempre será el paradigma de esto.

Pero todavía es demasiado pronto, no nos ilusionemos mas de la cuenta. Me ha llamado la atención como a todo el mundo, el cámbio físico de Thor. Anchote y con la nariz aplastada. ¿Un cambio de look buscado? Pues no. Es que a Coipel le salen todas las caras iguales. Recordad Dinastía de M e imaginaos a Magneto con una peluca rubia. Igualico que Thor.

Una pregunta tonta: Si Thor crea su nuevo traje de la nada, si lo acaba de estrenar, ¿por qué las partes metálicas están llenas de rayajos?

SPIDERMAN #18

En Amazing, con los últimos coletazos de Stradivarius en la serie, Spidey inflando a hostias a Kingpin. Aunque resulta una cosa como muy catárquica para los fans, te quedas con ganas de más por culpa del dibujante. Un número tan bestia necesitaba a alguien con un estilo menos ochentero, alguien de la escuela Maleev por ejemplo.

El último número de Friendly por Peter David también me ha sabido a poco. Es el primer encuentro cara a cara entre J.J. Jameson y Peter después de que el último se quitara la máscara en Civil War. Un número tan especial necesitaba algo mas, que los lectores llevaban casi medio siglo esperándola. No sé, Atomos dice en el correo que se ha descojonado leyéndola. Hay que ver lo agradecidos que son los empleados con los productos de la empresa. Con que poquito se conforman.

Y para terminar el tomito, dos números de Sensational con "La última tentación de Eddie Brock". Ya sabeis, el portador de Veneno que lleva muriéndose de cancer desde hace una eternidad y que está resultando mas resistente que la propia Tia May. Pues más o menos lo mismo que los anteriores. Historias de calidad media-alta según los estándares de los años 80, pero mediocres según los parámetros actuales.

0ciOs0

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Video-diario Watchmen (I)

2008-04-10T13:09:00.003+02:00

Aquí os dejamos el primer video-diario del rodaje de la película Watchmen, en total serán 12 (¿de qué me suena a mi ese número?). Los chicos de peliculawatchmen.com han tenido el detalle de ponerle los subtítulos en castellano, lo cual se agradece.

La Broma Asesina : 20 Años Después

2008-04-09T14:12:00.002+02:00

Hay ciertas obras de las que a los más frikis nos gusta tener cuantos más ejemplares mejor. Manías. Que si la edición original, que si tapa dura porque se lo merece, que si en inglés también para cabrearme con las traducciones, etc. Una de ellas es como no, La Broma Asesina de Alan Moore y Brian Bolland, publicada por primera vez en 1988. Una obra redonda, magnífica y que aprovecha cada viñeta de esas 48 páginas como solo Moore sabe hacerlo.

La edición que paso a comentar es la nueva y flamante "Deluxe Edition", que celebra el Vigésimo Aniversario de esta Obra Maestra. Se distingue de las demás por tener: tapa dura, nuevo color de Bolland, una historia corta que hizo también él en los Black & White de los 90 pasada a color y algunas páginas de Making Of. Como curiosidad, decir la famosa y controvertida viñeta en la que Batman y el Joker se están tronchando de risa adorna la portada del tapa dura, bajo la cubierta de papel que sí que tiene la clásica del "Smile".

Es cierto que cuando empezó esta moda de recolorear viejos cómics con las técnicas mas modernas yo me mostraba muy reacio, pero los buenos resultados en según que obras ya me han convencido de que puede ser una gran idea en según que cómic. Watchmen, sobresaliente; Batman de Neal Adams, notable; El Incal, suspenso.

¿Y "La Broma Asesina"? Me decanto por un notable alto.

Al contrario de lo que ha pasado con Watchmen o Batman - en los que no había cambios radicales y sí una mejora y "limpiado" de las viñetas, manteniendo en todo momento el espíritu y las tonalidades del color original - no me parece ésta la Edición Definitiva de LBA, sino una edición alternativa tan válida como la de 1988. Porque recordemos que aquí lo que se está haciendo no es mejorar un color algo defectuoso, o mejorarlo y adaptarlo a lo nuevos tiempos, sino cambiarlo por uno completamente nuevo. También es cierto que el color original se prestaba a esto, con esos colores tan marcados, rojos verdes y violetas adornan todas las viñetas.

Pasemos pues a ver algunos ejemplos de este nuevo color (pinchar para agrandar) :

Aquí vemos un ejemplo típico que vale para hacerse una idea de cómo ha sido sustituido el color original. Todo lo que es piel se ha coloreado como tal, arreglando en ocasiones pequeños fallos como el de la manga rota del falso Joker, que nunca había apreciado. El color morado que predominaba en el traje de Batman se ha convertido en el azul intenso que suele tener.

El mayor error, bajo mi punto de vista, ha sido quitarle el óvalo amarillo al símbolo del pecho. Un intento fallido de adaptarlo a los nuevos tiempos (recordemos que desde 2001 carece de él). Y digo fallido porque el símbolo sólo tiene dos opciones : o es un murciélago más pequeño rodeado por un óvalo amarillo que lo hace mas llamativo, o es un gran murciélago que abarca todo el pecho. Si quitamos el óvalo y dejamos un murciélago enano en el pecho, se rompe el simbolismo y en ocasiones parece ridículo (no en esta imagen en concreto).

Aquí vemos como han sido cambiadas las escenas de los flashbacks del Joker. Es el toque más original de la nueva versión. Se ha dejado todo en escala de grises, únicamente coloreando ciertas cosillas que o bien destacaban ya en el primer coloreado o deberían haber destacado.

Este es uno de los ejemplos del color original que menos me gustaba. Convertir toda una viñeta de un cierto color. Bolland ha normalizado esos colores, aunque en ocasiones pueden perderse contraluces tan buenos como el que hace la luz procedente de la Mansión en la puerta trasera. A favor tiene que pueden distinguirse mucho mejor los detalles, como el contenido de la bandeja.

Otro ejemplo de los flashbacks. En todas estas escenas se da protagonismo a Capucha Roja, en detrimento, en este caso, de los compinches que aparecían iluminados en primer plano antes. Parece que Spielberg sentó cátedra con su escena de "La lista de Schindler".

Toda la caótica o colorista escena del Parque de Atracciones puede entenderse ahora algo mejor, como en esta viñeta, en la que antes casi no se apreciaban las figuras. Como siempre, la mejor comprensibilidad de lectura de las viñetas puede que le quite originalidad a la obra.

Aquí vemos el tratamiento de las viñetas con colores más "normales", digamos , de la versión de 1988. Se gana sobre todo en volúmenes y en tener unos colores más reales, como el de la gabardina del Joker. Aunque hecho de menos el lazo verde.

He mirado esta viñeta tantas veces durante tantos años, que tardaré en acostumbrarme a este nuevo color. Una ventaja: si antes los cristales parecían salirse del tebeo, ahora lo hacen con más énfasis. Una desventaja : los rojos de la capa creaban un buen efecto.

Y ahora vamos a ver los únicos cambios que he detectado en el dibujo. Hmm...esto ya me gusta menos. Estoy completamente en desacuerdo de estas cosas, sobre todo si el resultado es éste:

Tío...¿quién ha dibujado e ese Batman? ¿Bolland o Gulacy? Vaya cagada, con esos ojos achinados que le quitan la expresión de sorpresa original, y borrándole los dientes, creando un vacío feísimo en la boca.

Parece que Bolland ha querido dar más importancia a la segunda parte de la frase del Joker, en la que se acuerda del chiste, que a la primera, en la que se muestra más triste. Primero, el dibujo original me parece mejor. Y segundo, en mi opinión sólo el guionista podría hacer un cambio de estas características; porque conociendo a Alan Moore, seguro que especificaba en dos folios cómo debía ser la expresión del Joker.

En fin, que pese a estos inconvenientes, sí me gusta lo que ha hecho Bolland. Pero repito, como una alternativa y no como algo llamado a sustituir al original.

Azrael

El bueno del Capi

2008-04-04T10:53:00.000+02:00

El Capitán América llega tarde, el último de los grandes personajes de la editorial en aparecer. El recalentón es a finales del año 64 y no entrará a saco con su propia colección, sino compartiendo cabecera con Iron Man durante varios años. Los primeros años post-cubito son puro Kirby. No tan bueno como el de los 4F, que aquí no se podía lucir con tanta cacharrería, pero pura fuerza, velocidad, nazis, Zemo, Craneo y los Durmientes, y muchos superhéroes invitados.

Así estuvo un montón de tiempo, corriendo aventuras a un ritmo vertiginoso, presentando a la práctica totalidad de los secundarios, y haciendo un flashback de vez en cuando que nos hacía entender lo fuera de su tiempo que estaba y lo mal que se sentía por la muerte de Bucky. Todo esto es simultáneo a los primeros años de Los Vengadores, con guiones de un nivel similar, y muy superior en dibujo.

Justo a continuación, los números de Steranko. Nuff said!

Y justo después, Romita, John Buscema y Gene Colan, todos ellos en su mejor momento. Son los números en los que se pasan por ahí los Vengadores de Buscema, en los que Rick Jones se disfraza y le hace de Bucky, y sobre todo, la famosa saga del Cubo Cósmico, la Isla de los Exiliados y la aparición del Halcón.

Los siguientes años, del 70 en adelante, fueron algo mas erráticos pero son los que conservo a fuego en la memoria. Digo erráticos porque está claro que los guionistas no tenían claro que hacer con un simbolazo patriótico en plena resaca del hippismo. Lo cual, visto con cierta distancia, resultó en una metáfora de doble sentido: el Capi vagaba por ahí en una motarra sin tener muy claro que pintaba fuera de su tiempo y teniendo que enfrentarse a revueltas estudiantiles y capos
del black power. Nadie tenía ni idea acerca de la función o la necesidad de un Capitán America, ni los guionistas ni el propio Capi. A dia de hoy, esa búsqueda de la identidad, casi a trompicones, resulta mucho mas interesante de lo que parecía en su momento. Todo esto servido por Colan, Romita, Gil Kane...

Poco a poco las historias fueron reconduciendose otra vez hacia lo superheroico, sobre todo a medida que se fué asentando como dibujante Sal Buscema.

Sal Buscema es un pavo que no nos gustaba a casi nadie porque dibujaba a todo el mundo con la boca abierta, pero al que fuimos cogiéndole el punto y descubriendo que sí, que nos gustaba. Que incluso nos había gustado en su momento pero no nos dábamos cuenta. ¿Cuando lo redescubrimos? Cuando fué llegando otra gente mucho menos dotada para la narrativa y recordamos lo bien que nos lo habíamos pasado leyendo las historias de Sal, siempre tan bien contadas. No sé como se las arreglaba, pero con un dibujo bastante poco impactante y con cuatro posturas repetidas constantemente, ha creado la mayoría de las imágenes que recordamos los que leíamos supeheroes en los años 70.

A finales del 72, ya veis, solo han pasado dos años de "confusión", llega la saga del "otro" Capitán America. En los años 50 hubo una colección del Capi en la que el comportamiento de éste era aún mas facha que la del propio Dr. Wertham. En vez de obviar esa etapa (a lo DC) o montar unas Crisis en los Infinitos Capitanes Américas (a lo DC), se decidió integrarla en la continuidad (a lo Marvel) haciendo uno de los primeros ejercicios de retrocontinuidad de la historia de los SH, y relacionándolo todo en una supersaga de las de antes, dos números que parecen diez, que consigue que te caiga una lagrimita y todo.

Sigue Buscema, siguen recuperándose con gran habilidad personajes de cuando la guerra, y siguen apareciendo malos muy chulos. Incluso los números de relleno les salen bien. Hay uno, el de la negra y los hombres-lobo, dibujado por Alan Weiss, que es una gozada. El tal Alan Weiss, que hizo cositas por aquí y por allá, era un adelantado a su tiempo dentro del género de los superhéroes. Un estilo que combinaba a Steranko con Neal Adams y algunos mas, pero añadiendo un gran componente de sensualidad. ¡Que coño sensualidad, sexualidad pura y dura! No se si era homosexual, maricón, gay, o las tres cosas juntas, pero era capaz de dibujar cuerpos que harían dudar a mas de un heterosexual. Y de las tías mejor no hablar.

Ya os digo que durante todos estos años el Capitán América iba buscándose un lugar en el mundo de los cómics y una personalidad que pudiera ser aceptada por el lector universitario de cómics (y rojeras) de principios de los 70.

Se había dado carpetazo al Capi facha de los años 50, y se le había puesto un negrazo de compañero que le introdujera en la cambiante sociedad de la época, un poco a lo Green Lantern - Green Arrow. El Capi no era facha y el Capi no era racista. Quedaba el golpe de gracia definitivo: El Capi no está al servicio del Imperio.

La famosísima saga del Imperio Secreto no es una metáfora donde los skrulls son una traslación del Gobierno americano ni nada de eso. Es el propio gobierno americano. Evidentemente no nombran directamente a Nixon, que la cosa estaba muy reciente, pero hay que reconocer que tuvieron unos cojones como los del caballo de Espartero para tratar el tema tan directamente. Ni invasiones secretas, ni guerras civiles, ni pamplinas.

Si hubo dos momentos rompedores en la trayectoria de la editorial fueron aquellos en los que decidieron romperle el pescuezo a la novia del protagonista tirándola de un puente, y cuando le dijeron al mundo que su mayor icono, el que simbolizaba al propio país, se desligaba completamente de un gobierno, al que además, acusaban de corrupto. Ahora puede parecer una pijada, otros géneros lo habrían hecho antes, pero dentro del cómic mainstream esto fué un salto sin precedentes.

Toda la etapa posterior, con el Capi convirtiéndose en el Nómada, es también mas que entretenida de leer. Todavía recuerdo la impresión que me causó verle aparecer con un disfraz raro con una capa ondeando al viento. Y mayor impresión todavía el hostión que se metió al pisársela en su primer enfrentamiento con los malos. ¡Esto les puede pasar también a ellos! Es el tipo de cosas, digamos realistas, que nunca se contaban en los tebeos y que todavía nos hacen gracia cuando las vemos en películas como Los Increibles. Hacia la mitad de la historia Buscema le pasa el testigo a Frank Robbins, ya un poco viejuno pero demostrando que quién tuvo, retuvo. De hecho, la imagen final de la saga, la que provoca la vuelta del Capitán, es una de las más terroríficas que he visto en mi vida. Soñaba con ella.

Fueron diez años impresionantes donde cada dibujante era sustituido por otro mejor. Ideas, ideas e ideas.

Durante los años 76 y 77 completos, Jack Kirby vuelve a la colección haciendo lo que le da la gana. Está en el mismo punto de desparrame que le llevó a hacer Los Eternos o el Cuarto Mundo. Tengo que reconocer que nunca me los he leído, ni al Capi, ni las otras dos colecciones. Es todo demasiado denso y caótico para mi gusto. Pero ya sabeis como va esta etapa artística de Kirby: aunque es absolutamente ilegible, contiene ideas suficientes para sostener a las dos grandes editoriales durante décadas.

Mas o menos por aquí acaba la etapa clásica del personaje. Volverá Sal Buscema a hacer unas cuantas sagas de menor interés, pero todavía interesantes de leer, y aun estará por llegar la corta etapa de Byrne, donde se plantea el último paso lógico para la definición del personaje: ¿El Capitán América presidente?

Pero eso ya es otra historia.

PD: Siempre me refiero a los dibujantes porque cuando leía estos tebeos, los guiones se hacían solos. Ni te lo planteabas como no te planteabas que hubiera un director en las películas dirigiendo a los actores. En cualquier caso: Stan Lee casi todo el tiempo, luego Gary Friedrich, Gerry Conway, Steve Englehart, y algunos mas. Equipos muy estables, como era habitual en aquellos tiempos.

0ciOs0

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Conan en Historietas Podcast

2008-04-03T12:28:00.004+02:00

Los amigos de Historietas Podcast nos ofrecen una interesante entrevista a Francisco Calderón y Alfonso Abad donde dan un completísimo repaso a los cómics del cimmerio y al género de la espada y brujería en general.

No dejéis de echar un vistazo (o escuchar mejor dicho) a sus otros interesantes archivos.

Historietas Podcast

La mudanza de Ala Nocturna

2008-04-01T12:27:00.001+02:00

NIGHTWING
Chuck Dixon - Scott McDaniel

¡Chuck Dixon Strikes Again!

Vaya si me lo he pasado bien.

Llegué tarde yo a esta colección. Fue con No Man's Land cuando más contacto tuve con la serie. Las tres partes de "Escape to Blackgate" y las dos de "Ballistic Romance" (de las que hablaba en este post), me engancharon a un mundo de acción y espectáculo como pocos cómics conseguían en la época.

Ahora he vuelto a recuperar aquellas sensaciones, con los dos primeros tomos publicados en España (Un caballero en Blüdhaven y Justicia Vilenta). En un guión "made in Dixon", la llegada de Nightwing a Blüdhaven se va enlazando con historias que se entremezclan. Nunca hay una trama única: cuando una termina la que yacía en segundo plano aparece para ser la protagonista, y así sucesivamente. Pocas series han conseguido mantener la atención del lector tan bien como lo hace Nightwing.

Porque además McDaniel es un genio del movimiento. Habrá, dibujantes con más detalle, con fondos acojonantes y lo que queráis, pero pocos han sabido captar el movimiento como él. Consiguió darle vida propia al personaje. También son muy reseñables sus números en Batman, claro.

Lo único que no me cuadra de esta serie y creo que hace que visualmente no sea tan potente como podría, son los colores. Sí, ya sé que no existía el coloreado por ordenador que hace maravillas hoy día, pero de ahí a usar taaaanto amarillo. Ya, que exagero. Mirad, mirad

Fondo con personajes: amarillo

Fondo nocturno: amarillo.

Fondo con casas , personajes y más elementos : amarillo.

Joder, si hasta el fondo de los textos es amarillo. Estuve comparando con alguno de los números originales que tenía y los colores están clavados (bien por Planeta, porque la variación de las tonalidades es una de las típicas cagadas de las ediciones españolas), así que el problema es de la tal Roberta Tewes, lo mismo es daltónica y nadie se ha dado cuenta. Menos mal, que según pasan los números la paleta parece que se va ampliando.

En fin, que obviando este tema menor, os recomiendo esta serie. Creo que el precio no está mal, aunque poneos mascarilla para no envenaros con las tintas alucinógenas :-)

Azrael

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El Capitán América de Ed Brubaker

2008-03-28T10:54:00.000+01:00

Después de leerse de una tacada los primeros números del Capitán América de Brubaker, hasta el 25, y después el correspondiente epílogo de la Civir War uno no puede estarse calladito. Tiene que soltarlo.

Pero como a estas alturas todo dios ya se ha expresado, y como no quiero decir lo que seguro otros ya han dicho, voy a intentar ser breve. Imagino que hablar de spoilers a estas alturas es bobada, pero avisados quedan ustedes.

No es el mejor cómic que he leído nunca. Ni siquiera está entre los mejores.

Pero se acerca. Joder, si se acerca.

Quizá es que lo empecé sin muchas expectativas. El Capitán América... ¡por favor! Uno de los personajes más simples y bobochorras de la casa. Sus poderes son ser más patriota y soltar mejores discursos que nadie. Su fuerza le viene por tomar mucha leche, dormir ocho horas y comer sano. Y amar mucho a su gran país. Pero mucho, mucho, oiga.

Llega Brubaker y, sin utilizar enemigos nuevos, sin reinventar al personaje, utilizando sin cortarse un pelo personajes del pasado y escenas de la Segunda Guerra Mundial, logra en unos pocos números que uno se sienta ya no atraído por el espíritu del personaje, sino que incluso le coge simpatía a su alter ego, Steve Rogers, más que por sus propios actos, por los actos de aquellos que le rodean, tanto amigos como enemigos. Este tipo es un condenado genio.

Quizá si hubiera leído el comic mes a mes no me habría gustado tanto. Tiene partes flojas, y el formato de "cuatro páginas y vas que te matas" se me hace interminable. Un tomo por cada historia, cada tres o cuatro números, sería perfecto.

¡Y eso que pasan cosas! La reaparición de Bucky, un concepto que me chirriaba como una cosa tonta, me ha parecido perfectamente bien llevada, incluso la gradual resurrección de Cráneo Rojo (aunque su hija es sosainas y tonta como la que más). Y qué decir de la muerte de Steve Rogers... incluso sabiéndolo, resulta impactante... y espero que definitiva.

El caso es que teniendo recientes páginas y acontecimientos, dejando que pasen rápido los dos o tres números más flojos, viendo el trabajo de más de dos años en conjunto... bueno, tengo que decir que:

a) Brubaker ha conseguido que me interese un personaje que no me gustaba lo más mínimo.

b) No sólo eso, sino que encima me ha dejado con ganas de releer la Civil War. No, si al final va a resultar que los Marvel Zombies tienen razón, y que la Civil War no se puede leer de forma aislada, sino que debe hacerse en conjunto con sus cienes y cienes de colecciones afectadas. Desde que he leído este Capitán América, la Civil War tiene más interés.

Mención especial para Steve Epting, el dibujero, que mezcla a la perfección el realismo con las espectacularidad. Los terroristas parecen terroristas, y los superhéroes parecen tipos realmente asombrosos por lo que hacen, y no por tener unos superpoderes del copón.

dso, que si le llegan a decir a su edad que le iba a gustar un comic del Capi América, no se lo cree ni borracho. Vamos anda. Y fijaté.

Detective Comics : Aquellos Maravillosos Años

2008-03-26T19:14:00.003+01:00

No hay nada mejor para apreciar una buena etapa de una serie, como atravesar una etapa chunga, como la que vive en este momento Detective Comics. Parece que en este tema, por lo que he estado leyendo, no estoy en consonancia con el resto de los fans del murciélago, pero mi opinión es que esta etapa no vale nada. Dentro de unos años nadie se acordará de ella. El principio sí, fue bueno, pero más de 6 números con tramas autoconclusivas y sin chicha entre ellos, a mí ya no me gusta.

Si en la portada, en vez de 2008 pusiera 1983, no me cabraería, pero en un cuarto de siglo las cosas han cambiado un poco. Lo que valía entonces ya no vale ahora. Y lo que vale para una serie de dibujos, Sr. Dini, no vale para una serie de cómics.

Hacía tiempo, mucho tiempo, que no me aburría tanto leyendo esta serie. El último número "The Wonderland Gang" es otro ejercicio más de un caso que concluye en 22 páginas. En este caso el malo de turno es el Sombrerero Loco. Con una trama propia de los años 40, el villano y su séquito se dedican a realizar robos selectos, con un final de chiste propio de serie de dibujos de los sábados por la mañana. Señores Editores, si la serie va a bajar la edad de su público lector a niños de 11 años, digánlo claro y me borro mañana mismo.

En fin, que esta debacle argumental me ha llevado a leerme un añito de la serie que tenía pendiente. Son números inéditos en España y que no pude conseguir en su día por el cierre de Zinco. Los recuperé hace un tiempo para gozo mío, logrando así tener los últimos 16 años de la serie sin ningún hueco. Se trata, cómo no, de la etapa que protagonizaron Chuck Dixon y Graham Nolan.

Aunque Dixon estuvo algunos números antes de que llegara Nolan, y algunos números después (completando así casi 7 años al frente de la serie más longeva del murciélago), fueron el grueso de los números con Nolan los que lograron capturar la atención de todos. Los que conocemos su trabajo desde hace tantos años, sabemos que Dixon no es un Alan Moore, pero sabemos que siempre cumple. Yo le comparo con el Spielberg de Parque Jurásico. Un tipo que sabe como atraer la atención del espectador, que crea entretenimiento puro y duro, pero sin desmerecer para nada el guión (una muestra). Así, esos años estuvieron salpicados de historias que nunca nos defraudaban.

Si a eso le sumamos un dibujo tan detallado y espectacular como el de Nolan, tenemos el equipo perfecto. Siempre me ha extrañado que este nombre, Graham Nolan, sea tan poco conocido en el mundillo, pero es comprensible viendo su bibliografía. Y es que su trabajo más destacado fue lo que hizo con Batman, 52 números de Detective Comics (con un récord de 20 de ellos seguidos, a ver que dibujante de su nivel hace eso hoy día), e historias tan reseñables como "Joker: Abogado del Diablo" y los dos números de "La Venganza de Bane".

También es verdad que mucho de su trabajo se desarrolló entre crossovers. "La Caída del Murciélago", "Underworld", "Contagio" y "Legado" salpicaron todos esos años. Quizá, por eso, al estar su trabajo tan "mezclado" entre otros, no quedara suficiente constancia de la calidad del mismo. Además, este hecho, impidió a Dixon desarrollar una trama única en su serie. Pero eso da igual, sabemos que el bueno de Chuck, a diferencia de muchos, se mueve como pez en el agua en estas lides. Cumplía dentro de los crossovers y cumplía fuera.

La primera vez que me dí cuenta del potencial de la pareja fue con "La Venganza de Bane". En este número único, se nos contaba la historia de Bane, desde su nacimiento hasta su llegada a Gotham. Un personaje nacido para convertirse en la némesis del Batman de los 90, y creado única y exclusivamente para que destrozara, en cuerpo y alma, al bueno de Bruce Wayne.

Además, Scott Peterson dirigía las Bat-Oficinas por entonces con mano firme. Dos historias tan aparentemente inconexas como la mencionada y "La Espada de Azrael" (O'Neil / Quesada), se convertirían en piezas clave de la macrosaga que se avecinaba. Bane derrotaría a Batman y Jean Paul Valley (Azrael) se haría con el manto del murciélago.

Más allá de una historia que todos conoceís (o por lo menos, deberíais conocer), lo que quería reseñar era ese trabajo de Nolan. Fué el que que le dibujó moribundo en la acera derrotado por Bane, fue quién mejor retrató a Azbat (como suele conocerse al Batman encarnado por Azrael) y quién mostró el glorioso regreso de Bruce Wayne. Aún hoy en día, su Batman me parece uno de los mejores que se han hecho en la historia. Hablando de dibujantes regulares, claro, no a hot artists que hacen un número y se van. Sé que exagero, pero hay números que no tienen nada que envidiar a un Neal Adams (del que hereda mucho) o un Jim Lee. Ese ceño fruncido, esos pliegues de la capa, esa sonrisita chulesca, son detallitos que él hacía como nadie.

Trabajó con varios entintadores, principalmente con Scott Hanna y Bob McLeod. A elllos también les corresponde gran parte del mérito, porque viendo los lápices de Nolan, estaba claro que el entintador debía aportar gran parte del trabajo. Por eso los resultados con distintos entintadores eran tan diferentes. Los peores, sin lugar a dudas los de Bill Sienkiewicz. Son estilos tan distintos que no estaba bien mezclarlos. Lo único que hacía Sienky era ensuciar una lápices buenísimos. Pero sin lugar a dudas el mejor resultado pudo verse en los números 714 (A World For Burning) y 715 (Days of Fire), donde trabajó con Eduardo Barreto, otro gran dibujante. El dibujo de esos número es poco menos que excelente. En ellos, además, Dixon jugaba con uno de los personajes que más le gustaban, Firefly. Y es que a Dixon le gustaba utilizar villanos de segunda clase, maltratados por el tiempo pero que con él ganaron mucha personalidad. El mismo Firefly o la KGBestia son buenos ejemplos. También creó a algunos propios con mayor o menor acierto. Sí me gustaron algunos como Gearhead (un tipo mutilado que culpaba a Batman y que se había hecho extremidades de metal) o Lock-Up (no creía en el sistema de Justicia y capturó, encarceló y torturó por su cuenta a muchos villanos).

Dixon también hizo muchos números estupendos sin Nolan, claro está. Para muestra os digo uno sólo. Tal como anda el mercado es muy dificil que un sólo número de 22 páginas te impacte, pero el Detective Comics 726 lo consiguió conmigo. Tanto, que seguro que he sido la única persona en el grupo en transcribir de principio a fin un cómic.

En fin, que si alguna vez se deciden a recopilar todos estos años en algunos tomitos, no lo dejéis escapar, porque mereció mucho la pena.

¡Larga vida a Dixon y Nolan!

Azrael

NdA: Todas las imágenes son dibujos de Graham Nolan.

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Guachmen, de Muvi

2008-03-24T10:54:00.003+01:00

Ya hemos mostrado las fotos que se han publicado con algunos de los personajes de la pelicula de Watchmen. OciOsO las analizó con su característico estilo:

El Comediante

El aspecto es igualico-igualico al de los tebeos, tanto que me resulta un poco raro, sobre todo el pelo, que me parece tan irreal como el de Máximo Valverde. Si veis la foto a un tamaño suficientemente grande, os llamará la atención que las canas parecen pintadas. Es como si hubieran tirado una raya y hubieran dicho "De aquí parriba, ni una sola, y de aquí pabajo, todo blanco". Entiendo que esto se representara así en el comic, que tampoco estaba la técnica en los 80 como para ir coloreando pelo por pelo. En cualquier caso no cantaba. Pero para un tipo de carne y hueso ¿no podían haberlas entreverado un poco?.

Por lo demás, la estética habitual de los últimos tiempos: brillos en la escopeta, en cada cartucho, en la máscara, en la frente, y por poco no los ponen en cada piececilla metálica de la bragueta.

El Buho

Les ha quedado un Batman con las orejas flácidas. A destacar que no hay cara de pánfilo ni barrigota. Lo que sí hay son muchos brillos. El aspecto de la nave pinta bien. Brilla mucho.

El Ozzy

Por algún motivo le han echado a la parte baja de la foto y le han quitado toda la prestancia. Le veo mas en Smallville que aquí con esa carita de secundario de serie adolescente y esa pose de aquí-están-mis-huevos con-ellos-podría-parar-una-bala que no acaban de convencerme. Entiendo los abdominales de la coraza, seguro que Alejandro Magno tenía una igual, pero no veo que utilidad tiene marcarle los bultos de los muslos. Supongo que cuantos mas bultos, mas brillos. Como detalle ornamental significativo, destacar el ojete que tiene sobre el paquete. A buen entendedor, buena sombra le cobija.

Rorscharch

Me tiene intrigado si van a hacer que el dibujito de la cara se le mueva o si simplemente va a ser distinto en cada cambio de plano. Personalmente preferiría lo segundo, aunque no creo que dejen pasar la oportunidad de hacer el efectillo especial de unas manchas moviéndose sinuosamente a lo Venom mientras suena un "slurp" similar al que se produce cuando empujas la bola de pelos que te obstruye el bote sifónico.

Como el traje no hace brillos, han decidido iluminar el fondo que no se sabe si tiene a su espalda el Estadio de los Yankees o una tienda de fotocopias. Lástima de gabardina, tan cutre ella. Eso sí, nuevecita, como recién comprada.

Silk Spectre

Vaya susto. Al principio pensé "¡Hostia, otra vez la de Alias!" y me fuí corriendo a la IMDB. Ahí esta la foto, y al pie pone...Carla Gugino. Esperaesperaespera...pocas carnes son esas para la Gugino. Total, que me miro el reparto, y efectivamente, la Gugino está, pero como la primera Silk Spectre, la que hace pinta de puta vieja.

La de la foto es su hija, la segunda Silk Spectre, la que hace pinta de puta vieja cuando era joven (que no de puta joven, que esa sería otra pinta) Esta debe de ser una supermodelo o algo. La foto es una preciosidad. Como el disfraz no tenía nada susceptible de brillar, han decidido pegarle fuego al fondo. Al frente, la chiquilla en una pose la mar de natural. Quiero decir natural si vas, o acabas de, hacer de vientre. Que a lo mejor está así toda la película para bajar el centro de gravedad, porque moverse con esos tacones tiene que ser mogollón de dificil.

Dr. Manhattan

Ya, que no está. Pero podemos especular.

Hacer que un tio parezca muy grande es algo muy sencillo jugando con la cámara, o ya tirando la casa por la ventana, incrustándolo en la escena digitalmente. Que sea azul tampoco debería representar mayor complicación. ¡Pero no habría brillos!

¿Para que van a usar a un tio pudiendo crearlo digitalmente desde cero y que se vea que aquí hay pasta? Además, así se moverá mas raro, con el típico balanceo que le dan al cuerpo para que no parezca digital, con la mirada perdida para que no parezca humano, y con el azul ya de serie.

Hacer lo primero que os he dicho resultaría como de pobres. Mola mucho mas vestir al tio que hacía de Gollum con un mono azul, llenarlo de sensores, digitalizar sus movimientos, crear un modelo 3D, y volver a pintarlo de azul. Aprovechando que va en bolingas, podrían hacer que le colgara la gota boba del prepucio y así ponerle...¡un brillo!

Estoy deseando verla.

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Sin poner adjetivos que puedan sonrojar a más de un director, ¿al nivel de qué película pensáis que estará Watchmen?

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La Mazmorra y otras cosillas

2008-03-17T14:25:00.002+01:00

LA MAZMORRA FESTIVAL:
Una mazmorra de más
Sfar, Trondheim y Larcenet

Festival, una de las muchas series de La Mazmorra, está protagonizada por Marvin y Herbert, protagonistas del primer álbum, y prescinde de la continuidad. Yo pensaba que sería una excusa para aprovechar la popularidad de los dos personajes sin que la trama de la serie se metiese enmedio, pero me alegra ver que la idea de los autores es mucho más interesante. Festival evita las situaciones más adultas de las series principales y tiene unas historias más simples y humorísticas, que la hacen perfecta para los niños, ya sabéis, esos que no leen cómics.

En este álbum, un empresario monta una mazmorra "para todos los públicos" justo al lado de la del Guardián, que piensa que un montón de atracciones de feria no son rival para su negocio. Y a partir de ahí, chistes y situaciones absurdas, con el dibujo siempre atractivo de Larcenet, aunque me hubiera gustado más un dibujante un poco más distinto a los originales, por aquello de la variedad. La única pega que le veo a Festival es que, aunque este álbum en concreto es muy divertido, la mayoría tienen poca chicha para los adultos. Pero claro, para eso están las otras series.

Dreebo

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Demon (el de Kirby y el de Ennis)

El primero es Kirby, menos mal que él y Jodorowsky no se conocieron a tiempo para hacer cómics juntos; una lectura entretenida, aunque algo repetitiva. Sí, el formato es malo, pero, es el mínimo aceptable. El tono general me recuerda su OMAC, llorón con el destino, buscando una salida que no existe.

Ahora, el Demon mal follado de Ennis, ese si me gusta, y más por andar dando por saco Hitman al principio; este Demon es realmente una versión de John Constantine si fuera demonio. Comparando uno con otro, gráficamente el primero manda, y en comparación el formato le queda mejor curiosamente; en cuanto a las historias se pierde el toque suave del primero, para pasar al agrio tono de negativismo postpunkista de Ennis.

Duck Tales by Marv Wolfman : The Scrooge´s Quest

Y dirán ustedes, ¿¿que leches hacía Wolfman haciendo tebeos de Disney??, ganarse las lentejas, leñe, que todo hay que decirlo; reconoce en la introducción, que el no había leído de peque nada de Disney, pero al tiempo, un posteriormente editor de Disney le dejó ir leyendo a Banks, Godfredson, Rosa, etc... Y le convenció, gustó y pidió que le dejaran leer más. Cuando le llamaron para trabajar con ellos (al principio de su carrera, supongo, se me han olvidado las fechas), se mostró muy contento, e inició unas historias enlazadas en las que realmente trató una especie de Caída y Auge del Tío Gilito.
Lectura entretenida, sin más y sin menos cuando se hace bien, con muchas referencias a Patohistorias pasadas.

Twelve (Marvel) y Superpowers (Dinamyte)

Repesquemos personajes perdidos en el tiempo y hagamos algo con ellos.

En el primero Straczinsky , recoge a viejos héroes y los pone al servicio del estado cual Supreme Power con veteranos hibernados.

En el segundo, el Ross Studio, demuestra que el diseño que realizan supedita a él siempre la historia, pero vamos, partimos de una especie de los "Pecados del Padre" (Starman), abuelo en este caso, y como las influencias malas haciéndose pasar por buenas pueden cagarla.

Para ser los primeros números llaman la atención, sin más.

Elkjaer

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Las Crónicas Nemedias

2008-03-14T13:40:00.009+01:00

En breve (para el 4 de abril) saldrá a la venta Las Crónicas Nemedias de Francisco Calderón.

En el se recoge un estudio completo de los personajes creados o inspirados por la obra de R. E. Howard según su publicación en cómics por las distintas editoriales. Desde Conan, ya que en Conan, Biografía de una leyenda sólo se hacía mención a los cómics de Marvel, a Solomon Kane pasando por Kull, Red Sonja (tanto Marvel como Dynamite) Bran Mak Morn y muchos más. También incluye los relatos de terror que tienen versión en viñetas y novelas, como Pigeons from Hell o Almuric.

En definitiva, aquí encontraremos todo lo relacionado con el escritor tejano que tenga adaptación al noveno arte estudiado en profundidad, con biografías, orden de lectura cronológico de los personajes según los cómics y rarezas publicadas.

Complemento ideal para su anterior trabajo, Conan, Biografía de una leyenda, aunque también puede ser disfrutado de forma independiente.

Se incluye, además, una actualización y fe de erratas de Conan, biografía de una leyenda.

RG, de Frederik Peeters

2008-03-12T10:58:00.002+01:00

RG: Riyad-Sur-Seine
Peeters / Dragon

El autor de Píldoras Azules se junta aquí con un tal Pierre Dragon (espero que sea un seudónimo) para hacer una serie policíaca que me ha llamado la atención. Dragon pertenece a un departamento de la policía francesa que investiga la financiación de los grupos terroristas islámicos, y pretende conseguir con su colaboración con Peeters que los policías puedan identificarse con los personajes del cómic.

Dar un toque realista a una historia de policías no es nada nuevo, desde luego, pero muchas veces las aportaciones de personas ajenas a un medio son interesantes, y esto sucede con Dragon. En RG Peeters utiliza muchísimas anécdotas de su compañero, sobre los policías, sus métodos de trabajo y cómo afecta éste a su vida privada, sobre los pequeños traficantes y sobre los magnates del petróleo que se pasean por París, sobre la colaboración entre agentes de distintos países... Con un dibujo vistoso y efectivo, todas estas anécdotas dan mucha vida a RG y consiguen que desde la primera viñeta nos creamos que los policías que rodean a Dragon son de carne y hueso.

Hace unas semanas se comentaba en La Cárcel que RG sería una película fantástica. Yo no lo tengo tan claro. El enfoque y el ritmo de RG, que carece de un principio y de un final, y que no se construye como las obras de ficción, a base de sorpresas y giros inesperados, no me cuadra para una película, al menos para una convencional. Supongo que Pons se refería más bien a lo logrado que está el ambiente de la serie, a lo fácil que es traducir una página de Peeters a lo audiovisual. Eso sí, RG tiene tanto interés documental y divulgativo como dramático, y podría funcionar bien en televisión. Echadle un vistazo porque os sorprenderá.

Dreebo

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Personajes de Watchmen para la película

2008-03-07T10:59:00.009+01:00

Ya se va desvelando el aspecto de los personajes protagonistas para la película Watchmen.
En el blog oficial nos muestran unas fotos que no pintan muy mal de momento (aunque ese Ozymandias...).
Aqui os las ponemos:

Reseñas : Shadowpact

2008-03-05T12:40:00.001+01:00

SHADOWPACT:
La conspiración del Pentáculo
Bill Willingham y varios

Supergrupo cuyos miembros tienen todos poderes mágicos, algo al parecer muy común antes de que se pusieran de moda los atómos y los genes. Éste podría ser un punto de partida interesante para dar vidilla a unos superhéroes, ya que, como dice el propio Willingham, con la magia todo vale, y fue lo que me atrajo del cómic. Pero a la hora de la verdad ni se plantea hacer nada distinto: los miembros de Shadowpact visten de lycra, vuelan y tiran rayos como todo hijo de vecino.

No es que prefiera esos rollos que hacen siempre los guionistas británicos donde llega un tío y le suelta al protagonista un rollo de 30 páginas sobre Aleister Crowley, pero hay un punto medio entre el coñazo de "Los libros de la magia" y darle una varita mágica a Spiderman y pretender que es innovador. Estoy leyendo Promethea, por cierto, que al principio me pareció estar en ese punto medio, pero nada, ya han empezado los largos monólogos sobre el simbolismo del Tarot.

Shadowpact empieza en un pueblo en el que un grupo de magos prepara un sacrificio, un asesinato ritual en masa que Willingham consigue que sea tan terrorífico como un episodio de Heidi. Después aparece la némesis del grupo y ordena que se contrate a una serie de superseres para mantener ocupados a los Shadowpact, lo que viene muy bien para que haya muchas peleas de relleno y que en lo que queda de tomo no se desarrolle gran cosa.

Lo más destacable del primer tomo el es dibujo de Cory Walker en un par de números, que nunca me ha llamado la atención, pero aquí se ha lucido con la tinta y recuerda al breve pero mítico equipo Mignola-Nowlan. En cambio el propio guionista dibuja un Superman en las primeras páginas que tiene delito.

Cuando salió este tomo Barb recomendó los números que vienen después, pero viendo cómo empieza esto, mucho tiene que cambiar para que me guste el resto, en el dibujo, en las historias y sobre todo, en el hecho de que Shadowpact es indistinguible de la mayoría de grupos de superhéroes corrientes.

Dreebo.

El Salón de Granada (visto por Arandalus)

2008-03-04T17:23:00.008+01:00

Pues han sido tres días bastante intensos, nunca me había pateado así un salón.

Este año el evento repetía lugar de celebración, en la Feria de Muestras de Armilla, con lo cual el espacio para "respirar" estaba asegurado; así no habría apreturas ni agobios entre las exposiciones, firmas, stands, escenario (de cosplay y concierto de Hiroki Takahashi -cantante de Dragon Ball entre otras series-), zona de videojuegos y, por supuesto, stands.

De hecho el recinto era tan grande que pareciera que había poca gente, pero entre dentro y fuera en la explanada había una burrada de gente; incluso hice un conteo a voleo de stands y había mucho más de los que imaginaba en un primer vistazo, aunque naturalmente los dedicados al merchadising ganan posiciones. Mucho disfraz también, pero bueno, es lo habitual. Y por cierto, que muchísima gente joven, entre adolescentes y veinteañeros.

La verdad es que la organización ha estado de fábula. He vivido de primera línea el tema de las reuniones entre autores y editores extranjeros, así como las firmas, y todo ha funcionado a la perfección. Incluso el hotel estaba genial (aunque yo he dormido en mi cama :-DD). De invitados, pues buena organización, sin problemas de horarios ni nada. Los invitados entre otros han sido Juan Giménez, Brian Azzarello y su mujer Jill Thompson, Phil Jimenez, Brian Bolland, Carlos Ezquerra, Carlos Pacheco, etc. El viernes por la noche los llevaron a un tablao flamenco y al día siguiente estuvieron en los Jardines del Generalife, junto a la Alhambra, así que espero que la impresión que han sacado de aqui no sea solo de un montón de frikis disfrazados pidiendo firmas. :-PP
Sumado a ellos, de otras editoriales como Aleta Jordi Bayarri, Victor Santos, Juanjo RyP, Vicente
Cifuentes, Stefano Martino (en breve lo vereís en un número de Doctor Who de IDW) y José Fonollosa. La verdad es que Joseba este año se lo ha vuelto a currar un montón en Aleta; de lo cual por cierto deberían aprender otras editoriales como Planeta, Panini o Norma que estuvieron absolutamente ausentes del salón, a saber por qué razón, porque si pueden las pequeñas, las grandes con más razón. Y prueba de ello es Glénat, siempre al pie del cañón en estos temas.

En lo personal ha sido bastante agotador, aunque he podido saludar y hablar con un montón de gente (sobre todo amiguetes lectores, y autores) y eso sí, pasármelo de escándalo, porque por fin pude quedar a comer con Chiki y compañía, y Donz (¡¡¡¡muchas gracias por los scans!!!!) y compañía, quitarme la espinita del Expocomic y disfrutar de una conversación estupenda... y un solomillo con salsa de higo caramelizado que es pura una maravilla. ;-) Fue un crossover entre dos foros muy entretenido.

De exposiciones o charlas no puedo decir nada, porque en tres días no tuve ni tiempo de verlas (solo pude comprarme el recopilatorio de la Liga de los Caballeros Extraordinarios), pero parece que gustaron. Tampoco pude pillarme ninguna firma, y eso que llevaba para Azzarello, Phil Jimenez o Brian Bolland.

Pero nada, que por mi parte ha estado genial.

Podéis seguir el hilo *aqui*

Más Ultra todavía

2008-02-22T18:40:00.000+01:00

Nunca sobra una segunda opinión. Yo ya dí la primera, y ahora dso nos cuenta que opina de Ultra:

Vale. la primera pregunta es obligada.

¿De qué va este cómic?

La protagonista tiene habilidades como superfuerza, poder para volar, cosas por el estilo. Así que es super. Y salva gente. Así que es una heroína. La respuesta más obvia es que el cómic va de superhéroes. Incluso alguien podría llegar a pensar, inocente gorgorín, que éste es un cómic de superhéroes.

Y se equivocaría, claro.

Las protagonistas son un grupo de mujeres de unos 30 añitos que son famosas. Muy famosas. Y para las que el éxito profesional se traduce en contratos con revistas, nominaciones a premios y cosas por el estilo. Cierto, salvan gente, según los encargos y las directrices de las compañías para las que trabajan, las que pagan las facturas y negocian los contratos. Pero el eje central de su éxito no es la lucha contra un supervillano, sino las nominaciones a superheroína del año.

Así que no son unos personajes muy arquetípicos. Con ellos, los autores repiten un poco la fórmula de Milligan & Allred en X-Statix, la de unos superhéroes que se preocupan más por el reconocimiento y la fama que por salvar vidas. Pero los Luna Bros., con su peculiar estilo para los diálogos y las situaciones cotidianas que ya hemos visto en Girls, profundizan mucho más en las vidas de cada uno de ellos, dejando el componente superheroico en un segundo plano.

"¿Para qué convertirte en una superheroína si no es para acostarte con superhéroes?"

En fin, que es un cómic entretenido, con grandes dosis de humor, con unos giros del argumento imprevisibles y una presentación bastante buena. El dibujo es un tanto plano, ya que las caras de los diferentes personajes no se diferencian más que por el corte de pelo, y los fondos, para aquellos que disfrutan contando las ventanas de los edificios, resultarán fríos y de escaso valor. Pero es un estilo interesante, al que no hay que prejuzgar y dejar que nos impida disfrutar del cómic.

Y cierto es que las protagonistas podrían ser modelos en vez de superhéroes y no pasaría nada, y que alguien puede ver en ese aspecto un burdo intento por no cerrarles las puertas a los fans de este tipo de comics, pero a mí, como lector de comics de superhéroes, me ha gustado. a otras personas a quienes se lo he dejado les ha gustado igual.

Ya estáis tardando.

dso, admitiendo que se está enganchando a los trabajos de estos autores

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